cinegrafia

o milagre de anne sullivan

2011-09-24T17:21:00.000-03:00

Deus não faz milagres. Acredito na tese do poder da mente e toda aquela história sobre perseverança. Religião surge como um contraponto, uma base para não se deixar enlouquecer. Afinal, precisamos acreditar em algo. Precisamos depositar toda a esperança possível naquilo o que nos foi ensinado. Claro, opinião simplória de alguém que não entende nada, mas não perde a esperança (irônico?). O que seria de nós sem as dúvidas sem respostas. "O Milagre de Anne Sullivan" (Annie, Anne ou Ana como está na atual edição lançada aqui no Brasil) é um filme que não se perde nessas questões. Engraçado que, em uma época tão moralista, "O Milagre de Anne Sullivan" vai a contramão de tudo isso. Não vemos a religião em si. O milagre especificado o título é apenas um convite. O filme trata de perseverança e fé (de forma sarcástica, diga-se de passagem), porém, tudo depende apenas de uma pessoa. Esperar não é a resposta.

Helen Keller (Patty Duke) é uma criança difícil. A dificuldade não está em seu comportamento rebelde como uma criança normal. Helen é uma criança que já nasceu com deficiência visual e auditiva. Sendo assim, acabou ficando muda com o tempo. Não há adaptações, ela apenas foi crescendo e deixada de lado. Não havia o que fazer. Mimada pelos pais, que em determinado momento pensam em jogá-la em um asilo, surge Anne Sullivan (Anne Bancroft), aquela pessoa determinada e que consequentemente é a última tentativa do casal em ajudar Helen. Anne Sullivan é jovem, determinada, perspicaz e inteligente. Deficiente visual de nascença voltou a enxergar após inúmeras operações. Seu trabalho é árduo e aparentemente impossível. Como ensinar uma garota cega, surda e muda? E que ainda por cima não possui a noção de nada. Helen estava ali. Perdida em sua noção de espaço e (completamente) jogada ao relento. Penso em suas dúvidas e sobre a sua noção de si mesma. Será que Helen sabia de tudo isso? A magnitude em que estava inserida? Pois, certamente, as chances de Helen entender sobre si mesma e aprender sobre tudo parecia tão surreal quanto Anne se prontificar a fazer isso. Desafio aceito. Pode um milagre acontecer sem as mãos de Deus?

Sim. O milagre pode acontecer. Não, não desta forma. Lembre-se que "O Milagre de Anne Sullivan" é um filme hollywoodiano, mas possui os pés no chão (é necessário alertar spoilers? Pois bem...). Não vemos Helen falar e ouvir como forma de milagre. Apenas acompanhamos o seu aprendizado. Anne ensina tudo. Anne mostra um mundo novo para Helen que não se resume ao mundo particular de Helen. A garota podia sentir o ar e tocar as árvores, mas não sabia do que se tratava. Não sabia quem era, ou suas limitações como ser humano. Helen era apenas alguém pronta para aprender só precisava de alguém apto a ajudar. Anne fez o milagre e teve a perseverança. Deste modo, o filme é muito mais que uma lição de moral ou um bom drama. Tecnicamente, é um verdadeiro primor. Possui uma excelente direção de Arthur Penn e uma trilha sonora arrasadora. Porém, são as atuações que se tornam o grande destaque do filme. Anne Bancroft (que venceu Audrey Hepburn e Elizabeth Taylor na disputa pelo papel) em uma atuação esplêndida e merecedora do Oscar que a atriz recebeu na época. Patty Duke que se encontra fenomenal, possui uma composição incrível tamanha a dificuldade e complexidade que a sua personagem exige. "O Milagre de Anne Sullivan" não é um clássico. É memorável.

The Miracle Worker | Arthur Penn, 1962

a noite americana

2011-09-21T09:29:00.021-03:00

Truffaut idealizou a obra definitiva de amor ao cinema. Uma homenagem simples e cativante aos olhos de um espectador que deu a sua vida ao cinema. Não há melhores adjetivos para definir a sensação de ver "A Noite Americana", filme que retrata de forma singular os bastidores de um set de filmagem. A dificuldade em realizar e concluir um filme. O inicio da paixão de um cinéfilo, ou as loucuras de ser ator e conviver com isso. Truffaut faz questão de mostrar tudo isso com extrema realidade, mas sem perder o foco. Mesmo que o seu desenvolvimento seja em cima desta base simples, estamos acompanhando um filme que caminha sem perder o rumo. Dúvidas sanadas. Cinema em erupção. Podemos definir o amor pelo cinema? Podemos considerar isso como amor? Qual a importância do cinema na vida das pessoas? Afinal, que raios é cinema? O que é ser cinéfilo?

Truffaut idealiza uma ideia. Faz sua homenagem de forma justa. Porém, trazendo a questão para tempos atuais, podemos considerar nosso amor pelo cinema? Essa pergunta insistente surgiu quando terminei de ver o filme. O motivo disso é pelo simples fato de que a "cinefilia" vem crescendo de forma gradativa entre as pessoas. Cinema antigamente poderia ser visto como algo normal ou dentro dos padrões. Acontece que, de alguns anos para cá, a indústria cinematográfica vem ganhando diversos admiradores e crescendo de forma ascendente. Enquanto o mundo transforma, evolui... O cinema está aqui, vivo. Estranho perceber que tudo acaba, mas o cinema apenas completa o seu ciclo. De certa forma, podemos concluir que o cinema é insubstituível. Assim como o nosso (estranho) amor com ele. Deixando as definições e o sentimentalismo de lado, "A Noite Americana" resume bem esta ideia, mesmo que esteja em suas entrelinhas: O cinema é uma forma de amor. Sempre haverá pessoas apaixonadas por ele, e sempre teremos a vaga de ideia de amar o desconhecido. Sem mais delongas, vou deixar esta discussão para outra hora. Mas fica a pergunta: O que é cinema para você?

"Noite Americana" acompanha os bastidores das filmagens do filme "A Chegada de Pâmela". O diretor Ferrand (François Truffaut) está cansado. Trabalha durante horas e sente que o seu filme não está bom. "Pâmela" parece ser apenas um rascunho de uma grande obra. O diretor tenta resolver diversos problemas como o do ator Alphonse (Jean-Pierre Léaud) que se encontra arrasado após ser abandonado por sua noiva; Julie (Jacqueline Bisset) que está retornando aos sets de gravações após uma crise séria nos nervos. Ainda temos a alcoólatra Severine (Valentina Cortese) e uma morte repentina de um dos atores que pode acabar atrasando ainda mais as filmagens. Todas as situações são mostradas com uma certa ironia, já que "Pâmela" tem tudo para dar errado, porém, Truffaut dosa as situações de forma surreal trazendo um contexto sério e convidativo. Sem contar na sutiliza em sua homenagem à grandes diretores do cinema como Hitchcock, Bergman, Orson Welles e dentre outros. Ganhador do Oscar de Melhor filme estrangeiro em 1973, "A Noite Americana" é um filme singular e apaixonante sobre o cinema. Um presente de Truffaut para os adoradores da sétima arte.

La Nuit américaine | François Truffaut, 1973

professora sem classe

2011-09-20T07:08:00.009-03:00

"Professora sem Classe" é uma comédia. Não uma comédia romântica. Apenas comédia. Sendo assim, quando eu fui ver o filme (mesmo que tenha lido comentários negativos a respeito), estava esperando ver uma comédia. Infelizmente, isso não aconteceu. Quase aconteceu, mas não aconteceu. Parando agora para analisar percebi que o filme é totalmente esquecível, portanto deixa-me puxar da memória tudo aquilo o que puder para apresentar um argumento (como sempre: plausível) para explicar o motivo de "Professora sem Classe" chegar "quase lá". Chega de enrolação. O que você precisa saber é que a cena inicial dos créditos é bonita, bem feita e possui uma ótima sacada. Uma ideia que funciona e traz um fio de esperança. A cena é simples e apenas mostra momentos cinematográficos envolvendo professores e alunos. A cena em si, mesmo que possua o mesmo tema, não tem ligação (ou fundamento...) com todo o restante da trama.

Como assim não tem fundamento? Simples, a cena inicial é sarcástica e convidativa, algo que o restante do filme não consegue ser. A premissa é banal, porém, se tivesse tido um roteiro inspirado poderia ter dado um ótimo filme. Acompanhamos a árdua luta de Elizabeth (Cameron Diaz) em arrumar um namorado tão rico quanto o seu ex, que percebendo a furada em que estava se metendo resolve dar o fora na moça. Elizabeth leciona em uma pacata escola, mas odeia dar aulas e não suporta os seus alunos. Porém, percebendo que não tem peito suficiente (literalmente) para segurar um homem resolve ter como meta colocar um par de silicone nos seios. Para isso, ela resolve trabalhar e fazer de tudo para levantar a quantia exata para a sua cirurgia. Enquanto isso, ela tenta conquista o novo professor, Scott (Justin Timberlake) e ainda aguenta as investidas de Russell (Jason Segel). Sem contar na sua estranha rival Amy (Lucy Punch). O roteiro banal possui suas críticas (comodismo, hipocrisia, ética e etc...), mas em nenhum momento vemos um resquício de desenvolvimento desses temas.

O grande problema de "Professora sem Classe" é no que deveria ser a sua salvação: o humor. Com uma personagem com um potencial tão grande como Elizabeth, fica difícil acreditar em como o filme conseguiu ser tão sem graça. Há diversas situações e momentos que renderiam ótimas piadas, mas nada funciona. Possui apelações do gênero, mas situações bizarras e palavrões não salvam um filme. Cameron Diaz que está em sua zona de conforto possui uma boa atuação, a atriz convence como a "bad teacher" do título. Lucy Punch que aparece exagerada para não dizer irritante, e ainda temos Justin Timberlake que aproveitou o filme para ganhar uns trocados, afinal só isso explica o ator ter aceitado participar deste filme. Se o filme tivesse focado na relação de Elizabeth com o personagem de Segel, seria uma boa comédia romântica. Ambos demonstraram uma ótima química em cena. "Professora sem Classe" é um filme com boas intenções e percebe-se isso em suas atuações e direção. Uma pena que o resultado final tenha sido assim tão... Catastrófico!

Bad Teacher | Jake Kasdan, 2011

maria antonieta

2011-09-18T11:16:00.007-03:00

Acompanhamos, aos olhos de Sofia Coppola, o nascimento, auge e declínio de Maria Antonieta, polêmica rainha da França. Sua história de vida não é segredo de estado, e mesmo que contenha situações fílmicas, é um filme que ao primeiro olhar se torna curioso. Coppola é conhecida pela singularidade e o seu silêncio. A cineasta gosta de mostrar o mais íntimo de seus personagens, mesmo que resulte em momentos enfadonhos como foi o caso do filme "Somewhere" (filme pelo qual eu não compartilho da mesma adoração como muitos). Interessante, se formos fazer um parâmetro entre Coppola e Antonieta. Coppola aprecia o silêncio, enquanto que Antonieta se mostra o contrário. Rainha festiva e ingênua, porém, completamente entediada. Combinação perfeita entre personagem e diretora. Portanto, não há ninguém melhor do que Coppola para retratar a tal lenda francesa.

Maria Antonieta (Kirsten Dunst) sabe a que veio ao mundo. A princesa, por motivos políticos, acaba se casando com o futuro Rei da França, Luis XVI (Jason Schwartzman). O casamento acaba sendo marcado pela ridícula recusa do Rei à sua esposa. Sem a consumação do casamento, ambos viram motivos de piadas e fofocas em todo o reino. Sem contar que a tal atitude resulta na falta de filhos. Ou seja, tudo acaba caindo em cima de Maria Antonieta que é acusada de não ser totalmente apropriada ao seu marido. Seu único objetivo como Rainha era a procriação, algo que não estava acontecendo. Maria Antonieta estava pisando em ovos e precisava conquistar o seu espaço e mostrar a sua força como mulher. Maria Antonieta sabia disso, porém, resolveu fazer as escolhas erradas. Seu amadurecimento resultou em festas, enquanto as fofocas aumentavam, a sua ignorância ia de encontro ao relutar contra todos. O problema de Maria Antonieta era que a mesma não se comportava como deveria. Como deixar um país em poder de alguém que não preocupa com o se povo?

Por mais que Sofia Coppola mostre argumentos que definam Maria Antonieta, ela não conseguiu achar a resposta exata para tamanho descaso com toda a situação. Maria Antonieta, aqui, é retratada como uma mulher frágil e pouco sábia que não sabia onde estava ou como cumprir as suas obrigações. Está certo que a Rainha tinha diversos motivos, mas é impossível de adentrar ao psicológico de alguém que apresente tais "argumentos". Neste caso, Coppola não conseguiu o que queria. No entanto, Maria Antonieta segue como um rascunho de uma importante figura histórica. Quem era, de fato, Maria Antonieta? Aos olhos de Coppola só sabemos o superficial: festa, homens e dinheiro. O objetivo de desenvolver Maria Antonieta se mostrar quase que uma obsessão por parte da cineasta que prefere fazer belas cenas ao invés de focar na interessante parte política. Além de filhos, ficamos sem saber qual o verdadeiro papel de Maria Antonieta dentro da política ou sua introdução na grande crise acontecida na França que resulta em sua morte. Aliás, um dos momentos mais esperados não é mostrado.

Eu sei que você, meu caro leitor, deve estar se perguntando o motivo de tantas "reclamações" (devo chamá-las de reclamações?). Acontece que, apenas agora eu me dei conta de algumas situações que envolvem o filme. E mesmo que contenha suas falhas, "Maria Antonieta" consegue ser o mais agradável de Coppola para mim. Sua fotografia colorida, viva e delirante é de uma beleza ímpar. Sua trilha sonora moderna combina com a personagem e todo o clima envolvente criado por Sofia Coppola. Tecnicamente, é um filme perfeito. Sua falha está apenas na proposta inicial de Coppola que não é suprida propriamente. E mesmo que isso aconteça, é bom destacar o excelente desempenho de Kirsten Dunst, que aparece à vontade em cena. Mas verdade seja dita, não deve ter sido tão difícil para Dunst fazer Maria Antonieta, por motivos óbvios. "Maria Antonieta" não se torna decepcionante, mas também não é memorável. Mas ainda sim, considero um alívio na filmografia de Sofia Coppola. Afinal, estamos rodeados de som e fúria.

Marie Antoinette | Sofia Coppola, 2007

doidão

2011-09-13T00:21:00.018-03:00

As pessoas estão ficando cada vez mais solitárias e depressivas. Estranho que, é fácil chegar nesta conclusão, mas é difícil encontrar os meios que a levam a isto. Está certo que temos a internet como o grande vilão, já que com a facilidade de aproximação acaba separando as pessoas. Mas isso sempre ocorreu. As pessoas sempre foram distantes, independentes de serem adeptas a uma rede social ou não. "Doidão" trata explicitamente esta questão sobre a distância, hipocrisia e a frieza humana no sentido de amizade e amor (não necessariamente "frieza", mas é sempre bom dar uma exagerada extra). O que esperamos quando nos sentimos atraídos por alguém? Como entender ou captar as reais intenções de uma pessoa? Como ser feliz em uma sociedade tão complexa? O objetivo é claro. Abusando de ironia e sarcasmo, acompanhamos uma verdadeira metáfora sobre nós mesmos. Uma forma evidente de reflexo que nos torna transparente.

Luke Shapiro (Josh Peck) está prestes a ir para a faculdade. Neste verão quente de 1994, os seus pais recebem uma carta de despejo e as brigas aumentam. Sabendo da atual situação da família, Luke começa a duplicar as suas vendas de maconha, fazendo aumentar o seu ganho, assim como a droga que usa. Consulta-se regularmente com o Dr. Squires (Ben Kingsley), um de seus clientes mais fiéis e que com o tempo vai se tornando o seu único e melhor amigo. Dr. Squires é um tipo debochado que abusa de todo o tipo de droga e ainda tenta salvar o casamento com sua esposa parasita. Possui uma bela enteada, Stephanie (Olivia Thirlby), que coincidente acaba se relacionando com Luke. A relação não parece boa aos olhos do médico, mas a "coisa" vai se desenrolando por contra própria. O filme prioriza esses temas, mas tudo acompanhado de uma surrealidade incrível ao colocar sempre a "droga" em primeiro lugar. Esta, por sinal, se torna a grande protagonista do filme.

O filme foca em Luke, mas desenvolve a história com todos os personagens. Luke é o típico adolescente revoltado, depressivo e que se sente sozinho e único por não ter perdido a virgindade. Encontra Stephanie e logo se apaixona loucamente como se ela fosse a última garota da face da terra (exagero, claro!). Já o Dr. Squires, vendo que o casamento não há salvação, acaba saindo por aí transando com menores de idade. O que resulta em uma ótima participação de Mary-Kate Olsen em uma cena bizarra pelo simples fato de ter sexo, drogas e Kingsley na mesma cena. Algo meio que... Inimaginável (ou nem tanto...). Mesmo que Luke seja o personagem principal, é Dr. Squires que se torna o mais realista. Squires é lunático, mas sempre está disposto a tentar mais uma vez. Sempre tenta consertar os cacos, mas nem sempre dá certo. O personagem é bem construído e possui a uma atuação magnífica de Ben Kingsley, mesmo que seja completamente surreal Kingsley consegue fazer de forma eficaz e até mesmo sutil. Mesmo que resulte em total deboche. Mas, no final, o que fica de lição é que as poucas amizades é que fazem a diferença em nossas vidas. Tão estranhos e tão iguais, Dr. Squires e Luke criam uma amizade intensa e duradoura. Um elo de pai e filho.

"Doidão" não possui um roteiro surpreendente, nem mesmo uma trilha sonora arrasadora. O clichê está ali fazendo hora extra e a direção é apenas eficiente. Ou seja, "Doidão" se torna um filme completamente comum ao se igualar a tantos outros. É claro que isso é na teoria, já que o filme possui particularidades completamente estranhas. Diria que é um filme peculiar e de sensações estranhas. Não é indispensável, mas é agradável. Só para constar, o filme possui Josh Peck como protagonista. Isso mesmo, aquele gordinho que vivia à margem do seu irmão bonitão naquela série adolescente pelo qual não me lembro do nome agora. Sim, ele tem uma boa atuação aqui, mesmo que pareça deslocado em diversos momentos. Seu esforço é interessante, mas não o bastante para criar uma boa química com a sua parceira em cena Olivia Thirlby (que, aliás, é a mesma que fez a melhor amiga de "Juno"). Agora, caso você já viu o filme, me responda uma pergunta: Quantos baseados (ou pessoas fumando ou citando-o) aparecem no filme? O filme deve ter batido alguma recorde neste quesito!

The Wackness | Jonathan Levine, 2008

a árvore da vida

2011-09-11T21:34:00.011-03:00

Entro na sala acompanhado de uma amiga e me sento à esquerda. Não gosto deste lugar, já que não favorece tanto o ângulo quando se vê o filme, ao menos inicialmente. Gosto de me sentar no meio, tenho uma estranha sensação de realização quando sento no meio. Vejo o filme pelo ângulo correto. Este estranho raciocínio é apenas para mostrar a minha sorte quando ao meu lado sentou duas senhoras muito distintas. Tomo a liberdade de chamá-las de puta mãe e puta filha (desculpe-me pelo palavreado de baixo calão, mas o blog ainda é meu, certo?). O filme se inicia e logo nas primeiras cenas a puta filha começa a reclamar sobre o ritmo e a dificuldade para entender a história central. Em nenhum momento ela se tocou que estava falando alto demais, ou, que não estava atenta ao filme. Ou seja, nunca iria conseguir compreender o que estava diante de seus olhos. Quando gloriosas imagens apareceram, ela se limitou a dizer que não tinha pagado para ver o "Globo Repórter".

Não preciso dizer que quase mandei a mulher e sua mãe para as cucuias. O pior foi perceber que esta reação não foi apenas dessas duas mulheres, e sim, do cinema inteiro. Quando as luzes se apagaram, várias pessoas levantaram exaustas de suas cadeiras agradecendo a Deus pelo martírio ter chegado ao fim. Eles estão corretos em afirma isso? Sim e não. Óbvio que cada um tem a sua opinião e isso deve ser respeitado, agora há uma diferença entre gostar ou recusar algo. Nas primeiras cenas o público já estava sentindo como seria o filme, sendo assim, muitos preferiram criticar ou invés de prestar atenção (assim como o caso acima). Uma pena que isso aconteceu. "A Árvore da Vida" é um belíssimo exemplo de filme que levanta discussões e obriga o se espectador à por seus neurônios para trabalhar. Sua história é o mais simples possível, mas Terrence Malick não está interessado em deixar isso claro. Exagera nas imagens, nas discussões e no tom do seu filme. Exageradamente simples e até debochado, "A Árvore da Vida" se torna uma arte incompleta ao colocar as complexidades da vida. Sem explicações, Terrence Malick cria um circo de horrores aonde o ser humano é o grande astro.

A história central é o maior mistério da terra. O diretor coloca a dúvida do nascimento, o amor e o ódio. Acompanhamos o crescimento dos filhos do casal O'Brien (Brad Pitt e Jessica Chastain), enquanto temos o prazer de ver o "nascimento" e a "evolução" do Planeta Terra. Em paralelo, ainda temos Sean Penn em tempos atuais vivendo o filho mais velho do casal. Vemos o filme, praticamente, pela ótica de uma criança. Jack é uma criança destemida, mas que com o passar do tempo se torna rebelde ao questionar os ensinamentos de seus pais. Enquanto a sua mãe é doce e tenta criar os seus filhos com boa índole, o seu pai vai à contramão e de forma rígida tenta criar homens. Ambos tem uma luta travada entre si, claro que o lado mais forte (o pai) ganha. Terrence Malick evidencia o ser humano de forma ímpar. Jack, por exemplo, possui momentos dúbios e sempre está mudando de opinião. Não entende o pai e prefere vê-lo morto, mas ainda sim consegue amá-lo quando o pai decide dar uma brecha. A esposa tão calma e doce vira uma leoa quando preciso e o pai tão rígido vira uma manteiga derretida quando abre o coração aos seus filhos. Personagens humanos e de características forte. Sem estereótipos. Algo necessário para a história que Malick decide contar.

O nascimento do Planeta Terra pode ter vários significados, mas em uma cena especial merece uma atenção maior. Um dinossauro pisa (ou apenas passa o pé?) em um dinossauro pequeno que estava descansando a beira de um rio. No momento, ao menos, pareceu ser uma clara alusão à relação de Jack e seu pai. Ou seja, desde os primórdios da terra temos a dificuldade de manter relações. Jack cresce e se torna apenas um rascunho do seu pai. Totalmente infeliz, desde a infância. Mas isso é algo que merece uma reflexão, já que a primeira vista é impossível não prestar atenção apenas nas gloriosas imagens que tomam conta do filme. Mas em um resumo, "A Árvore da Vida" é isso: um estudo sobre o ser humano, suas relações interpessoais e aquilo o que ele prefere acreditar (a religião possui uma discussão própria dentro do filme). Terrence Malick fez apenas um filme com as dúvidas, mas não ousa em respondê-las. O filme possui boas atuações, sendo de Chastain, Pitt e das crianças as melhores. Sean Penn se torna apenas um figurante de luxo. "A Árvore da Vida" é o típico de filme que precisa ser visto e revisto várias vezes para conseguir construir uma opinião sólida ou entender a sua magnitude. Mas ainda sim, é um filme extraordinário.

The Tree of Life | Terrence Malick, 2011

a carne e o diabo

2011-08-20T12:20:00.009-03:00

Reza a lenda que os amigos são a família que nós escolhemos. Uma afirmação plausível para resumir algo tão forte quanto o sentimento relacionado à amizade. "A Carne e o Diabo", filme mudo de 1926, retrata absolutamente isto: o valor de uma amizade. Será que uma amizade tão forte consegue superar obstáculos? Mesmo que entre em jogo outro sentimento mais forte ainda? O filme caminha metodicamente para a tragédia, suas questões aumentam gradativamente com toda a situação. Questões religiosas entram em jogo, afinal, estamos falando de um filme datado de 1926, época em que a religião ainda conseguia ser imposta sobre a sociedade. A impunidade, desgraça e a humilhação humana vêm à tona. Tudo em nome do amor, sobretudo da amizade. "A Carne e o Diabo" consegue ser impactante e mesmo que tenha a sua idade, consegue ser absolutamente atual.

Acompanhamos a relação entre os amigos Leo (John Gilbert) e Ulrich (Lars Hanson), que cresceram juntos e desde então, são como irmãos. A amizade é tanta que um ajuda o outro da melhor maneira possível, foram para o exército juntos e voltaram para casa juntos. Na volta, Leo à primeira vista por Felicitas (Greta Garbo), uma mulher estonteante e sedutora. Sem ninguém saber, os dois iniciam um romance secreto. Leo só não imaginava que Felicitas era casada, e quando o marido descobre decide resolver tudo por conta de um duelo, com medo de manchar o seu nome devido à situação grave cometida pela esposa. Leo acaba saindo vivo do duelo, porém, é enviado para a África pelo exército, sendo assim, é obrigado há passar cinco anos por lá. Preocupado com Felicitas, ele permite que o seu melhor amigo a visite para ajudá-la com o necessário. Obviamente que Ulrich (sem saber do envolvimento entre ambos) acaba se apaixonando por Felicitas, o que resulta em matrimônio. Quando Leo volta para casa feliz da vida, é que ele descobre sobre o tal casamento. As consequências são inevitáveis. Como proceder com tal situação? O quê Leo deve fazer? Proteger a amizade com Ulrich ou continuar amando Felicitas? Não tem jeito, a carne é fraca.

Leo está em um beco sem saída, enlouquece com todo o desejo dentro de si. Amava Felicitas, porém, agora ela estava casada com o seu melhor amigo, aquele que tanto o protegeu quando precisava. Felicitas, porém, surge de forma insaciável: uma mulher dividida entre a razão e o desejo. Fazendo alusão com o título, Felicitas é a maçã proibida no qual Eva não podia tocar. E, Leo, sabia disso. Em certo momento, entra a questão da religião e o pecado do adultério. O pastor da comunidade, sabendo sobre o triângulo amoroso fica indignado e profetiza que ambos queimarão no inferno. Enquanto Leo transborda remorso, Felicitas apenas tem um mal estar ao saber que Ulrich pode desconfiar do sermão, porém, quando chega a santa ceia, ela faz questão de beber no mesmo local em que Leo colocou a boca. Felicitas, não era apenas a maçã, e sim o diabo em pessoa provando a forte amizade entre Leo e Ulrich. O fim desta estória não poderia ser melhor: o bem vencendo o mal. O diabo sendo derrotado, e a verdade vinda à tona. Mas, será que isso muda algo? Será que sempre o mal perde para o bem? Ficamos sem resposta, Felicitas estava enlouquecida: perdida em sua razão.

Eu, particularmente, só havia visto dois filmes mudos em minha vida e isso já tem um bom tempo. "A Carne e o Diabo" possui um bom ritmo, não se torna cansativo e nem maçante. Impressionante a forma como retrata o adultério, mesmo que tenha conceitos moralistas, é algo destacável dentro do filme. A trilha sonora, que se torna onipresente é forte e trágica, condizendo com todo o filme. A direção é eficiente, assim como a excelente fotografia que se torna primorosa ao colocar uma eclosão preto no branco. Note que em diversas cenas, há uma luz presente, seja solar ou apenas fogo (a cena do fogo reluzindo o rosto de Garbo é esplêndida). Algo notável e que faz uma grande diferença em cena. Diante de tudo isso, basta apenas citar as excelentes atuações de John Gilbert e Lars Hanson, mas claro, o destaque maior fica por conta de Greta Garbo. Garbo não era apenas bonita, mas tinha algo especial que a diferenciava das outras, um mistério, algo envolvente. Sua beleza é incomparável e sua atuação é arrebatadora. "A Carne e o Diabo" é aquilo o que eu já citei aqui, o filme já passou de sua maioridade, mas ainda sim, se mantém completamente atual. E isso, é algo que poucos filmes conseguem ser. Vai além de ser um clássico.

Flesh and the Devil | Clarence Brown, 1926

não me abandone jamais

2011-08-07T11:00:00.011-03:00

A áurea predominante durante toda a exibição de "Não me abandone jamais" é a mesma: tristeza. O clima melancólico se inicia desde a primeira cena. Impossível não se emocionar ou apreciar ao máximo a delicadeza presente no filme. Algo engraçado essa questão: somos seres humanos e sabemos que cinema, apesar de tudo, é ficção, portanto nem tudo é real. Porém, existe algo maior que isso, avassalador e envolvente, que faz a emoção fluir, sem limites. É uma estranha constatação, mas talvez seja a minha explicação favorita sobre amar o cinema: a capacidade de mexer com os meus sentimentos mais íntimos. Pois bem, mexer com os sentimentos e manipular a emoção são algo que "Não me abandone jamais" consegue realizar com maestria. É bom frisar desde já, que o texto a seguir irá conter spoilers, até por que é praticamente impossível escrever algo sobre o filme sem liberar spoilers, o tema do filme por si só, já é um spoiler.

A trama se inicia em forma de flashback, quando acompanhamos por narração, a história de três jovens: Kathy (Carey Mulligan), Tommy (Andrew Garfield) e Ruth (Keira Knightley) que desde cedo tem suas vidas entrelaçadas com um único propósito. Os três jovens seguem a vida dentro de um colégio interno, conhecido como Hailsham. O colégio, aparentemente normal, é uma estranha instituição de ensino que treina jovens para um estranho futuro: ser doadores de órgãos. Os jovens ficam sabendo da situação na adolescência, já que não terão acesso a uma vida comum. Quando chegar a fase adulta se inicia as doações, algo que não há saída para eles. O roteiro não faz questão de responder a nossas dúvidas, porém, permite diversas conclusões para todas elas. Em determinado momento, sabemos que todos eles foram moldados, partindo de um ser humano "original". Ou seja, são feitos cientificamente. Portanto, isso já responde a questão da fuga. Pois, se esta não é uma condição de vida viável a eles, porque eles não fogem? A disciplina imposta pela escola se torna uma resposta viável, levando em consideração que eles sabem que foram feitos exatamente para isso. Não há saída.

Surgem as questões, mas estamos diante de um romance poderoso. Kathy é apaixonada por Tommy, que por algum motivo inicia um romance com Ruth (melhor amiga de Kathy) que para a infelicidade de Kathy dura toda adolescência até a fase adulta. Acompanhamos todo o sofrimento de Kathy para tentar entender tudo isso. Mesmo sabendo que amava Tommy realmente, porque Kathy nunca tentou evidenciar isso a ele? E, porque Tommy iniciou um namoro com Ruth, mesmo amando Kathy? São perguntas sem respostas e até mesmo desconexas, mas o roteiro é básico ao destacar os motivos de Ruth para tudo aquilo. Mesmo que agora eu enxergue tais dúvidas, é impressionante o poder de persuasão que o filme possui. Ele envolve de tal forma que fica apenas a torcida para que romance entre Kathy e Tommy dê certo, mesmo que o final trágico já seja algo esperado desde a primeira cena. Impossível se limitar a isso, quando também temos questões de vida e morte em jogo. Vale a pena morrer por alguém desconhecido? Ou, saber que o seu fim está próximo? Independente de tudo isso, eles só tinham uma única certeza: as doações viriam, e a morte também.

A direção de Mark Romanek (o mesmo de "Retratos de uma Obsessão") é eficiente ao colocar os sentimentos em evidência e deixar o filme ao extremo neste sentido. A melancolia presente é duradoura. Eu, ao menos, vejo isso como uma qualidade. Pois, é difícil manter um tom melancólico durante todo o filme. A fotografia é belíssima e fazendo jus ao "ambiente" do filme, temos uma trilha sonora de rasgar o coração de qualquer um, já que entrando em junção dos outros aspectos, funciona perfeitamente bem: em total sintonia. As atuações são esplêndidas, e mesmo que Keira Knightley e Andrew Garfield tenham ótimas atuações, é em Carey Mulligan que o filme esconde toda a sua força. Realmente, a atriz demonstra ter um futuro promissor, já que talento ela tem de sobra. Não vou negar que foi difícil desenvolver algo sobre o filme (está acontecendo muito ultimamente), mas, esse é o tipo de filme que não basta falar algo e sim, sentir e se entregar ao máximo. "Não me abandone jamais" é um produto cinematográfico poderoso para quem está disposto a apreciá-lo.

Never Let Me Go | Mark Romanek, 2010

além da eternidade

2011-08-05T19:44:00.009-03:00

Nunca saberemos, de fato, o que acontece após a morte. Não chega a ser uma dúvida cruel, afinal, sabemos que não há explicação plausível para o feito, apenas sabemos que irá acontecer. "Além da Eternidade" não é um filme que busca explicar a vida após a morte, e sim como lidamos com a mesma. Mesmo que a morte seja um fato irreversível, é bom afirmar que nunca sabemos como lidar com tal situação. Afinal, em que momento a pessoa morre? Quando a ausência começa a ser notada naquele que está sofrendo pela perda? O processo não é fácil, e claro, varia de pessoa para pessoa. Porém, aqui, acompanhamos um processo doloroso e aparentemente sem fim por parte da protagonista. Steven Spielberg faz um verdadeiro estudo sobre a morte, suas consequências e o seu fim.

A história se inicia com Peter Sandich (Richard Dreyfuss), um aviador que combate incêndios florestais. Conhecido por fazer manobras perigosas e brincar enquanto está "no céu", Peter acaba levando a sua namorada, Dorinda (Holly Hunter) a loucura. Nesta primeira parte, Spielberg faz questão de harmonizar os sentimentos. O amor entre Peter e Dorinda é puro, sarcástico e verdadeiro. Com isso, temos uma fina ironia, afinal, estamos (praticamente) acompanhando uma comédia de costumes. Os diálogos sarcásticos entre o casal ilustra muito bem esse fato. Após salvar o amigo, Al (John Goodman), Peter acaba tendo o seu avião explodindo em pleno ar. Peter chega ao paraíso e acaba sendo prontamente socorrido por Hap (Audrey Hepburn), um tipo de anjo da guarda. A missão de Peter é certeira: ser um tipo de inspiração para o jovem piloto Ted Baker (Brad Johnson). Ted, por sua vez, já se encontrava apaixonado por Dorinda desde algum tempo e os seus caminhos acabam se cruzando. Claro, mesmo que Dorinda esteja em pleno luto, um novo sentimento acaba florescendo. Só existe um porém, Ted aceitava os pensamentos inspirados de Peter. Ou seja, acabava tendo um pouco da personalidade de Peter. Então, Dorinda estava se apaixonando por Ted ou tentando reviver o seu romance com Peter?

O triângulo amoroso se forma. Não propriamente, já que Dorinda não esconde o seu amor por Peter, porém, Ted de alguma forma, lhe representava uma salvação. Ted, tirava Dorinda daquele sufoco ou, aquele círculo vicioso em que ela se encontrava. Ted era a vida que Dorinda tanto ansiava. Mas, Peter ainda a amava e ela sabia disso. Ela sentia isso. O romance é pincelado suavemente, sem atropelamentos. O luto de Dorinda é singular, pelo fato do equilíbrio da direção de Spielberg, que sem pressa, fez algo tranquilo, tentando passar uma mensagem única. Dorinda se torna mais que uma personagem, ela é a personificação exata do sofrimento da perda: existem os dias bons e os ruins. Existe a recuperação, mas ainda existem as lembranças. Dorinda reagiu da forma mais natural possível (aquele em que qualquer ser humano reagiria). Além disso, acompanhamos a dor de Peter ao ver a perda da mulher amada. Dorinda tinha perdido Peter para morte, enquanto que ele a tinha perdido para a vida. Era o inevitável, ambos precisavam ser libertos, e assim, cada um segue o seu caminho.

"Além da Eternidade" é um filme bem feito e competente naquilo o que se propõe. Não é um filme sobre explicações, tampouco que aborda a religião (devido ao tema). É apenas uma história de amor, perdas e principalmente: liberdade. Pois, por mais estranho que possa parecer, é isso o que a morte representa: a prisão dos sentimentos. Ficamos tão envolvidos com a situação da perda, que esquecemos que é algo natural que está pra acontecer, esquecemos que ainda temos uma vida pela frente. Não adianta, a morte sempre virá. Não há saída. Enquanto que a direção de Steven Spielberg é competente e inspirada, encontramos também uma bela fotografia, além de uma excelente trilha sonora. As atuações são soberbas, principalmente quando temos uma Holly Hunter em total sintonia com a sua personagem. Claro, tenho que destacar a graciosa participação de Audrey Hepburn na figura de um anjo (algo apropriado, pelo menos pra mim). Tentei explicar, mas só vendo e apreciando "Além da Eternidade" para sentir tais emoções e compreender tudo aquilo o que Spielberg tentou retratar. Sendo assim, impossível não tecer maiores elogios à obra, que é extremamente esplêndida.

Always | Steven Spielberg, 1989

clube da luta

2011-07-31T21:16:00.009-03:00

Não vou fazer aquela brincadeirinha sobre as duas primeiras regras sobre o clube da luta. Pois, preciso falar do clube, afinal, não faço parte e posso falar sobre o clube abertamente. Sim, isso foi uma maneira de tentar burlar as regras. Acho que não deu muito certo, porém, agora não faz a mínima diferença. Esqueça, vamos ao filme. "Clube da Luta" vem de um ano promissor em Hollywood. Talvez o ano de 1999 tenha sido um dos melhores, já que tivemos obras de imenso impacto em diversas áreas, tanto no cinematográfico como em nossa vida. Creio que o medo do mundo acabar no novo milênio, tenha se apoderado dos roteiristas, já que ideias bacanas foram colocadas no papel. Talvez, assim como o personagem de Edward Norton (o homem sem nome, creditado apenas como narrador), eu não esteja deliberadamente em sã consciência. Fazer alusão ao novo milênio, ideias arrasadoras em um blogue medíocre de cinema: a única coisa que posso chamar de meu. Pronto, cheguei a um ponto crucial dentro das questões impostas pelo roteiro: algo para chamar de "meu".

O mundo se modificou com o passar do tempo, evoluiu (obviamente, não é?). Criou-se a sociedade e com ela veio o capitalismo. Até hoje não sei definir diversas coisas, inclusive o capitalismo, porém, creio que esta palavra explica muita coisa. O que seria o capitalismo? Qual o papel do homem dentro do capitalismo? Indiferente a essas questões, o personagem principal está apenas centrado no capitalismo e no seu vício pelo consumismo. Ele trabalha, sofre de uma forte insônia e está viciado em grupos de autoajuda. Vive como um zumbi, ou melhor: segue a cartilha de um cidadão comum. O problema é que isso não é o bastante. Ser comum não era o seu objetivo e viver do (e com) o capitalismo não era o seu sonho de vida. Com isso, Tyler Durden (Brad Pitt) surge como uma salvação. Enquanto o nosso personagem segue a sua vida enfadonha, Tyler segue remando contra a maré. Encantado com esse estilo de vida e devido a alguns acontecimentos estranhos, os dois se cruzam, como um casal vivem se apoiando um ao outro. O personagem tem a vida que sempre quis, tem algo para se satisfazer. Porém, ainda precisava ter algo para chamar de "meu". Marla Singer (Helena Bonham Carter) é o contraponto.

Surge então o "clube da Luta", uma espécie de grupo de autoajuda feito especificamente para homens. Não há dificuldades, basta apenas bater e aprender a apanhar. Não existe ganhadores, tampouco existem perdedores. Eles apenas satisfazem os seus desejos "canibais". Seria o "clube da luta" algo para o nosso personagem chamar de "meu". Seria uma saída fácil para escapar do sistema capitalista? Claramente que não. Afinal, estamos dentro deste sistema, temos regras e deveres. Há uma saída? Tyler Durden não está interessado em pensar nessas perguntas e sabe que não pode lutar contra isso, mas não significa que não pode trazer o caos à tona. O tal clube ganha outra direção. Cria-se um sistema dentro do sistema. Uma forma de anarquia, de provar algo para alguém. O problema é que ninguém conhece os limites. Ninguém enxerga o óbvio. Desta forma podemos concluir como o ser humano, sendo um ser racional, pode ser tão idiota ao apoiar determinadas decisões sem o mínimo do bom senso. Não importava que destruísse vidas que acabaria com os sonhos de alguém, bastava participar e acompanhar a destruição. Ou seja, sempre seremos aquilo o que os outros querem. Basta aceitar uma ideologia sem questionar seu início e suas consequências. Qual o papel do ser humano dentro de uma sociedade capitalista? Simples, basta seguir uma ideologia.

"Clube da Luta" é um exemplo cinematográfico. Funciona como filme, mas não deixa de ser funcional ao instigar a inteligência do espectador. Tem várias ideias que contribuem ao saldo positivo após a sessão (como o pênis que aparece na última cena e em determinadas cenas). A direção de David Fincher é ágil, elétrica, para não dizer genial. Vamos deixar o "genial" para o roteiro, realmente, merece este elogio. Brad Pitt provando (na época) ser um bom ator e começa aqui as suas escolhas certeiras para bons filmes, notem que ultimamente está ficando difícil vê-lo na tela grande. Conseguiu ser o esperado: ser mais que uma promessa. Edward Norton, porém, é o grande destaque. Possui uma ótima atuação, típico ator que nasceu para esta profissão. Uma pena que não aprendeu com Brad Pitt e não vem fazendo boas escolhas cinematográficas. Helena Bonham Carter é tudo aquilo o que esperamos de uma atriz. Estou enfrentando um dragão aqui para encontrar elogios cabíveis a cada um, portanto acredito que tenha conseguido passar a mensagem: tecnicamente falando, "Clube da Luta" é magnífico. Cinematograficamente falando, é esplêndido!

Fight Club | David Fincher, 1999

thelma & louise

2011-07-30T15:37:00.008-03:00

Tachar o filme "Thelma & Louise" como um filme feminista é a saída mais óbvia, simplesmente pelo filme ser propriamente um produto que se resume a este termo. Mas, "Thelma & Louise" é muito mais que um filme feminista. É um filme sobre amizade, recomeços, monotonia e principalmente felicidade. Claro, tenho que ressaltar (como sempre) que essas questões são clichês, mas que fazem parte do nosso cotidiano, da vida humana. Quem não deseja ser feliz? Quem não deseja ser amar e ser amado? Ninguém em sã consciência irá falar o contrário. Faz parte de todos nós. Portanto, "Thelma & Louise" se entrega a essas questões, afinal, as duas mulheres só queriam isso: os clichês da vida, mas que estão em um difícil alcance.

Thelma (Geena Davis) é uma dona de casa comum, entediada e que basicamente é uma empregada doméstica do seu marido, Darryl (Christopher McDonald), um príncipe que virou sapo com o passar do tempo. Querendo mudar um pouco a rotina, acaba aceitando o convite da amiga, Louise (Susan Sarandon), para pescar em um fim de semana que seriam as suas férias. O que era para ser um fim de semana tranquilo acaba se tornando um verdadeiro tormento após um assassinato envolvendo as duas amigas. Thelma e Louise que eram pessoas normais em busca de divertimento acabam se tornando assassinas perigosas caçadas pela polícia. Típica situação que confusão gera confusão. Mesmo que tudo tenha partido de uma premissa séria. Porém, "Thelma & Louise" é um filme com questões sérias, mas o diretor Ridley Scott conseguiu o equilíbrio quando fez uma junção de ironia a toda essa confusão. Com ótimas sacadas de humor (mesmo que sutilmente), "Thelma & Louise" se desenvolve como um drama com final trágico, mas sem perder o seu objetivo inicial: ser um divertimento. Pelo menos para nós, claro.

O ato que culminou esta confusão (preciso alertar sobre spoiler?) foi uma tentativa de estupro, uma situação que chega sem avisar. As situações envolvendo o machismo e o feminismo se inicia desde a primeira cena. Afinal, Thelma é uma dona de casa submissa ao marido, o típico canalha que trai, mas não suporta a ideia de estar sendo traído. Quando se chega ao ato do estupro, percebemos que todo o contorno da contextualização gira em torno desses dois termos. Afinal, se caso Thelma estivesse acompanhada de um homem, haveria uma tentativa de estupro? Se Thelma não estivesse bêbada, haveria uma tentativa de estupro? Claramente que não, porém, o homem sendo superior e mais forte que a mulher em questão, chegou à conclusão que poderia se aproveitar da situação. A questão pode parecer meio vaga devido à obviedade da situação, mas é impossível não se questionar sobre tudo isso. Conforme o desenvolvimento da trama, acompanhamos um crescimento em ambas. Elas aprenderam que são muito mais que um simples rótulo de "sexo frágil", poderiam sim, tomar conta da situação ou ser superior que qualquer homem. No ato final, elas não eram mulheres e sim, humanos, prontas para qualquer situação e forte o bastante para acabar com quem estivesse à frente.

Outra questão bacana imposta pelo roteiro é a amizade de Thelma e Louise: uma amizade sincera que aguenta críticas e supera diversos obstáculos. Afinal, amizade é quase igual a um relacionamento amoroso, e precisa ser forte o bastante para tudo. Um ensinamento importante, já que ultimamente, amizades se resumem à hipocrisia. Não acredito que só elogios bastam para algumas pessoas. Se "Thelma & Louise" funciona como um entretenimento se deve as ótimas atuações, principalmente de Susan Sarandon e Geena Davis que seguram o filme com muita simpatia, assim como os coadjuvantes. Pode não ser a minha trilha sonora favorita, mas a trilha composta por Hans Zimmer merece o destaque por conseguir empregar uma identidade forte para o filme. A direção de Ridley Scott é competente, mesmo que não apresente maiores inovações. "Thelma & Louise" é um filme simples e básico, mas não inferior. Dentro do que se propõe é um dos melhores.

Thelma & Louise | Ridley Scott, 1991

johnny & june

2011-07-28T12:34:00.005-03:00

"Johnny & June" é uma biografia comum: um grande astro que se perdeu no caminho do sucesso. A cinebiografia é didática ao retratar a vida de Johnny Cash e sua fama derradeira. Porém, é aquele típico filme que tudo contribui de forma singular. Ou seja, caminha para a perfeição, mesmo que não obtenha o desejo de se chegar tão longe. Sendo assim, mesmo que "Johnny & June" nos apresente argumentos aparentemente clichês, é impossível não se emocionar ou se segurar diante a tanta emoção. Creio que esta seja a palavra que mais se encaixa perfeitamente com todo o contexto de "Johnny & June": emoção. Afinal, acompanhar a história de um homem que é salvo pelo seu grande amor é algo a ser considerado. Sim, o sentimento da "emoção" acompanha esta história, que mesmo sendo uma cinebiografia, funciona perfeitamente como um belo romance. Piegas, mas não dispensável.

O roteiro começa em um determinado ponto e adentramos as lembranças de Johnny Cash (Joaquin Phoenix), que passeia por toda a sua vida, desde a infância. Sendo assim, a história tem início em 1944 quando Johnny Cash era apenas JR, o irmão caçula e protegido de Jack, aquele que é considerado o melhor filho pelo pai, Ray Cash (Robert Patrick). Com uma infância difícil, Johnny cresce à sombra da morte prematura do irmão ocasionada (supostamente) por sua culpa. Johnny vai para a guerra, se casa com Vivian (Ginnifer Goodwin). Correndo atrás do sonho, Johnny consegue gravar o seu primeiro CD e assim estourar como um grande artista. Claro, o filme mostra detalhadamente esta ascensão na carreira de Johnny que consequentemente conhece June Carter (Reese Witherspoon) e se apaixona, e claro: o inicio do vício das drogas, que aqui são remédios controlados. A vida de Johnny muda drasticamente em cada etapa de sua vida, acompanhamos os seus altos e baixos: a paixão secreta por June, as brigas familiares e o seu declínio em meio a tanto sucesso. Mas, o que levou Johnny a tudo isso? O que aconteceu, de fato com a vida de Johnny Cash?

O roteiro detalha a personalidade de Johnny Cash e tenta ao máximo humanizar o personagem dentro do filme. Johnny tinha fama de rebelde, era mulherengo e abusava dos remédios controlados, disso nós já sabíamos. Mas, tudo começou, de fato, em sua infância. Crescer sabendo que não é um filho perfeito mudou a sua vida para sempre. Johnny cresceu com a culpa de ter matado o irmão, sendo o que seu pai o lembrava disso sempre. Ou seja, dentro de si, havia rebeldia, culpa e ódio. O problema é que Johnny nunca encontrou alguém que entendesse isso. Nunca encontrou alguém que o ajudasse a fechar essas feridas. É aqui que June Carter entra na história. Pois, da mesma forma que Johnny, June cresceu sabendo que não era a melhor filha ou a mais talentosa. Sendo assim, os dois se completavam. Um entendia o outro. O amor havia florescido, mas uma amizade forte é que havia desenvolvido. June vinha de vários casamentos fracassados em uma época que divórcio era um pecado extremo e Johnny vivia ao lado de uma mulher possessiva que exigia atenção por parte dele. A situação cresceu gradativamente e o inevitável aconteceu. Quando Johnny estava destruído, apenas June podia lhe salvar a vida. Dito e feito.

O romance é contado de forma singela, nunca ultrapassando os seus limites e tornando algo dramático. É apenas um romance entre duas pessoas normais que demoraram em entender isso. Realmente, o romance é o grande trunfo de "Johnny e June". Algo que, James Mangold soube dosar muito bem. Vale destacar que a direção de James é outro grande trunfo, simples e ao mesmo tempo fenomenal. A trilha sonora rouba a cena, ainda mais quando sabemos que os atores realmente estão cantando em cena. Não imaginava que Reese e Joaquin pudessem cantar tão bem assim, da mesma forma que a química entre ambos funciona de imediato. Joaquin Phoenix prova o seu talento e demonstra ser um dos melhores atores desta geração. Reese Witherspoon possui uma excelente atuação e agora percebo que o seu Oscar ganho por este filme valeu a pena. Mesmo sabendo que no mesmo ano tinha uma atuação arrebatadora de Felicity Huffman. O que mais posso argumentar? Não há mais nada. "Johnny & June" é tudo aquilo o que se pode esperar de uma cinebiografia, mas consegue ultrapassar esta barreira e se tornar um filme magnífico.

Walk the Line | James Mangold, 2005

laranja mecânica

2011-07-26T12:44:00.006-03:00

Stanley Kubrick foi um diretor a frente do seu tempo, basta olhar sua filmografia para perceber que o diretor gostava de explorar a sétima arte da melhor forma possível. Creio que Kubrick gostava de desafios e queria superar a si mesmo como cineasta. Mesmo que na década de setenta o cinema já tinha mais liberdade de expressão (que se iniciou na década de sessenta), é plausível argumentar sobre a coragem de Kubrick em filmar um filme como "Laranja Mecânica", filme pelo qual toda a hipocrisia humana é jogada de forma singular na tela. Da pior forma possível somos entregues para uma paranóia que envolve tudo aquilo o que é podre. Eu sei que sempre acabo caindo no mesmo assunto, porém, não consegue pensar de outro modo. Acredito que cada filme queira dizer alguma coisa e por mais clichê que possa parecer, os filmes tem algo a ensinar ou demonstrar. Cinema não é só puro entretenimento, serve como um reflexo da sociedade. "Laranja Mecânica" é isso: o reflexo de uma sociedade insana que caminha para a desgraça. Pelo menos na visão de Kubrick.

Estamos em um futuro caótico, não sabemos onde estamos e principalmente em que ano o filme se passa. Alex (Malcolm McDowell) é um jovem que adora por a sua ultraviolência em prática. Sempre acompanhado dos seus drugues, Alex rouba casas e se diverte em torturar pessoas, não vai à escola e sequer mantém um bom relacionamento com os seus pais. Odiado pelos seus amigos, acaba sendo preso após matar uma mulher. Alex é sujeitado há passar quatorze anos na prisão. Sabendo que não irá aguentar começa a se apegar a religião como forma de mostrar uma grande mudança. Sabendo do seu poder de persuasão, Alex consegue se livrar da cadeia após ser aceito em se tornar a nova cobaia de um experimento que promete tirar a insanidade do mundo, fazendo com que a criminalidade seja reduzida. Afinal, qual a importância da cadeia se os presos não mudam? Alex aceita o desafio e encara ser o experimento. Ele só não contava com a mudança e a dor. Ser a cobaia de alguém nunca fora tão difícil. Em uma das sequências mais importantes do filme, Alex é forçado a ficar com os olhos abertos (que ficam presos com grampos) para ver filmes, algo que faz parte do processo da "cura".

Após todo o sofrimento de intermináveis duas semanas, Alex é solto, claro, após provar perante a sociedade que está completamente curado. Mas, quais foram às consequências? Quais as opções de Alex? Afinal, ele fez isso apenas para fugir da cadeia. As consequências são horríveis, pois impedem de Alex retomar a sua vida ou ser um cidadão comum. Alex não consegue sentir raiva ou se defender quando for o necessário, sempre virá uma dor interminável que resulta em ânsia de vômito. Alex estava curado. O governo estava satisfeito. A sociedade, nem tanto. Nesta terceira fase de "Laranja Mecânica" acompanhamos todo o processo de redenção, é difícil falar se Alex estava realmente curado, pois sabemos que ele se sentia mal diante daquilo tudo, mas qual era o seu verdadeiro desejo? Qual era o verdadeiro Alex? Neste momento, ele apenas sofre pelos erros cometidos. Um a um, aparece para fazer como convém a sua vingança pessoal. Lembre-se, Alex não podia revidar. Não queria sentir a dor. Após a vingança e o sofrimento, Alex faz o necessário e pela segunda vez ele parece estar curado. Mais uma vez o governo toma partido. Havia chegado a hora de Alex voltar à ativa.

"Laranja Mecânica" é um filme com uma base solidificada que possui diversas variações. Mesmo que o seu contexto permita uma análise, é possível ter vários pontos de vista. Porém, nunca um título foi tão bem colocado como aqui: No final, Alex era apenas uma laranja mecânica, pois ele havia sido moldado daquela forma. Impossível não se sentir atraído por este contexto e claro, não associá-lo com a nossa vida. Basta ver a hierarquia em que somos introduzidos. Todos, sem exceção, são uma laranja mecânica. Stanley Kubrick conseguiu o que queria, ele sempre consegue. O filme obtém excelentes atuações, principalmente de Malcolm McDowell que, praticamente nasceu para dar vida ao Alex. A fotografia é belíssima, assim como a trilha sonora que é de um primor insuperável. Porém, a direção é a grande atração. É perceptível o cuidado de Kubrick em cada cena e principalmente a sua preocupação de entregar um bom filme. Dito isso, "Laranja Mecânica" consegue ser um dos melhores filmes de todos os tempos, afinal, é difícil encontrar um filme como este, aonde tudo caminha para a perfeição. Uma verdadeira obra-prima.

Clockwork Orange | Stanley Kubrick, 1971

scoop - o grande furo

2011-07-23T22:31:00.005-03:00

Woody Allen é um cineasta difícil, pelo menos pra mim. Nunca consigo analisá-lo como se deve, ou chegar a uma conclusão sensata sobre o diretor. Porém, não é algo que insisto em pensar. Afinal, prefiro acreditar no clichê universal que envolve Woody Allen: o cineasta dos relacionamentos, com um roteiro sempre bem trabalhado. É clichê afirmar isso, pois é indiscutível o talento de Woody Allen como diretor e roteirista. Portanto, como definir Woody Allen sem usar o velho clichê? Praticamente impossível e até dispensável. Woody Allen se firmou desta maneira e assim acostumamos a enxergar o diretor. Bem, chegando nesta linha de raciocínio, tenho que ressaltar aquilo o que muitos criticam: a atual fase de Woody Allen como cineasta. O diretor é acusado de estar estagnado em produções menores, sem inspiração e praticamente sem salvação. Nem tanto, já que o seu último filme (Meia-noite em Paris) vem fazendo muito sucesso entre os críticos e o publico. Porém, ninguém parou para pensar que os tempos são outros? E, querendo ou não, tudo muda?

O que estou querendo dizer é: Woody Allen envelheceu, e tomou para si outras questões. Em determinado momento, fazer um filme na velocidade da luz e com diálogos afiados, tenha ficado difícil para Allen. Não creio que ele tenha obrigação de estar sempre com um roteiro aguçado ou tentando se superar. Woody está em um estágio que não precisa provar e nem consolidar este talento. Gosto da atual fase, não a vejo como algo ruim, apenas algo natural para alguém como Woody. "Scoop - O Grande Furo" faz parte dessa atual e difícil fase de Woody Allen. O filme não animou a crítica e nem se firmou como um grande sucesso entre o público. Dos males o menor, o filme não é ruim como afirmam. Diria que, "Scoop" é uma reciclagem de outras ideias de Allen, algo natural já que convenhamos: reciclar ideias faz parte de umas das características de Allen. No filme em questão, ele brinca com o misterioso, flerta com a comédia e tenta um romance. Dos três gêneros, ele sabiamente consegue fazer um bom filme, mesmo que o fator "romance" não seja exatamente ideal para a ideia central. Sendo assim, mesmo que não seja tão funcional, é algo descartável.

Sondra Pransky (Scarlett Johansson) é uma estudante de jornalismo que está em Londres visitando alguns amigos. Nesta viagem, Sondra vai ao show de mágica de Sid Waterman (Woody Allen) e, participando de uma mágica acaba se encontrando com Joe Strombel (Iam McShane) um jornalista renomado que acabara de falecer. O motivo desse encontro? Simples, Joe tenta fugir da morte após descobrir um grande furo de reportagem e encarrega Sondra de tornar isso público com uma grande matéria. Sondra, sendo uma jornalista ávida, segue o conselho de Joe e corre atrás de Peter Lyman (Hugh Jackman) para descobrir se ele é um serial killer. Claro, a bela e ingênua Sondra se apaixona pelo aristocrata. Em meio a isso, mentiras aparecem, Sondra vira Jade Spencer e o mágico vira um milionário petrolífero. Tudo pelo grande furo. Tudo pela verdade. Seria perfeito se, Peter correspondesse a essas dúvidas. O tal serial killer é perfeito em todos os aspectos. E agora Sondra?

Analisando o panorama, não é difícil saber o que acontece em "Scoop". Está certo, mesmo que Allen faça diversas reviravoltas, toda a verdade sobre Peter fica explícita. Pra falar a verdade, o que faltou em "Scoop" foi um personagem mais trabalhado. Peter poderia ter sido mais bem desenvolvido e até mesmo ter uma melhor atuação de Hugh Jackman. O ator, aliás, não está ruim, mas acaba perdendo pontos devido ao roteiro que dá mais atenção para a dupla composta por Allen e Johansson. Falando em Hugh, tenho que destacar o quão sexy está o ator, assim como a sua parceira em cena; Johansson caminha por diversos gêneros e consegue manter a sua sensualidade intacta, sem falar em seu excelente timing cômico. Aqui, Johansson é praticamente um Woody Allen de saias, não é uma tarefa pra qualquer uma. No fim, "Scoop" sai como um bom entretenimento. Um filme simpático como tantos outros do diretor. Clichê, não é?

Scoop | Woody Allen, 2006

os fantasmas se divertem

2011-07-19T22:34:00.004-03:00

"Os Fantasmas se Divertem" representa a mente caótica de Tim Burton. Aqui, mais precisamente neste filme, Burton se entrega de corpo e alma para aquilo o que ele sabe fazer de melhor. Encontramos um filme, pelo qual a obra-prima se torna o bizarro. Não tem jeito, impossível comentar sobre Tim Burton, sem ao menos citar suas bizarrices em cena, porém, tudo depende daquilo o que você considera bizarro. Tim Burton gosta de observar a vida pelo lado oposto. Enquanto apreciamos este mundo dark que Burton nos apresenta, ele propriamente deve rir de nossas vidas aparentemente normais. Não necessariamente, já que não o conheço pessoalmente e, tão pouco, sei sobre a sua vida particular. Mas, é quase impossível não pensar desta forma. Portanto, chego naquela conclusão óbvia: Tim Burton não faz do cinema o seu trabalho, ele apenas reflete tudo aquilo o que está em si. A conclusão em minha cabeça fazia mais sentido.

O filme possui um roteiro simples e usa como base a dúvida mais cruel da humanidade: O que acontece após a morte? Na mente de Burton, quase nada muda. Após a morte, surgem mais dúvidas e a vida segue como uma extensão da vida real. Muda apenas o plano em que vivemos e consequentemente, as regras. Algo meio decepcionante, já que até depois de morto temos que pegar fila e ler um manual para recém-falecidos. Os recém-falecidos, em questão, são o jovem e apaixonante casal Barbara (Geena Davis) e Adam Maitland (Alec Baldwin) que após morrerem afogados durante suas férias, se veem perdidos com o novo estilo de vida após a morte. Surge então, o maluco Beetlejuice (Michael Keaton) que é chamado para ajudar a espantar a nova família que acaba de se mudar na casa do jovem casal. A família é absolutamente excêntrica: Delia (Catherine O'Hara) é uma artista plástica fracassada; Charles (Jeffrey Jones) é um neurótico devido ao trabalho exaustivo e a filha do casal, Lydia (Winona Ryder), é uma jovem gótica que só vê futuro na morte e afins, consequentemente é a única que consegue enxergar os mortos.

O filme é uma grande aventura, feito sob medida por Tim Burton. O que encontramos aqui é um filme delicioso de se acompanhar, claro que, Burton aproveita e tenta criticar a sociedade americana (não necessariamente). Talvez o contraponto seja estabelecido quanto à personalidade de cada personagem. O casal Barbara e Adam é um modelo perfeito de como dois jovens deveriam ser, porém, morreram abruptamente. Enquanto a família Deitz, é composta por estereótipos urbanos que vê no jovem casal a forma de ganhar mais dinheiro. Hipocrisia? Talvez. Porém, como o próprio título diz, os fantasmas se divertem e é isso o que vemos em cada cena. De todos os personagens, Beetlejuice acaba sendo o grande destaque. Não pela atuação de Michael Keaton, que, aliás, é soberba, mas sim pelo personagem propriamente dito. Beetlejuice é um charlatão que piorou com a morte que possui uma ironia em cada aspecto, tanto que o humor acaba sendo involuntário. Típico personagem que vira ícone pop. Simples.

O restante do elenco consegue se equiparar com a atuação de Keaton. Geena Davis e Alec Baldwin possui uma ótima química em cena, mas, merecem destaque por fazer do jovem casal o mais simpático possível. Ou seja, até o último segundo torcemos para que tudo dê certo. Winona Ryder dentro de sua zona de conforto, mas que nos faz lembrar que faz muita falta. Não só nos filmes de Tim Burton, mas sim, em produções melhores e que façam jus ao seu talento. Destaque também para a sempre competente Catherine O'Hara. Claro que não poderiam faltar os comentários acerca sobre o visual. O tom sombrio já é uma marca registrada de Burton e aqui encontramos esse aspecto em demasia. O visual é tão caprichado e gostoso visualmente, que é impossível não gostar. Tudo se torna melhor e apaixonante quando percebemos que tudo possui um tom manual, afinal, estamos falando de um filme datado do final da década de oitenta. Ou seja, um orgasmo visual de tão bacana. A direção de Burton é primorosa e acima de tudo, focada na comédia e se sai muito bem. Ainda sim, espero que a vida após a morte não seja como Burton imagina. Prefiro acreditar que pior que tá, não fica!

Beetlejuice | Tim Burton, 1988

nunca fui santa

2011-07-16T17:43:00.004-03:00

"Nunca fui Santa" é um filme padrão de Hollywood em sua época de ouro. Possui uma grande estrela, cenas memoráveis, um bom roteiro, mas se perde naquilo o que se propõe. Ou seja, em um resultado final, "Nunca fui Santa" pode parecer ser um filme menor, que poderia ter sido melhor. Culpa de apenas uma única sequência, no caso a sequência final que de tão arrastada, derruba tudo aquilo o que o diretor Joshua Logan conseguiu construir com o decorrer do filme. Só quero deixar claro uma coisa: o filme não é ruim, muito pelo contrário, mas como eu disse, acaba sendo derrubado pelas escolhas erradas. Se o roteiro tivesse nos privado de uma sequência tão megalomaníaca, "Nunca fui Santa" seria praticamente perfeito e consequentemente um clássico a ser lembrado. Afinal, o filme tem motivos de sobra para ser algo maior.

Claro que o primeiro deles é a simples presença de Marilyn Monroe. Porém, encontramos aqui, uma atuação segura e completamente diferente daquilo o que a atriz havia demonstrado em filmes anteriores. Esqueça a imagem da loura burra que fez de Marilyn virar um grande mito. Aqui, Marilyn, faz uma cantora que trabalha em uma boate todas as noites. Tem Hollywood como o seu maior sonho, e tenta ao máximo construir o seu próprio destino como uma flecha que traça o velho mapa que ela carrega consigo. Cherie (personagem de Monroe) não é uma garota inteligente e, é oposto daquilo o que é considerado certo; já namorou com diversos homens e tem como meta atualmente dormir o dia inteiro. Coisas que são desprezíveis para o jovem Bo (Don Murray), um cowboy inocente e ao mesmo tempo rude, lida com as pessoas como sempre lidou com os seus gados. Ou seja, temos em foco duas pessoas completamente diferentes, porém, nada se compara com uma coisa. Note que, não temos como protagonistas pessoas perfeitas, muito pelo contrário. O roteiro é feliz ao conseguir driblar o código Hays, que tanto assombrava na época. Insinuações de sexo, diálogos com dupla personalidade e nudez são sutilmente mostradas dentro do contexto do filme.

O panorama apresentado pelo roteiro é abrangente e temos tempo para nos acostumar com Cherie e Bo, duas pessoas distintas tentando encontrar o seu destino. Porém, em algum momento, após uma conversa com o seu melhor amigo, Virgil (Arthur O'Connell), Bo acredita que Cherie possa ser o grande amor de sua vida. Acontece aquela paixão à primeira vista, enquanto que Cherie se limita a sentir uma "atração física". Ou seja, ele se apaixona, mas ela não. O roteiro que desde o começo apresenta sinais de uma dramédia se entrega ao humor ao colocar Bo nos centros de atenções como o idiota que veio do interior e nada conhece da vida urbana. A linha reta para Hollywood se desfaz quando Bo obriga Cherie a se casar com ele, mesmo ela não querendo. Mesmo que seja sutilmente, encontramos traços de uma discussão feminista aqui. Bo, no alto de sua sabedoria, sabe que é o "homem", portanto ele se vê na obrigação de demonstrar isso, em nenhum momento ele percebe que Cherie não foi sequer questionada sobre a atitude do casamento. Simplesmente ele a enlaçou e ponto final. Lembre-se que o código Hays ainda estava na ativa. O "The End" não podia ser diferente.

A direção de Joshua Logan é eficiente, principalmente aliada com o ótimo roteiro de George Axelrod e William Inge. Como eu citei no primeiro parágrafo, o grande problema é a sequência final que destoa do início promissor, mas fica explícita a moral do filme e sua lei sobre o machismo encarnado em Bo. Se fosse mais sutil, seria melhor. Marilyn Monroe aparece mais linda do que nunca e alcança equilíbrio como atriz, assim como o seu parceiro em cena, Don Murray está completamente caricato em cena, mas isso é um grande trunfo, tamanha a inocência do personagem. Bo serve como um contraponto para a leveza dramática de Cherie. "Nunca fui Santa" pode não ter virado um grande clássico e ter todo o reconhecimento que merece, mas é uma obra inigualável e simpática.

Bus Stop | Joshua Logan, 1956

desejo e reparação

2011-07-11T22:38:00.003-03:00

Não há nada que pode se dizer sobre o amor. Tudo já foi dito, retratado e imaginado. De todos os sentimentos, o amor é o mais misterioso: sentimos, mas não podemos explicá-lo. Seu início, sua forma e seu fim são características inimagináveis. Em algum momento você já se perguntou como acontece o amor? Ou, como escolhemos aquele que iremos amar loucamente? Então, volto às questões levantadas anteriormente: o amor é algo estranho: sem sentido, forma ou tamanho. De certo, o "amor" só tem o nome. Questões como essa me vieram à cabeça após rever "Desejo e Reparação", um filme que tem como foco principal o tema "amor", não propriamente já que usa outros sentimentos como base principal. Porém, é inegável, o "amor" está ali, retratado com fúria entre o casal protagonista. E, claro, no terceiro elemento da história.

A história é contada de forma linear, mas usa o flashback como apoio. Mas, o flashback é usado de forma mais complexa e até inteligente. Portanto, digamos que o filme obtém uma linearidade incomum, sem sair do trilho, o diretor conta a sua história com outros toques. Briony Tallis (Saoirse Ronan/Romola Garai/Vanessa Redgrave) é uma jovem incomum para a sua idade. Possui uma imaginação fértil e fazendo um bom uso dela, acaba sendo precipitada quando se envolve em uma estranha situação envolvendo sua irmã, Cecília (Keira Knightley), e Robbie (James McAvoy), o criado da família. A situação, aos olhos de Briony, é algo sujo e decepcionante: Robbie estava sendo acusado de abuso sexual contra Cecília e outra jovem, e Briony afirmando ter visto algo incomum, acaba sentenciando Robbie e consequentemente o romance que ele tinha com Cecília. Os anos passam, Briony cresce e percebe os erros que cometeu e se sente culpada pela separação de Robbie e Cecília. Não posso esquecer que temos como plano de fundo a segunda guerra mundial, ou seja, tudo caminha para o final trágico. A questão dos pré-julgamentos se torna uma vertente dentro da trama.

Briony participou desta ação erroneamente. Deram vazão e crédito para uma mente infantil. Porém, em uma época com poucos recursos, teriam que dar crédito para alguém que afirma ter visto algo indecente. A questão é que Briony não tinha o discernimento necessário para concluir tal afirmação e claro, pensar nas suas consequências. A questão não é a mentira e sim, a verdade omitida. Como saber sobre as verdadeiras intenções de uma pessoa? Como acreditar em algo que possa ter acontecido de forma diferente? Briony presenciou os momentos cruciais de cada situação, porém, enxergou de modo errado (ou aquilo que preferia ver) e teve uma conclusão errada de tudo. Mesmo que Briony tenha resquícios de vilania, já que mais pra frente somos avisados de uma suposta paixão, não podemos olha-la como a grande vilão. Briony fez apenas aquilo o que a sua imaginação fértil lhe permitiu: se basear algo real para criar o irreal. Sua mente trabalha a todo vapor para distorcer a realidade. Em dado momento, é perceptível sua animação em ter solucionado algo ou salvado alguém, quando na verdade ela apenas usou aquilo o que usava para escrever suas peças fictícias. Seus olhos a enganaram. Uma pena que anos mais tarde, ela foi perceber tal erro.

"Desejo e Reparação" além de ter um roteiro como um primor obtém uma parte técnica invejável. A fotografia é belíssima, tem um elegante contraponto entre as duas divisões do filme: a mansão e a guerra. Um espetáculo visual. A trilha sonora acompanha o teor dramático do filme e possui uma singularidade ao utilizar uma trilha como identificação com o filme. Nunca foram usadas com extrema eficiência as teclas de uma máquina de escrever. A direção de Joe Wright é competente, elegante e faz de "Desejo e Reparação" ser essa jóia rara, já lapidada. Foi com "Desejo e Reparação" que Saoirse Ronan se mostrou ser uma das atrizes mais promissoras para o futuro do cinema, demonstrando talento ao encarar uma personagem como Briony. Verdade seja dita, a atriz vem crescendo categoricamente em cada filme que vem atuando. É bom destacar também que a atriz firma mais uma vez a parceria com Joe Wright, já que é a protagonista de "Hanna" (fita de ação que estreou neste ano de 2011). Keira Knightley e James McAvoy em excelentes atuações.

Atonement | Joe Wright, 2007

o diabo veste prada

2011-07-09T00:35:00.002-03:00

O principal objetivo de "O diabo veste Prada" é óbvio. Somos apresentados à velha questão do superior sob o ponto de vista sobre o inferior. Vale tudo para chegar ao topo? No ponto de vista de Miranda Priestly (Meryl Streep) a resposta é sim. Afinal, ela abdicou de sua vida pessoal, para que a profissional fosse um sucesso. Dito e feito, pois assim ela conseguiu. Porém, entramos em outra pergunta óbvia: Vale a pena? Se pararmos para analisar a vida de Miranda, certamente que iremos chegar a uma conclusão, também, óbvia: não, claro que não vale a pena. Miranda Priestly tem uma carreira bem sucedida, porém, conseguiu realizar a tal proeza de afastar todos de si mesma. Em vez e amigos, consegue ter mais inimigos; Em vez companheirismo, consegue apenas obter o medo das pessoas. Ou seja, Miranda tem apenas a parte profissional como uma área bem resolvida. Uma pena que em outros aspetos, as suas secretárias não podem ajudá-la.

Por mais que "O diabo veste Prada" tenha o foco em Andrea Sachs (Anne Hathaway), é impossível não frisar Miranda Priestly, afinal, o filme gira em torno desta personagem, inclusive a personagem de Anne Hathaway. Andrea é o oposto de tudo aquilo o que a moda dita e prega, assim como em umas das cenas do filme, podemos definir Andrea como a moça do "antes e depois" de uma revista, claro, Andrea consegue apenas ser o "antes" (consequentemente, encontramos o "depois" de Andrea). Porém, não é só Andrea que pode ser definida assim, afinal, o próprio filme consegue ser divido em dois, mas especificamente como o "antes e depois". De início, acompanhamos a ascensão de Andrea como assistente de Miranda e logo depois somos convidados a participar das dúvidas cruéis de Andrea com este mudo cheio de glamour e sedução. Ao menos pra ela, claro. Depois que há a transformação, o filme mostra à que veio. Enquanto a primeira parte se entrega ao humor com o jeito irreverente de Andrea, é na segunda parte que adentramos ao drama e encontramos a hipocrisia. Pessoas com segundas intenções, e principalmente a questão do topo do mundo. Pois, o que você faria para chegar ao seu objetivo? Nas últimas cenas, Andrea cai em si e percebe que o seu maior erro foi não admitir que com o passar do tempo foi se tornando uma delas. Fazendo parte do mundo podre que ela tanta criticava. Hipocrisia? Talvez. Mas o importante é que Andrea enxergou isso dentro de si.

Mesmo que "O diabo veste Prada" tenha questões válidas, é impossível não tachá-lo como um filme de puro entretenimento. Desde a direção a sua trilha sonora é perceptível que a preocupação aqui não é uma análise de personagem ou abordar questões filosóficas sobre ética. É apenas a forma de mostrar este mundo cruel da moda como algo charmoso, cheio de segundas intenções, mas que ficam escondidas em baixo do tapete. David Frankel tem uma direção segura, mas prefere fazer uma analogia ao mundo pop com um filme ágil e pretensioso. O roteiro de Aline Brosh McKenna segue o estilo comédia romântica. Pra falar a verdade, o roteiro seria patético se a direção não seguisse uma linha mais gradual. Se caso, David Frakel tentasse fazer de "O diabo veste Prada" algo maior e mais pretensioso, teríamos um filme enfadonho e que pouco tem a dizer. Porém, os louvores ficam por conta das atuações que salvam o filme: Meryl Streep em uma excelente composição, inesquecível. Anne Hathaway esbanja carisma em uma personagem que se caísse em mãos erradas, consequentemente seria mais caricata (ao extremo). Emily Blunt se mostra uma grande revelação e, pra fechar temos uma atuação inspirada de Stanley Tucci. Ou seja, guilty pleasure total!

The Devil Wears Prada | David Frankel, 2006

rebelde com causa

2011-07-02T17:07:00.002-03:00

Ser adolescente não é fácil. Já diziam os mais velhos quando falavam que a juventude é a pior fase que um ser humano pode passar. Não chega ao extremo, já que, esta fase é bem discutível e tem vários pontos de vista para ilustrar a mesma ótica, porém, ninguém em sã consciência pode dizer que ser jovem é fácil. Época de descobertas, namoros, amizades, aprendizados e principalmente quando as escolhas começam a pesar sobre nós. A independência bateu a porta e veio para ficar. Por mais que "Rebelde Com Causa" aparente ser oco em seu foco adolescente, é impossível não se ver como Nick Twisp (Michael Cera), o típico garoto virgem americano. Afinal, todo mundo já foi virgem um dia e creio que a maior parte já se apaixonou loucamente, mesmo que a regra principal aqui seja o sexo e a questão da virgindade.

Nick Twisp é quase uma réplica de tantos outros personagens que o próprio Michael Cera já interpretou: adolescente, virgem, nerd, culto e abobalhado. Por mais que ele não possua o menor atrativo, ele sempre conquista a garota ideal e ainda a leva para cama. Talvez eu entenda agora o motivo de Cera sempre interpretar este tipo de personagem. Porém, a questão aqui é que Nick Twisp é um garoto original. Mesmo que ele bobo, ele não é um gênio de matemática ou algo parecido e sim, um garoto comum que gosta de filmes, aprecia Frank Sinatra e se masturba diariamente antes de sair da cama. Ou seja, quase normal. É interessante perceber que neste ponto, Michael Cera é notavelmente eficaz: ele consegue interpretar cada personagem de um modo diferente, sabendo usar um ponto forte de cada um ao seu favor. Neste caso, Nick Twisp sofre do mal adolescente: a complexidade.

Quando Nick se apaixona perdidamente por Sheeni Saunders (Portia Doubleday), ele tem pra si que é inimaginável uma garota tão perfeita como ela se apaixonar por um cara como ele. Os corpos não se atraem e talvez a química não bata de imediato. Porém, Sheeni se mostra ser o reflexo de Nick em diversos aspectos, porém, enquanto Nick é passivo e acomodado com a sua vida, Sheeni está na espera de um homem mal que a livre das amarras de seus pais fanáticos e de seu irmão drogado (uma participação eficaz de Justin Long), e claro, que a leve de preferência para Paris. Sabendo disso, entra em cena François Dillinger, o alter ego de Nick. François é tudo aquilo o que Sheeni espera de um homem: cruel, perverso e com atitude. Ou seja, o oposto de Nick Twisp. O roteiro que sempre caminha para uma comédia de humor negro se revela em sua última cena, quando nos tocamos sobre a verdadeira lição de moral. Não era necessário que Nick colocasse fogo em uma cidade por Sheeni ou que mudasse radicalmente suas atitudes e sim, ser ele mesmo. Claro que, teria que haver mudanças, mas uma hora ou outra, Nick Twisp tinha que ser autossuficiente para alguém, e assim ser autossuficiente consigo mesmo.

A direção fica por conta do sempre eficiente Miguel Arteta (Por um Sentido na Vida), que aqui se entrega para os prazeres da cultura pop e indie, basta prestar atenção na composição da abertura do filme feita em stop motion e na cena em que Nick Twisp vê "desenhos" de um livro sobre sexo voando pela sua cabeça. Com uma edição ágil e uma direção competente, ainda temos diversas participações de atores como Ray Liotta, Justin Long, Steve Buscemi e Zach Galifianakis. Mesmo que para muitos, "Rebelde Com Causa" não seja revolucionário, ao menos não pode negar que como entretenimento o filme seja competente. Claro que, em minha opinião, "Rebelde Com Causa" seja mais que isso. Afinal, todos nós, já fomos bobos e idiotas em alguma fase imbecil deste treco em que chamamos de vida. Olhando por esta percepção, "Rebelde Com Causa" pode ser tachado como uma obra-prima. Mas, é claro, isso é apenas um ponto de vista. E, Nick Twisp no auto de sua complexidade, não concordaria comigo.

Youth in Revolt | Miguel Arteta, 2010

atração perigosa

2011-06-29T22:50:00.002-03:00

O ser humano vive em constante mudança: hábitos, manias, opiniões e mais uma porção de coisas mudam com o tempo, ou melhor, com o amadurecimento. Este é o ser humano. Porém, Doug McRay (Ben Affleck) vive um impasse: quer a mudança, mas não possui a opção de realizá-la. Como fazer algo forçado ou contribuir com aquilo que é errado? Doug cresceu em um lugar aonde optar e ter escolha não faz parte do homem. Quase todos que moram no bairro Charlestown seguem a mesma carreira de roubos a banco, profissão passada de pai para filho. Mesmo que "Atração Perigosa" se entregue aos clichês, é plausível afirmar que mais uma vez Ben Affleck se mostra ser um excelente diretor. Depois de ser elogiado na direção de "Medo da Verdade", Ben, consegue entregar outro filme aonde mescla com segurança o entretenimento com a sua crítica social. Porém, se pararmos para pensar nas diferenças que há entre os dois filmes em que Ben Affleck dirigiu, podemos nos decepcionar um pouco (ou não?).

O filme põe Doug McRay no centro das atenções. Doug é o típico bandido que após se apaixonar pela gerente de banco, Claire (Rebecca Hall), percebe o quão sujo é o mundo do crime. Claro, nasce o desejo da mudança, ou o desejo de ser um humano aceitável perante a sociedade. Tenho que destacar que além de tudo, Doug é bom caráter. Sim, o típico mocinho que não deveria ser bandido. É algo clichê, mas temos que considerar a situação do personagem: Doug não se introduziu diretamente no mundo do crime e sim, seguiu a profissão do seu pai e de seus amigos. Não é um argumento tão plausível já que, o ser humano em qualquer circunstância não é obrigado a nada. Porém, este argumento é trabalhado de forma latente pelo roteiro escrito por Ben Affleck, Peter Craig e Aaron Stockard com base no livro escrito por Chuck Hogan. Há ainda o melhor amigo bom de briga, Jem (Jeremy Renner) e a ex-namorada drogada, Krista (Blake Lively). Ou seja, é tudo aquilo o que você certamente já viu em outro filme, Ben Affleck contorna a situação com uma boa direção. Mas, nem tudo ele consegue esconder.

A verdade é que "Atração Perigosa" consegue funcionar como um conjunto de obra e como um ótimo entretenimento. Estão ali as ótimas atuações, as boas cenas de ação e um grande espetáculo em cena. Um verdadeiro cinema pipoca, que é tratado como algo superior por vir de um diretor como Ben Affleck. Acontece que, ninguém espera algo bom quando citamos rostinhos bonitos de Hollywood e quando algum deles resolve mostrar trabalho e competência é louvado como um cego que finalmente enxerga. Ben Affleck nunca foi um bom ator, mas isso é um mito relacionado com as suas péssimas escolhas cinematográficas. Não estou dizendo que "Atração Perigosa" é ruim ou algo parecido, muito pelo contrário já que cumpre tudo aquilo o que promete, porém, pintar o filme como uma grande obra-prima é a mesma coisa que descobrir que um ovo se partirá quando cair no chão. E, sim, sou daqueles que prefere Ben Affleck na direção, mesmo que até agora ele tenha feito dois filmes com a mesma temática, só muda a função profissional dos personagens principais.

The Town | Ben Affleck, 2010

doce vingança

2011-06-24T21:44:00.001-03:00

"Doce Vingança" é um filme feito para um público específico: aqueles que gostam de ver a desgraça alheia, ou por algum motivo, ficam relaxados com a simples presença da carnificina em cena. Não é um longa propriamente de terror, porém, tenta buscar alguns elementos neste segmento. Claro, não consegue obter sucesso. Por mais que o diretor Steven R. Monroe tenha experiência com fitas de terror, é perceptível que as cenas brutais não fazem parte de uma processo normal e sim, um derivado que vem para confundir o espectador. Afinal, se assustar com arrepios e ter nojo de algo em cena são a mesma coisa? É apenas nesta constatação que eu consigo chegar. Pois, pelo o que eu sei terror e sadomasoquismo são coisas completamente diferentes. Mas tudo bem, não vou prolongar este pensamento já que, sua lógica está se tornando mais pífia que o filme em si.

A história se divide (literalmente) em dois: o estupro e a vingança. Visto isso, é perceptível que não teremos uma trama perfeitamente coesa, tampouco um estudo detalhado sobre as ações e a reação daquela que sofreu o estupro. O longa foca em Jennifer Hills (Sarah Butler), uma escritora que em busca de tranquilidade para escrever o seu novo livro resolve passar uma temporada em um chalé, que fica localizado no meio do nada. Logo de início, Jennifer já sente o teor machista do local em que se encontra, pois, sendo cantada descaradamente por vários homens que trabalham em um mesmo posto já é algo para voltar à lua. Claro, Jeniffer ignora e ainda entrega o local em que vai ficar. Você já pode perceber que a nossa querida mocinha não possui o mínimo do bom senso. Jennifer escreve, bebe litros de vinho, aproveita para correr e ainda resolve dar uns tapas na pantera, com a droga que mais faz parte do universo cinematográfico americano atualmente (fumar maconha é legal? é o que dá a entender...).

Após essa magnifica introdução pelo qual vamos conhecendo o mundo particular de Jennifer somos entregues para quase uma hora de estupro. Exatamente, quase uma hora. O pior nem é o tempo que acontece o estupro e sim, o modo como o vemos. Afinal, quais foram os motivos? O que levou aquilo? Simplesmente sabemos que os caras ficam ofendidos com Jennifer, pois a moça não da bola para ninguém e usam a classe social como desculpa. Afinal, Jennifer é da cidade, portanto é metida e eles são os caipiras garanhões. Eu sei, falando assim, pode até parecer algo raso demais, porém, o filme só entrega isso e dá vazão para as cenas de carnificina. Mas, "Doce Vingança" põe uma questão em cheque: o feminismo. Querendo ou não, Jennifer tem os seus erros de ser estúpida a ponto de morar durante alguns meses em um chalé no meio do nada, mas por ser mulher, ela não pode? Digo, ela não é competente o bastante para isso? Fica claro que, durante o ato do estupro, os homens não a atacariam se caso ela tivesse acompanhada de um suposto namorado. Ou seja, por mais que a mulher vença no final, vemos uma visão estupidamente machista de toda a história.

A vingança de Jennifer é feita gradativamente e rápida se comparada às cenas de estupro. Vemos carnificina e um verdadeiro jogo mortal regido por uma mulher. Mesmo que a divisão da história seja básica, é impossível não estampar um sorriso maléfico no rosto pela vingança executada pela mulher. As atuações são tudo aquilo o que você pode esperar de um filme desses, assim como toda a sua parte técnica. Não há inovação, apenas uma reciclagem de todos os clichês possíveis do segmento torture porn. "Doce Vingança" encontra apoio naqueles sádicos que gostam do que procuram numa fita como esta. Serve como diversão, mas nunca como um exemplo cinematográfico e, ao chegar ao fim de sua exibição a sua vida voltar ao normal como se nada tivesse acontecido; Apenas com aquela estranha sensação de ter perdido mais tempo da sua vida com bobagens em que nada acrescentam. Mas, claro, tem quem gosta. Infelizmente, não sou deste grupo.

I Spit on Your Grave | Steven R. Monroe, 2011

o príncipe encantado

2011-06-19T22:01:00.001-03:00

"O Príncipe Encantado" é uma fábula que caminha pelo gênero mais manjado da história do cinema: a comédia romântica. Claro que, isso não é um defeito, afinal, por mais que o gênero tenha desgastado com o tempo, é impossível não se simpatizar com alguma fita do gênero datada da época de ouro de Hollywood. Claro, tenho que levar em consideração que aqui, temos uma deslumbrante Marilyn Monroe. Monroe, praticamente, é o ponto alto do filme e não pela sua beleza extrema e sim, pela sutileza que a mesma procura colocar em cena. Sabemos que, Marilyn Monroe gostava de se repetir na tela de cinema, não sei se era por escolha própria, porém, em sua filmografia existe uma porção de filmes onde ela interpreta a mesma personagem, algo que nem a profissão dessas personagens é mudada, apenas o nome. Isso também não é um defeito, já que Monroe em cena, é algo mais puxado para o sexual, sabemos qual o verdadeiro motivo dos produtores colocar Monroe no cinema.

Porém, existe algo a destacar: Marilyn sabia que se repetia, e sabia também que a plateia estava mais interessada em vê-la em cena do que analisar sua atuação, portanto, percebe-se que ao menos ela tentava entregar algo verossímil, digo, diferenciar uma coisa da outra. "O Príncipe e a Corista" é basicamente isto, um filme pelo qual temos uma Marilyn que caminha em vários gêneros e ainda cria uma personagem diferente, mesmo que aparente ser tudo aquilo o que Marilyn era ou fazia. Vamos aos fatos, a personagem de Marilyn aqui, é burra, porém, sabe ser esperta quando lhe convém. Este argumento é algo que poderia definir muito bem o que Marilyn era na vida real: uma embalagem sem conteúdo para muitos. Entramos em contradição quando vemos a personagem entendendo alemão ou, ensinando um Rei a amar o seu próprio filho. Afinal, ela não é burra? Ou, completamente tola? Este é o ponto chave de "O Príncipe Encantado" e de Marilyn Monroe; Apegamo-nos ao superficial e apreciamos a embalagem, mas, sempre nos esquecemos de conferir o conteúdo.

Sei que você deve estar achando estranho ler um texto focado na atriz do que necessariamente no filme, porém, "O Príncipe e a Corista" oferece um leque quase nulo naquilo o que se propõe. É confuso na trama paralela política, que na verdade é apenas um conflito de ideais entre pai e filho e claro, um vínculo fácil para Marilyn exalar sua sensualidade na tela. Se por acaso, o filme não tivesse Marilyn, seria algo esquecido e jogado às traças. Porém, indo à contrapartida, tenho que destacar o bom desenvolvimento da trama principal: o romance entre Elsie (Monroe) e o Príncipe de Carpathia (Laurence Olivier), mesmo que seja clichê, é uma trama que busca um melhor desempenho e não atropela os fatos. Mesmo que Marilyn seja o destaque, é impossível não encher os olhos com as performances de todos os envolvidos, principalmente de Laurence Olivier (que também dirige a fita). Possui um toque teatral devido a algumas cenas (cenas extensas que se passam em apenas um único cenário), possui uma fotografia competente, mesmo que tenha um estilo simples e peculiar de filmes produzidos na década de 50. Está certo que "O Príncipe e a Corista" não seja algo memorável, mas é simpático e entrega uma divertida Marilyn Monroe.

The Prince and the Showgirl | Laurence Olivier, 1957

cinzas no paraíso

2011-06-14T13:51:00.001-03:00

Sempre houve divisões. Crescemos sabendo disso e aprendemos a respeitar os nossos limites dentre dessas divisões. A divisão que me permito aqui citar é aquela velha divisão entre o rico e o pobre. Certamente, desde o início de tudo, ou aquilo que chamamos de sociedade, houve esta separação. E não há meio termo, sempre haverá tal separação. Pelo menos, até quando vivermos em um mundo capitalista. Claro que a questão não é exatamente esta, porém, "Cinzas no Paraíso" coloca este pensamento em prática. Pois, o seu fio condutor é exatamente este: a separação dentro de uma sociedade e o conformismo daquele que está por baixo. Mesmo que, a direção de Terrence Malick pareça mais preocupada com as belas imagens, encontramos um espaço vago para divagar sobre tal questão.

Bill (Richard Gere) e Abby (Brooke Adams) são dois jovens irmãos que se fazem parecer assim, quando na verdade são namorados que vivem como ciganos, de terra em terra. Acompanhados da jovem Linda (Linda Manz), ambos decidem partir para o sul trabalhar como camponeses, após Bill arrumar encrencas na cidade de Chicago. Começo do século XX, trabalho era árduo e intenso. A vida desses jovens era praticamente esta: trabalhar de sol a sol. Após saber, por acaso, que o proprietário (Sam Shepard) está para morrer e não possui família, Bill decide que Abby tem que se casar com o jovem rico, algo que se intensifica após o jovem se apaixonar perdidamente pela camponesa. Tudo parece fácil, pois o proprietário estava para morrer e ninguém saberia que tudo não passou de uma grande armação de ambos, mesmo que dentro do contexto não seja feito e visto como algo maldoso de ambas as partes.

Tudo se complica, pois o tempo está passando e o jovem rico não dá sinal nenhum de alguma doença grave. A relação amorosa entre Bill e Abby começa a ficar evidente para o jovem que desconfia de algo. Sem contar que, aparentemente, Abby se apaixona verdadeiramente pelo jovem, algo que causa uma estranha sensação em Bill. Tudo caminha para o fim trágico e assim somos levados pela narração de Linda, a única personagem inocente dentro desta história, mas também a mais misteriosa dentre todos. O roteiro de Terrence Malick não desenvolve os personagens, pois não sabemos nada sobre eles. É como um conto, que vamos acompanhando determinados personagens sem sabe o seu futuro e seu passado. Percebe-se que Malick, apenas quis contar uma história. Não diria que é um erro, pois, isso funciona perfeitamente bem dentro do contexto de "Cinzas no Paraíso". Depende apenas do seu ponto de vista, é como se ele quisesse que nós julgássemos os personagens cada qual com o seu ato.

"Cinzas no Paraíso" apresenta uma história em silêncio e possui uma tensão crescente. Acompanhamos a vida dessas pessoas, mas não participamos ativamente da história. É como olhar dentro de uma fechadura: você sabe o que está acontecendo apenas naquele exato momento, se parar de olhar, jamais saberá o final daquele ato. Portanto, voltamos na questão do primeiro parágrafo. Bill e Abby enxergaram uma oportunidade e fizeram bom uso dela. Não se perguntaram se o jovem rico era triste, feliz ou se tinha sentimentos. Ou, se tudo aquilo realmente valia a pena. Pensaram apenas no futuro grandioso que iriam ter. Aquela miséria e trabalho árduo seria um passado esquecido. De certa forma, nós, humanos, somos assim: agimos pensando no futuro, nos esquecendo das consequências. Bill e Abby tiveram um maravilhoso presente, mas quem poderá dizer que o futuro foram também algo grandioso? O feitiço se voltou contra o feiticeiro.

Days of Heaven | Terrence Malick, 1978

passion play

2011-06-11T19:49:00.001-03:00

Mitch Glazer é um roteirista competente. Pelo menos imagino que seja, já que o roteirista obtém em seu curriculum o filme "Grandes Esperanças", um filme bastante conhecido e que possui uma legião de fãs (ele assina a versão de 1998). Mitch Glazer então resolveu mostrar outra faceta para o mundo: a direção. Colocou umas ideias no papel e escreveu um roteiro. Fazendo de "Passion Play" um filme independente conseguiu um ótimo elenco contando com Mickey Rourke, Bill Murray e uma sedenta Megan Fox que via, então, uma luz no fim do túnel para a sua carreira em decadência (a moça já vinha de dois fracassos após ser demitida da franquia "Transformers"). Feito isso, os produtores resolveram testar o filme no Festival de Toronto. O resultado foi o pior possível e fez de "Passion Play" uma grande piada. Por fim, o filme acabou sendo mandado direto para o DVD no mundo todo, inclusive nos Estados Unidos.

Agora, você, deve estar se perguntando qual o motivo que fez de "Passion Play" um grande fracasso, sem direito até de estreiar nos cinemas. A resposta é simples: em absolutamente todos os aspectos possíveis e inimagináveis, o filme consegue ser ruim, praticamente em nada, o filme consegue obter êxito; e olha que a história central é convidativa. Conhecemos o trompetista Nate (Mickey Rourke) que após se envolver com a mulher de um importante gângster, Happy (Bill Murray), acaba sendo morto no meio do deserto. Pois bem, ele "quase" foi morto. Antes de o atirador atirar nele, um bando de pessoas de branco matam o tal atirador. Após andar a noite inteira no deserto, Nate acaba chegando a um circo (sim, no meio do nada...). O circo em questão é um verdadeiro show de aberrações aonde tem como artista principal a jovem Lily (Megan Fox) que sonha em sair deste lugar terrível.

Lily, no entanto, tem uma pequena diferença: a moça tem asas. Mas, não confunda, como ela mesma diz: "eu não sou um anjo, e sim uma pássaro fêmea". Okay, acompanhamos uma fuga eletrizante de ambos e vendo o potencial que tinha em mãos, Nate resolve agenciar a carreira de Lily como prostituta (é o que o filme dá a entender..). Porém, para isso ele chama o grande vilão da história e aquele pelo qual estava doido querendo matar ele: Happy. O restante da história é tudo aquilo o que você já deve ter imaginado, acompanhamos fugas, desentendimentos e um romance frouxo que faria o casal de "Crepúsculo" sentir inveja. O pior nem é mesmo o romance da história e sim, como Glazer introduziu entre os personagens. Afinal, você consegue imaginar Megan Fox apaixonada por Mickey Rourke? Melhor, você consegue imaginar Megan Fox tendo relações sexuais com Mickey Rourke? Pois é, Glazer teve a audácia de realizar esse estranho pesadelo.

Seria fácil aceitar "Passion Play" como uma excêntrica comédia, mas percebe-se que Glazer realmente queria fazer um drama sério e competente. De fato, ele queria, uma pena que sua direção é assombrosa e quando aliada com este pavoroso roteiro consegue se sobressair com sua extrema ruindade em ambos os aspectos. Porém, a edição acaba sendo o grande destaque já que destrói completamente o ritmo do filme, tornando-o cansativo e várias vezes fazendo-nos perder o fio da meada. A direção mais uma vez vem à tona quando percebemos que várias cenas foram feitas em estúdio (note a última cena, a mais risível de todas). Nem vou comentar sobre os efeitos especiais usados na asa da protagonista. Por fim, só tenho que frisar uma coisa: as atuações são horríveis e nenhum dos envolvidos consegue se salvar, nem mesmo Bill Murray. E, mais uma coisa: aonde foi que Megan Fox achou tantas lágrimas? Afinal, sua função em cena era apenas essa: chorar sucessivamente.

Passion Play | Mitch Glazer, 2010

(500) dias com ela

2011-06-09T23:01:00.001-03:00

Já estamos acostumados com a benevolência do cinema americano. Aprendemos, desde sempre, sobre o amor impossível e seus "finais felizes". Claro, que não posso generalizar essa metáfora já que, o cinema não vive apenas de ficção. "(500) Dias Com Ela" é uma dessas obras únicas que fazem sucesso, não por obter a fórmula da eficácia e sim, por optar no comum para mostrar o banal. O comum, pelo fato de conter uma trama simples e o banal, por usar elementos realistas dentro de uma proposta fictícia. Eu sei, extrapolei em minha forma de comparação. Porém, não posso dizer que de fato, "(500) Dias Com Ela" seja altamente ousado em retratar uma relação amorosa. Possui uma embalagem diferenciada para um conteúdo básico.

O filme segue a visão masculina do amor. Não inteiramente, já que Tom (Joseph Gordon-Levitt) possui uma visão diferente, pois ao contrário do correto, ele acredita fielmente no significado de "amor", algo que sua parceira, Summer (Zooey Deschanel), não acredita. Tom estudou arquitetura, mas se contentou com o seu antigo trabalho como escritor de cartões comemorativos. Enquanto Summer trabalha como secretária, mas tenta não arrumar nenhum compromisso sério em relação a tudo. Percebemos que os dois são completamente opostos um do outro: Tom se apega com facilidade e se mostra mais sensível, enquanto Summer tenta se manter distante de tudo aquilo o que pode trazer "futuros aborrecimentos". Para a felicidade de ambos, nasce o romance. Porém, não vemos uma história de amor e sim, uma história sobre o amor (sim, isso vem como slogan na capa do DVD nacional...).

Afinal, o que é o amor? Olhando para o filme, não podemos encontrar uma definição exata. Poderia dizer que, talvez, exista uma visão pessimista, mas, esse ponto de vista seria ingrato com o tamanho da abrangência que o filme possui. Olhando, pelo ponto de vista de cada personagem, o amor simplesmente não obtém uma definição exata. O amor se encontra em tudo aquilo o que você acredita, ou se permite acreditar. Existem várias formas de amar, assim como existe várias formas de "se gostar" de uma pessoa. Portanto, volto à estaca zero: O que é o amor? Talvez, quando eu souber a definição exata para esta dúvida cruel, eu veja "(500) Dias Com Ela" com os outros olhos e possa dizer: "Okay, eu te entendo Summer". Afinal, é fácil se espelhar em Tom, porém, é em Summer que tudo está trabalhado. Sua forma de amar é diferente, intensa e objetiva. Por mais que ela demonstre que Tom não fora tudo aquilo o que podia ser, percebe-se que ele não foi apenas mais um. Ou seja, da forma dela, ela o amou. Está bem, posso estar redondamente enganado, mas gosto de ter essa visão otimista sobre o casal em questão.

Todos os elementos funcionam a favor da grandeza do filme. O filme possui uma trama simples e com uma condução básica, mas que se vê apoiada em pontos extremamente importantes. A direção de Marc Webb é eficiente, principalmente levando em consideração o fato de este ser o seu primeiro trabalho como cineasta; As atuações de Zooey Deschanel e Joseph Gordon-Levitt são inspiradas, além da ótima química em cena (impossível não se simpatizar com ambos); A edição e montagem são primorosas, assim como a excelente trilha sonora e fotografia. Ou seja, "(500) Dias Com Ela" é um filme onde tudo funciona perfeitamente, e por mais que eu já tenha visto milhares de vezes, não consigo enxergar um defeito (válido) se quer. Realmente, um filme sobre o verdadeiro amor. Pelo menos, aquele pelo qual estamos acostumados a sentir.

(500) Days of Summer | Marc Webb, 2009

o passado não perdoa

2011-06-03T21:37:00.001-03:00

O filme começa como tantos outros épicos datados da década de 50 e 60, não nega as suas origens. Desde sua concepção, "O Passado Não Perdoa" já nasceu para ser um grande clássico, mesmo que não tenha conseguido obter tamanha proporção como o esperado e, muito menos ter conseguido sobreviver ao tempo para se tornar um clássico da época de ouro, "O Passado Não Perdoa" se mantém forte como uma rocha. Está certo que, primeiramente, o filme chama a atenção pelo o seu grande elenco recheado de estrelas como Burt Lancaster e Audrey Hepburn e ainda tendo na direção o saudoso diretor John Huston (Os Desajustados, Uma Aventura na África dentre outros). Mas, o filme vai além do grande elenco e consegue equilibrar o seu desejo de ser grande com um drama singelo, mesmo que seja precário naquilo o que se propõe. Só não contavam que o problema seria este: o desenvolvimento dramático do filme.

A trama do filme é simples, acompanhamos o dia-a-dia da família texana Zachary. A família em si é composta pela mãe, Mattilda Zachary (Lillian Gish) e pelos seus filhos: Ben (Burt Lancaster), Cash (Audie Murphy), Andy (Doug McClure) e a única filha mulher, Rachel Zachary (Audrey Hepburn). Já sabemos logo de início que Rachel é na verdade filha adotiva, porém, obtém o mesmo amor e tratamento de todos. Porém, tudo isso cai por terra quando uma dúvida (ou revelação) é lançada: Rachel na verdade pode ser de origem indígena, algo completamente devastador já que os brancos não aceitam os índios e, vice e versa. Entra em discussão temas como aceitação e principalmente sobre discriminação racial. Infelizmente, o roteiro não se propõe a se aprofundar nesses temas. O que vemos na tela é quase um processo psicológico no qual o diretor John Huston camuflou com cenas de guerra e heroísmo. O problema está aí, "O Passado Não Perdoa" não se decide se irá aprofundar no drama da personagem central ou se irá se render em suas cenas sobre guerra. Na dúvida, o diretor optou pelos dois caminhos.

Não que John Huston tenha entregado um filme ruim, muito pelo contrário. O longa-metragem cumpre as suas obrigações, mas, nesta indecisão a obra parece estar pela metade como se um estivesse faltando um elemento importante. Portanto, não é difícil descobrir o motivo pelo longa-metragem ter caído no esquecimento de tal forma; Se não fosse pelo seu ótimo elenco, seria um filme totalmente esquecido. Quase banal. Mas, existe uma explicação para esta questão. O diretor John Huston já declarou que "O Passado Não Perdoa" é o seu filho adotivo pelo fato de não ter gostado do seu resultado final. O motivo? O diretor queria um drama coeso que tratasse de personagens mais humanos, enquanto que aos produtores do filme queriam personagens heroicos e um filme tipicamente americano. Quem venceu esta luta de bastidores é perceptível em cada cena do filme. Mas tudo bem, se percebe também que John Huston tentou fazer a sua vontade. O desenvolvimento psicológico de Rachel é formidável, mesmo que haja uma carência notável em diversos aspectos.

Com uma direção eficiente, uma boa fotografia e trilha sonora, o filme se torna autossuficiente em termos técnicos, sendo um verdadeiro primor. O estrondoso elenco se sobressai: Audrey Hepburn entrega uma de suas melhores atuações e consegue convencer na pele de uma (quase) selvagem de origem indígena; Burt Lancaster se torna um grande apoio para Hepburn já que juntos em cena demonstram uma ótima química (se bem que, o elenco inteiro está em total sintonia). Agora, Audie Murphy acaba sendo o grande destaque em suas poucas cenas, talvez por ser o personagem mais interessante psicologicamente (o personagem fica dividido entre apoiar sua família e aceitar sua irmã na condição de índia). Os 120 minutos passam de forma rápida e somos entregues para uma grande guerra entre brancos e índios em seu ato final. Claro que nesta questão, o patriotismo americano venceu. Não conheço direito a história (sobre os índios e os americanos) e nem acho plausível os argumentos desta guerra, mas a última cena chega a ser repulsiva quando se percebe quem ganhou. Mais americano... Impossível! Tem os seus erros, mas ainda sim, merece ser assistido e apreciado como tal. Nem se for para ver Audrey Hepburn com os seus longos cabelos castanhos e dançando ao sol com sua pele bronzeada.

The Unforgiven | John Huston, 1960

o fabuloso destino de amélie poulain

2011-05-31T12:37:00.001-03:00

O diretor francês Jean-Pierre Jeunet se viu sendo glorificado após o estrondoso sucesso de "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain"; O filme, que mais parece uma fábula moderna, ganhou admiradores por todo mundo e de início já se tornou um filme Cult, além de ser tachado como um filme indispensável para aqueles que admiram a sétima arte. O sucesso não foi em vão, certamente "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" é um dos melhores filmes já feitos em toda a extensão do cinema. Impossível não se simpatizar com a personagem principal ou ficar impressionado com tudo aquilo que o filme se propõe. O longa em questão é uma pequena obra-prima que cresce em grande proporção. Ver ou rever, não faz diferença, afinal, sempre será como se fosse à primeira vez.

Acompanhamos a vida de Amélie Poulain (Audrey Tautou) desde a gestação de sua mãe. Como os pais de Amélie, acreditam que ela possa ter um problema cardiovascular, privam a criança de uma vida comum que a obriga a estudar em casa e brincar sozinha. Sendo assim, Amélie cresce em seu mundo particular com suas manias diferentes e estranhas. Com a morte da mãe e já crescida, Amélie arruma um emprego e decide morar sozinha, porém, apenas o cenário muda: Amélie continua sendo a mesma garota fechada em seu mundo particular. Dentro do seu apartamento, Amélie descobre uma velha caixa enferrujada, ou seja, um tesouro esquecido de alguém. Objetiva, Amélie decide encontrar esta pessoa e assim, devolver a caixa esquecida rodeada de velhas lembranças. Após este acontecimento, Amélie decide ajudar e resolver a vida daqueles que a rodeiam com pequenas (ou grandes?) atitudes. Ou seja, Amélie dá aquele sonhado empurrãozinho para a felicidade. Porém, existe um pequeno detalhe que em determinado momento um dos personagens resolve questionar: Você arruma a bagunça da vida dos outros, mas quem arrumará a sua? Claro que não foi exatamente nessas palavras, mas esta frase resume bastante o ponto crucial do filme.

Amélie estava tão preocupada em satisfazer os outros que se esquecia de si própria. Em determinado ponto, ela percebe que apenas a felicidade alheia não preenchia de fato a sua vida. Ela fazia o bem para os outros e isso lhe resultava em uma felicidade momentânea, algo como um sentimento de ser útil para alguém. Mas, e ela? Quando alguém iria satisfazer os desejos dela? Como ser feliz se ela está preocupada com a felicidade de outras pessoas? A vida pode ser bela, mas não é fácil. Amélie sabia disso, portanto não queria terminar como tantas outras. Assim como aqueles que ela ajudava, Amélie também queria sentir a plena felicidade e sim, poderia muito bem ajudar aos outros e procurar sua própria vida em algum lugar. Mas, para chegar nesta conclusão Amélie leva alguns tropeços. O grande problema de Amélie era que seu mundo era particular demais, sendo assim só cabia uma pessoa. Ela não sabia o que fazer e nem por onde começar. Até achar aquele que parece ser o homem ideal, Nino Quincampoix (Mathieu Kassovitz). As incertezas ainda continuam, até que chegamos a outro ponto crucial: o medo de Amélie.

Por mais que Amélie quisesse ser feliz e achar a sonhada felicidade, o seu mundo particular a impedia. Os seus medos vieram à tona e encarar a realidade era um grande empecilho para enfim, chegar aonde queria. O modo como Jean-Pierre Jeunet (Eterno Amor) foca o amor de Amélie é de uma singularidade extrema. Sua fábula emana sentimento e dedicação. Por mais simples que o filme seja, é em sua realização que merece destaque. O filme é simples, mas funciona perfeitamente como um conjunto de obra onde tudo funciona perfeitamente bem. Em todos os aspectos possíveis o filme se sobressai. Apenas isso explica a grandeza de "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" que tem como foco o amor, mas que sutilmente trata de outros temas como felicidade, amizade, companheirismo e liberdade. Em suas cenas finais, tudo faz sentido e o filme termina do mesmo modo como começou. Pois, nós, assim como Amélie não temos ossos de vidro e podemos aguentar os baques da vida. Portanto, se estamos vivos, vamos viver. Se ainda respiramos, vamos apostar no desconhecido. Podemos nos decepcionar, porém, ninguém pode dizer que não tentamos. Enfim, Amélie se completa e entende tudo aquilo o que estava diante de seus olhos.

***

Dedicado com muito carinho para a aniversariante do dia (e que me pediu incansavelmente esta análise), Ticiane Vitória.

Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain | Jean-Pierre Jeunet, 2001

reencontrando a felicidade

2011-05-25T22:52:00.001-03:00

O título nacional de "Rabbit Hole" já diz muito sobre a obra. Mas, não o bastante. Os personagens envolvidos não têm como objetivo reencontrar a tal felicidade e sim, sentirem-se vivos mais uma vez. São como zumbis que se encontram em estado de inércia, alienados com tal situação. Situação esta, pelo qual "Reencontrando a felicidade" não trata de forma diferenciada. Também pudera, não creio que exista algo novo para retratar sobre perdas a não ser a própria dor sobre aquele que perde. Não há meios para isso, apenas reaprender a viver. Caso que se encontram Becca (Nicole Kidman) e seu marido Howie (Aaron Eckhart) que ainda não superaram a perda do único filho.

Como levar a vida adiante, ou, os meios plausíveis para conviver com tal situação se tornam perguntas constantes entre o casal que prefere levar tudo no mais absoluto silêncio. Um depende do outro e prefere esperar uma atitude que os salve disso tudo, ou simplesmente acordar e perceber que tudo não passou de um horrível pesadelo. A vida do casal havia se tornado isso: um pesadelo. Becca é a mais dependente. Possui uma figura feminina forte, porém se concentra nos afazeres domésticos virando um tipo de empregada que trabalha 24 horas por dia. Enquanto que o seu marido tem como refúgio o seu emprego, fazendo o papel de provedor e líder da pequena família de (apenas) duas pessoas. O rumo que o relacionamento toma é outra questão. Certamente que com uma perda tão grande há um desfalque familiar que acarreta em um abalo psicológico (emocional seria a palavra mais apropriada?). Tudo virou rotina, inclusive sentir a dor que com o tempo se torna uma espécie de companheira.

Becca sofre por não ter objetivos. Sua vida era o seu filho, este era o seu trabalho. Perder o seu único filho, não foi apenas uma perda e sim algo retirado cruelmente dela. Becca sabe disso e sofre por isso. Sua vida, praticamente, estava estagnada e não havia saída. Pois, como continuar viver sem um único motivo? Querendo ou não, Becca sofre mais com a perda enquanto que Howie tenta levar a vida de forma normal, mesmo que ainda seja algo difícil de aceitar. Com a inserção do motivo e daquele que pode ter "matado" o filho do casal, tudo ganha contornos maiores e abrangentes. As questões sobre a dor, recomeço e perdão aumentar cada vez mais. Estava na hora de parar e pensar. Evitar o que tinha acontecido não era uma boa opção. Eles tinham um filho e perderam: esta era a verdadeira situação. É neste ponto que o roteiro tanto permeia e tenta obter êxito (e, consegue com supremacia). Em algum momento temos que encarar os fatos de frente e enfrentá-los. Só assim para conseguir consertar aquilo que já fora quebrado.

"Reencontrando a Felicidade" tem tudo ao seu favor e de uma forma única consegue se tornar até poético. Culpa da competente direção de John Cameron Mitchell que entrega um drama enxuto e dá conta do recado, fazendo do filme uma grata surpresa. Nicole Kidman (que a meu ver nunca esteve fora de forma), entrega uma atuação coesa e belíssima. Sua indicação ao Oscar foi mais que merecida e veio em boa hora. Não acreditava quando lia algo sobre o seu rosto, mas não tinha me dado conta sobre o excesso de Botox. Algo perceptível nesta película, porém, nada que comprometa sua atuação que segue de forma avassaladora. Aaron Eckhart também obtém êxito e compõe de forma formidável o seu personagem e consegue se equiparar ao lado de Kidman. Agora, o grande destaque fica para a atuação de Dianne Wiest que está muito simpática e esbanja talento em cada cena. "Reencontrando a Felicidade" não é um filme difícil, pelo contrário, é simples, poético e na medida do possível sútil. Um filme sobre perdas e que não tenta inventar a fórmula do recomeço. É apenas um retrato real de alguém que perdeu aquilo o que mais amou na vida.

Rabbit Hole | John Cameron Mitchell, 2010

loucos de paixão

2011-05-23T10:22:00.002-03:00

O ser humano cresce sabendo sobre o amor e, de forma natural desenvolve este sentimento dentro de si. Nós, não somos preparados devidamente para a morte. Sabemos que ela existe e que pode acontecer a qualquer momento. Porém, desejamos levar a vida como se ela não existisse. Afinal, não há motivos para sofrer por antecipação, certo? Mas, como proceder quando alguém muito querido(a) morre? Lembre-se que não estamos preparados para tal situação e também nem tem como, pois como se preparar para o inevitável? É nesta mesma situação que duas pessoas se encontram: tentando viver com o inevitável e esquecer que algum dia algo ruim aconteceu. "Loucos de Paixão" retrata isso, porém, o seu foco se mantém em outro aspecto. Esqueça a morte. Encontre o amor.

Max (James Spader) é um homem jovem de sucesso. Vem de família rica e possui um bom emprego, possui princípios e gostos requintados. Um verdadeiro gentleman. Mas, ainda não conseguiu esquecer a sua esposa que morreu em um acidente de carro há dois anos. O jovem vive o seu luto e se entrega para o trabalho. Numa noite quando colocava os seus princípios em prática conhece Nora Baker (Susan Sarandon), garçonete de uma lanchonete que adora Marilyn Monroe. Os dois possuem uma boa diferença de idade e claro, são de mundos completamente distintos, porém, possuem a mesma dor em comum. Enquanto Max continua apegado a sua mulher, Nora ainda não aceitou a morte do seu único filho. Sendo assim, nasce uma estranha relação entre ambos, baseada puramente em sexo. Consequentemente, o que era sexo se transforma em uma relação mais séria. Mas, será que o casal poderia ter um futuro juntos?

Max se apaixona por Nora, mas sente vergonha de apresentá-la como namorada. Nora representa o oposto de Max em todos os sentidos: é mais velha, é de outra classe social e não possui estudos como Max. São como água e vinho que se misturam quando estão na cama. Quando chega o momento de idealizar algo sério, as diferenças se tornam visíveis. O estranho casal choca aqueles que conhecem Max. Em uma das cenas, uma mocinha pergunta para Nora como ela conseguiu fisgar o melhor partido entre todos, Nora já raivosa com a situação apenas olha e dispara: "Acho que sou boa de cama. Diferente de você...". Neste ponto não há apenas distinção social e sim os pré-julgamento entre ambas as partes: a moça não aceita Nora por ser pobre e Nora não aceita a moça por ser rica. Não há meio-termo, o ponto de vista é único: preconceitos vêm de ambas as partes e em diversos momentos. Não há como fugir ou esquecer. Neste caso, Nora é a mais prejudicada. Tudo está contra ela.

"Loucos de paixão" é um misto de thriller erótico salpicado com romance e drama. Consegue conciliar os três gêneros e manter um único objetivo. A direção de Luis Mandoki segue uma linha usual e não possui grandes atrativos, talvez a cena da primeira vez entre ambos seja uma exceção. A cena é muito bem filmada e mesmo que seja desconexa com todo o filme possui um significado muito grande entre os dois personagens: personifica e libertação do luto entre ambos. As atuações surgem como os maiores destaques. Susan Sarandon apresenta a mesma competência de sempre; Kathy Bates em uma pequena participação e James Spader demonstrando uma excelente química com sua parceira em cena. James (que participou de "A Garota Rosa-shocking" e tantos outros filmes de sucesso) pra falar a verdade acaba sendo o maior destaque. Mesmo que aparente ter menos que 27 anos, o ator segura muito bem o personagem e desempenha com louvor o jovem Max.

White Palace | Luis Mandoki, 1990

a garota de rosa-shocking

2011-05-20T13:04:00.001-03:00

"Pretty in Pink" envelheceu da forma que merece. A trama clichê com os absurdos da década de 80 parou no tempo e pode ser encontrado facilmente o cheiro de naftalina que ronda o filme. Porém, quem disse que o filme não mantém o mesmo frescor de outrora? O filme é sim clichê, envelheceu de forma arrebatadora, mas contém aquela nostalgia que apenas um filme de John Hughes consegue ter (lembrando que aqui ele apenas assina o roteiro). Típico filme adolescente que foi reprisado na sessão da tarde incansavelmente. Virou uma espécie de filme Cult e conseguiu o seu lugar ao sol. Afinal, além de ter a marca de Hughes imprimida, o filme ainda contém a presença de Molly Ringwald que praticamente obtém em seu curriculum os maiores sucessos da década de 80 (Clube dos Cinco e Gatinhas & Gatões são ótimos exemplos).

A trama acompanha a vida de Andie (Molly Ringwald) estudante do ensino médio que sofre por não ser devidamente aceita pelos seus colegas de escola por ser pobre sendo que, basicamente todos eles são ricos ou simplesmente herdeiros de uma mina de ouro. O roteiro segue esta linha tênue sobre a divisão de valores e principalmente a condição sobre aceitação ao próximo. Andie não era aceita pelo simples fato de vir de uma família humilde, porém, se caso algum deles e enganasse ou acreditasse que ela fosse da mesma classe social Andie seria bem-vinda. Sendo assim, Andie é humilhada e rebaixada por não obter aquele "Q" que a grande maioria tem. É difícil olhar a condição da protagonista com os mesmos olhos de antigamente, até por que John Hughes não se propõe a se aprofundar no tema (mas não fica na superficialidade, já que consegue desenvolver muito bem a sua crítica perante a situação de Andie).

A questão da desigualdade social funciona como uma barreira para Andie e seu paquera, Blane (Andrew McCarthy) que enxergam a situação como um grande empecilho para engatar um possível romance. Afinal, como as pessoas iriam reagir? Como saber se Andie não estava com ele por puro interesse? A grande sacada do roteiro de John Hughes é focar na perspectiva de julgar uma pessoa. Enquanto Andie tentava ao máximo levar o romance adiante, as outras pessoas tentavam ao máximo acabar com esta relação. Pois é impossível um homem rico amar uma suposta interesseira. Mas, ninguém parou para pensar ou avaliar Andie e seus sentimentos em relação à Blane. De fato, o dinheiro não tinha grande importância. Ambos estavam apaixonados. Importante ressaltar a hipocrisia de ambas as partes. Os ricos não aceitavam Andie e os pobres não aceitavam Blane. Claramente, uma alusão para os pré-julgamentos. Conhecemos alguém pela sua conta bancária?

O filme obtém tudo aquilo o que torna os anos 80 uma década mágica e icônica. Figurinos extravagantes, adolescentes e seus romances açucarados e claro, uma trilha sonora imbatível. Falando em trilha sonora, "A Garota de Rosa-Shocking" usa este quesito totalmente ao seu favor. Pois, como posso definir a cena em que Duckie (Jon Cryer) dubla a música "Try a Little Tenderness"? A cena em si, já pode ser considerada clássica. Com atuações marcantes e divertidas, "A Garota de Rosa-Shocking" proporciona uma viagem única para os anos 80. Um filme delicioso em todos os aspectos possíveis.

Pretty in Pink | Howard Deutch, 1986

o último trem

2011-05-16T10:27:00.001-03:00

Quem acompanha o blog sabe muito bem que o gênero de terror não é o meu predileto, nem de longe. Mas, é sempre bom conferir algo do gênero para simplesmente não perder o costume. E claro, assistir sempre um mesmo segmento se torna maçante com o tempo. Por isso, procuro ao máximo tentar ser versátil quanto ao que assisto. Foi procurando algo assim, que me deparei com "O Último Trem", parecia ser o filme perfeito para um momento completamente ideal. Recusei-me a ver durante a noite, porém em nada adiantou: na manhã seguinte o tempo estava escuro e nublado. Certamente, foi bem propício para ver um filme de terror em baixo das cobertas. Quando o assunto é filme de terror que sai diretamente em DVD aqui no Brasil, claramente fico com o pé atrás, portanto não esperava nada de demais deste filme lançado em 2008. Eis que, para a minha surpresa, "O Último Trem" consegue ser assustador e se sobressair ao apostar em algo diferente.

Claro que possui os clichês do gênero (certamente, os personagens desconhecem a cartilha apresentada no filme "Pânico"), mas mesmo assim o filme tenta ao máximo não cair no meio comum. Ele tenta e não cai. Essa é a melhor parte. Acompanhamos a batalha do fotógrafo Leon (Bradley Cooper) em busca da fotografia perfeita que falta para compor sua primeira grande exposição. Sendo assim, ele embarca no submundo da cidade onde mora (New York?) e se depara com um estranho açougueiro que sempre usa o último trem durante a madrugada. Local este que sempre faz com que pessoas desapareçam estranhamente sem o menor resquício de serem encontradas depois. Claro que Leon vai atrás de respostas e acaba se metendo aonde não é chamado e, acaba envolvendo sua namorada, Maya (Leslie Bibb).

O grande diferencial deste filme é que ele não faz parte daquele grupo de filmes e terror onde prepara tudo para o clímax final ou apenas tenta criar um aspecto iminente de suspense. Vemos mortes e sangue a todo o momento. O assassino em questão se mostra realmente ser um cara ativo naquilo o que faz. As melhores cenas estão com este personagem, vale um destaque à cena em que mostra o que ele faz após atacar a pessoa em questão. A cena tem um ritmo lento e consegue ser horrivelmente angustiante: ver alguém arrancar unhas, dentes e olhos não são algo que dão muito prazer ao espectador. O filme ainda apresenta uma parte técnica de excelência qualidade: possui uma fotografia bem feita e uma direção extremamente eficiente. O diretor Ryuei Kitamura aposta em agilidade, mas não se entrega à câmera em movimento; possui uma cena em especial no qual a câmera dá um giro em 360 graus enquanto há um verdadeiro combate entre mocinho e assassino, uma cena esplêndida.

A grande rejeição do filme se baseia nos efeitos especiais que o filme contém. Esses efeitos são usados em excesso, inclusive para as cenas sangrentas com o famoso "sangue fake". Eu, particularmente, gostei desses efeitos que em um resultado final obtiveram um visual bacana, nos remetendo até aos HQ's devido ao visual gore que o filme contém. Está certo que atuações em filmes de terror sempre são desprezíveis e nem possuem muita importância, mas Bradley Cooper e Leslie Bibb seguem a cartilha com fidelidade. Porém, nada se compara com a assustadora atuação de Vinnie Jones que praticamente possui a mesma expressão o filme inteiro e possui basicamente uma única fala. Ou seja, só posso concluir o inevitável. "O Último Trem" é uma grande surpresa e que obtém momentos maravilhosos e consegue ser um prato cheio para quem gosta do gênero. Sabiamente tenho que falar que não é um filme para todos...

The Midnight Meat Train | Ryuei Kitamura, 2008

a garota da capa vermelha

2011-05-14T09:07:00.001-03:00

O conto "Chapeuzinho Vermelho" já se tornou uma história universal por ser uma fábula amplamente conhecida. Todos, sem exceção, conhecem a história da ingênua garotinha que vai levar doces para sua avó dentro de uma floresta com um lobo mal à solta. Hollywood dê uns tempos para cá descobriu o prazer de fazer livres adaptações de contos infantis. Pois, em uma época aonde a criatividade anda escassa, fazer algo do gênero poderia trazer bons frutos e comercialmente falando poderia ser um grande sucesso. Para completar, nada melhor do que a diretora por trás da primeira parte de "Crepúsculo" para este filme fazer o devido sucesso que se almeja, certo?

Bem, seria certo se ao menos Catherine Hardwicke tivesse o mínimo de bom senso. O tiro saiu pela culatra: O filme que era para ser um grande sucesso de público e crítica e trazer uma nova engenhosidade com os contos infantis é, na melhor das hipóteses, a grande decepção do ano. Não é difícil entender os motivos que levam a esta conclusão final. O roteiro escrito por David Johnson não chega a ser inteiramente ruim. Percebe-se que o roteiro tenta ser algo sério e fazer um bom entretenimento com o seu jogo de adivinhação. As mudanças que o roteirista promoveu dentro do conto são plausíveis, mas claro que existe o seus excessos como a liberação sexual e a castidade da Chapeuzinho. Está certo que o filme se passa na Idade Média, mas será mesmo que neste quesito eles eram tão liberais assim? A ponto do seu futuro noivo já aceitar o fato de ser corno? Não sei. Tenho pra mim que isso foi um grande erro de contextualização. O suspense embutido dentro do filme chega a ser ridículo. Primeiramente por obter um tom completamente excessivo e abusivo como se de fato todos estivessem levando aquilo a sério. Se o filme tivesse um tom mais sarcástico e irônico, seria mais agradável e menos constrangedor.

Os pilares do roteiro são apenas dois: O triângulo amoroso e a verdadeira identidade do lobo. O problema é que esses dois argumentos são mal trabalhados e possui um péssimo desenvolvimento. O romance tenta se mostrar sério quando a castidade da personagem parece ser rompida, mas segue a mesma ordem cronológica de outra saga vampiresca. Já a identidade do lobo, basta prestar atenção nos envolvidos. Se o filme já apresenta um roteiro recheado de falhas, o que podemos esperar da direção? Simples, Catherine Hardwicke fez aquilo o que sabe e resultou nisso tudo. A direção é o verdadeiro calcanhar de Aquiles do filme. Catherine aposta em planos sequências iguais ao de Crepúsculo e tenta conciliar o suspense com um tipo de algo pop para fisgar -literalmente- o seu espectador. Não dá certo, Catherine não consegue o tom exato e erra feio em sua fórmula de sucesso.

As atuações são desprezíveis e incrivelmente nem Gary Oldman consegue se safar. Amanda Seyfried deveria tomar cuidado com o rumo que sua carreira vem levando, mas acho bacana ela tentar apostar em algo novo ao contrário de outras atrizes que tenta ser a nova rainha das comédias românticas (claro que estou falando da Katherine Heigl). A direção de arte e a fotografia são esdrúxulas e possuem uma artificialidade nítida. Penso que a intenção era deixar esse ar de fábula neste dois segmentos, porém, o resultado que se vê é completamente horrível; É como se tivessem feito uma cidade cenográfica em um velho galpão (e acredito que seja isso mesmo...). Também fiquei perturbado quando os personagens apareceram limpos ou até mesmo com o cabelo chapado. Quem sabe na Idade Média os rapazes já não eram metrossexuais, não é mesmo? "A Garota da Capa Vermelha" tinha sim, tudo ao seu favor e poderia ser uma boa roupagem para o conto infantil. Mas, o filme se mostra uma verdadeira paleta de erros contínuos. Uma pena que nem como entretenimento o filme consegue ser bom.

Reed Riding Hood | Catherine Hardwicke, 2011

corações perdidos

2011-05-13T17:59:00.001-03:00

Uma família devastada pela morte. Apenas isso resume a vida do casal, Lois e Doug Riley (Melissa Leo e James Gandolfini, respectivamente), que após perderem a filha adolescente em um acidente de carro acabam parando no tempo, esperando que de alguma forma tudo passe. O problema se encontra na superação. Lois e Doug, praticamente não levam mais uma vida de casal. Com o passar dos anos o casamento entre ambos se tornou meramente de fachada. Afinal, são trinta anos juntos. Pode um casamento tão longínquo acabar assim? Claro, que não. Sendo assim, Doug mantém uma relação extraconjugal com uma garçonete, Vivian (Eisa Davis), que acaba falecendo para a surpresa de Doug. O dito cujo, acaba ficando perdido, principalmente por não ter em quem se apoiar. Aproveitando uma viagem para New Orleans, Doug conhece a strepper Mallory (Kristen Stewart) e acaba se afeiçoando pela moça, no qual ele decide ficar mais tempo na cidade, deixando sua esposa sozinha em sua antiga casa.

Sabendo da situação que Doug se encontra e estremecida com a ideia de perder o marido, Lois vence os seus medos e decide ir de encontro ao seu marido. A tarefa não é fácil. Pois, Lois ficara um bom tempo enclausurada dentro de sua casa, tinha receio até de pegar a correspondência. Quando decide, enfim, sair de sua casa há um verdadeiro choque. Choque, simplesmente d'ela enxergar o quanto perdeu de sua vida para algo inevitável. Os anos se passaram, ela envelheceu e permitiu para si mesma que o marido tivesse uma amante. Lois era totalmente ciente que não estava sendo uma boa esposa. Portanto, ela vai à busca da única coisa que lhe restou: o seu marido. A viagem ocorre de certa forma, bem. Não lhe ocorreu em nenhum momento que o seu marido estivesse morando com outra pessoa. Porém, Lois se sente viva quando em uma parada para lanchar recebe uma cantada de um homem. Neste momento, é perceptível a felicidade de Lois com tal situação. É como se naquele exato momento, ela tivesse realmente acordado para a sua realidade. Foi difícil, mas Lois havia saído do estado de coma em que se encontrava.

Enquanto Lois parte para New Orleans e passa por uma transformação, o seu marido se encontra cada vez mais encantado com Mallory. Não pelo fato de ser uma bela garota e uma prostituta que há qualquer momento pode satisfazê-lo sexualmente, e sim pelo fato dele estar com alguém. Doug não mantém uma relação amorosa com Mallory e sim uma relação entre pai e filha. Ele funciona nesta relação e assim se sente útil. Útil para alguém que precisa dele e principalmente útil para alguém tão inútil como Mallory. A palavra "inútil" resume muito bem o que Mallory sente sobre si mesma. Uma adolescente sozinha no mundo e que se prostitui para se sustentar. Mallory não possui nenhuma expectativa de vida ou, um objetivo para se alcançar. Se sente menosprezada e injustiçada. Doug funciona como um amparo, um apoio que ela buscou a vida inteira. De certa forma, os dois se completavam. Há uma fusão com a chegada de Lois a casa de Mallory. Quando ela se dá conta dos reais motivos da partida do seu marido, ela compreende e partilha da mesma situação. A situação se inverteu: Mallory é a imagem perfeita de uma filha para Lois e Doug. Rupturas e feridas jamais tocadas, se abrem. Enfim, Doug e Lois, eram um casal novamente. Eram, além de tudo, companheiros.

O roteiro de Ken Hixon é totalmente eficiente ao abusar dos clichês usuais do típico drama sobre perdas. Porém, sabiamente, consegue contorná-los ao não entrar para o melodrama fácil e tentar ao menos, minimizar os dramas de cada personagem. Ele retrata cada um com muita sutileza. A direção de Jake Scott é também eficiente e sutil. O diretor optou por não inovar muito, porém, tem ao seu favor a montagem, a fotografia e ainda por cima faz bom uso da trilha sonora, algo que ele não abusa exaustivamente, deixando as imagens falarem por si mesmas. James Gondolfini possui uma boa interpretação, mesmo que seja contida demais quando alguma cena exige mais atuação; Kristen Stewart (se prepare: ela mexe incansavelmente no cabelo durante o filme) aparece como uma grata surpresa. Sua atuação está completamente no tom da personagem, porém, não posso deixar de afirmar que sua personagem ajuda e muito neste resultado final. Mallory é melancólica e vulgar, algo não muito difícil para Stewart. Dentre os três, Melissa Leo é a que mais se sobressai. Sua personagem é a mais complexa e possui uma extrema tristeza pela perda da filha. Melissa faz uma excelente composição e fragmenta os sentimentos de sua personagem na tela. "Corações Perdidos" (preciso falar sobre esse péssimo título nacional?) é uma surpresa e tanto, um bom drama sobre perdas e recomeços.

Welcome to the Rileys | Jake Scott, 2011

charada

2011-05-11T11:07:00.001-03:00

Na primeira cena de "Charada" já percebemos o conceito do filme. A câmera passeia em uma paisagem densa e escura e termina por focar em um trem em andamento. Com o decorrer deste trem visualizamos um homem sendo jogado para fora: o tal homem se encontra morto. A cena termina e acompanhamos os créditos iniciais, onde o colorido se torna presente se aliando com uma excelente trilha sonora que desde já, imprime um tom ágil para a trama remetendo-nos para uma fita de ação e espiões. O filme não nos engana, "Charada" é um jogo de gato e rato envolvendo assassinatos e uma grande quantia em dinheiro. Sim, a trama basicamente lembra uma das tramas mirabolantes de Alfred Hitchcock, e não é pra menos. "Charada" possui todos os elementos do cinema de Hitchcock desde o suspense até as incríveis reviravoltas. Possui apenas uma diferença: por mais que "Charada" nos apresente como um ótimo suspense, o filme segue um tom satírico como se estivesse fazendo piada de si mesmo. O humor se torna presente e um importante aliado ao suspense da trama.

Combinação perfeita para um ótimo entretenimento. Durante uma viagem, Regina Lampert (Audrey Hepburn) decide se separar do seu marido milionário pela falta de atenção e de amor entre ambos. Quando decide voltar para a sua casa, acaba por encontrar ela vazia e com a notícia do falecimento do seu marido. Só se sabe que o mesmo havia sido assassinado e, jogado fora de um trem em andamento. Encarregados de descobrirem maiores detalhes sobre a morte, a polícia interroga Regina que acaba descobrindo o motivo da morte do marido: US$ 250 mil dólares. O marido foi morto por ter roubado este dinheiro. Só existe um detalhe: o dinheiro não estava na posse do marido e se encontra desaparecido. Quem poderia estar ou saber sobre este dinheiro? Claro, Regina Lampert, a viúva. Sabendo disso, três ladrões que se dizem serem os donos do dinheiro começam a perseguir a moça em busca do dinheiro. Regina, por sua vez, se encontra perdida com toda a situação e possui apenas a amizade do enigmático Peter Joshua (Cary Grant) que tenta ajudá-la a combater esses três homens. Porém, fica a dúvida: Quem é Peter Joshua?

O fio condutor é este: o dinheiro roubado e a identidade de Peter Joshua. O roteiro de Peter Stone é completamente eficaz ao retratar tudo com um tom satírico, fazendo bom uso do suspense e apresentando diversas reviravoltas dando um fôlego novo para cada cena do filme. Vale ressaltar também a composição de Regina Lampert. A moça nos é apresentada como uma boa jovem e que possui os seus ideais e princípios, porém, nada a impede de sentir desejo sexual pelo personagem de Cary Grant a ponto de encurralá-lo na parede pela recusa quando ela tenta algo mais íntimo com ele. Mesmo que isso tenha sido algo imposto pelo próprio Cary Grant (que quase recusou o papel, pois se achava velho demais para fazer par romântico com Audrey), é interessante a abordagem dentro do contexto. A personagem Regina Lampert já era um novo retrato das mocinhas hollywoodianas: completamente independentes. O restante dos personagens segue em forma caricata principalmente se tratando dos ladrões e da polícia. Sendo assim, o roteiro acaba sendo o grande triunfo e destaque de "Charada" que antes de tudo, tenta ser uma válvula de escape para o espectador ao fazer de si mesmo um enorme e divertido entretenimento.

"Charada" possui um excelente elenco e como sempre, tenho que destacar a beleza que é conferir Audrey Hepburn em cena. A atriz demonstra versatilidade ao conseguir atuar de forma natural, apostando em seu timing cômico. Não é por ser a protagonista, mas a personagem de Audrey Hepburn é de longe da melhor do filme, possui as melhores sacadas e Audrey Hepburn faz bom uso delas. Um verdadeiro encanto, em todos os sentidos. Está certo que Cary Grant segue uma linha mais canastrão, porém, conseguiu obter uma ótima química em cena com Audrey (apesar da diferença da idade. Porém, notaram que a maioria dos pares românticos da Audrey são atores veteranos?). Além do roteiro, "Charada" possui outros destaques técnicos indispensáveis, a começar pela trilha sonora energética de Henry Mancini e principalmente pela excelente direção de Stanley Donen. Caso não se lembre, Stanley Donen é o mesmo de "Um Caminho para Dois", "Cinderela em Paris" (os dois com Audrey Hepburn) e o clássico "Cantando na Chuva". Era de se esperar que direção fosse mais clássica, porém, ele vai à contramão e apresenta um trabalho ágil e eficiente. Aposta em ângulos diferentes e demonstra uma versatilidade ímpar ao conseguir mesclar vários gêneros em um só filme. Em suma, apenas posso terminar de um jeito: "Charada" é uma excelente forma de se entreter.

E, fica aqui, um parecer um tanto estranho para mim: Só eu que percebi similaridades entre "Charada" e "O Turista" (sei muito bem que o filme é uma refilmagem de outro filme mais recente...)? Enfim, Angelina Jolie não é Audrey Hepburn, por mais que use os mais belos figurinos em cena...

Charade | Stanley Donen, 1963

por um sentido na vida (miguel arteta, 2002)

2011-05-09T10:58:00.000-03:00

Viver é algo muito difícil. Talvez seja o maior dilema do ser humano: viver e tentar obter felicidade com o decorrer de sua vida. Porém, chega uma hora em que tudo cansa ou vira rotina. Na pior das hipóteses, ficamos acomodados com aquilo o que temos e recebemos. Essa é a sensação que Justine (Jennifer Aniston) sente e que está dominando a sua vida. Já com trinta anos, se encontra parada no tempo: possui um trabalho ingrato em um supermercado, um casamento frustrado onde o seu marido, Phil (John C. Reilly), usa a maconha como forma de escapismo e ainda possui a pressão por já ter uma idade avançada e ainda não ter tido filhos. A vida de Justine era praticamente normal, com problemas comuns. Tudo muda quando Justine conhece o jovem Holden (Jake Gyllenhaal). Um tipo diferente que muda por completo a vida de Justine. Digamos que muda para melhor e termina na pior. Inicia-se um romance. Quais eram as pretensões de Holden? O que Justine sentia em relação a este caso extraconjugal? O filme entrega um verdadeiro panorama psicológico sobre esses personagens.

Com pouco mais de noventa minutos, o diretor Miguel Arteta entrega um filme com temas aprofundados e faz de seus personagens os mais humanos possíveis. Uma verdadeira caricatura da sociedade americana (se bem que neste sentido é bom generalizar. Chega de atacar os americanos como se apenas eles tivessem problemas de sociedade, certo? Se bem que, querendo ou não, eles possuem os maiores problemas neste sentido. Ah, esqueçam essa divagação boba...). Justine possui uma vida ingrata e percebe em Holden uma forma de escapar disso tudo. Até porque, se o seu marido possui a sua forma de escapar disso tudo porque ela também não pode ter, não é mesmo? O problema é que Justine não pensa nas consequências que isso pode lhe acarretar. Neste ponto, ela propriamente percebe o quão egoísta e dura com outros ela pode ser. Ela sabia que não era correto e sabia que não acabaria bem, porém, continuou ainda da mesma forma. Interessante ver que o ser humano possui uma verdadeira atração pelo "lado errado". Querendo ou não, coisas estranhas e ilógicas acabam ganhando. Isso representa viver, ou ao menos, ter uma vaga ilusão sobre a verdadeira felicidade. Chegamos ao ponto: Justine vivia uma ilusão.

A ilusão era tanta que ela mesma tenta se remediar com toda essa situação. Tenta achar alegria ao lado do marido e tenta até reparar o seu lado espiritual. Não tinha jeito. Tudo tinha que ser devidamente consertado ou remendado para que sua vida se tornasse de novo maleável. Em contrapartida temos o jovem amante de Justine. Holden é o típico jovem melancólico -persona que vêm se tornando algo iminente entre o cinema e dentre nós mesmos- que tenta a carreira de escritor. Possui uma vida estranha enlaçada pela família. Ou seja, não possui a atenção devida dos seus pais que de tão estranhos, só nos resta perguntar: Quem é o mais normal da família de Holden? Holden possui sua melancolia e estranhice, mas é corretor afirmar que tudo é culpa dos próprios pais (neste contexto, sim). Holden desistiu da faculdade, não possui amigos e tenta ao máximo chamar a atenção dos pais: abusando da bebida alcóolica e drogas. Justine representa a salvação para Holden, que enfim acha alguém tão estranho como ele e que tenta participar ativamente de sua vida. Só tem uma questão: Será que é bom ver o próprio reflexo no espelho? Afinal, Justine e Holden eram iguais, mas com ideias e crenças diferentes. Holden não enxerga isso, apenas vê o seu reflexo.

"Por um sentido na vida" é uma mistura de comédia com drama que esbarra no sarcasmo e termina na melancolia. De tão estranho e trágico se torna algo terrivelmente belo. Belo, por ainda sim conseguir ganhar coerência com sua história. O tema flui de forma natural e poderia ter ocorrido com qualquer pessoa comum do mundo inteiro (não só os americanos com sua vida de comercial de margarina). O elenco possui uma sintonia extrema e todos trabalham muito bem, inclusive os coadjuvantes como Zooey Deschanel (que encarna a típica adolescente estranha) e John C. Reilly (que parece gostar de fazer "tipos de corno"). Os destaques ficam centrados em Jennifer Aniston que demonstra ser uma excelente atriz também em dramas e Jake Gyllenhaal que demonstra versatilidade em qualquer papel que opta fazer. Poderia aqui falar muita coisa sobre "Por um sentido na vida", mas creio que já comentei o essencial e até aquilo que não devia. É um filme interessante que faz refletir sobre a vida e principalmente sobre o comodismo. Algo que todos estamos fadados a sentir. A questão reside em como acabar com ele ou conviver com este estranho sentimento.

sem limites (neil burger, 2011)

2011-05-08T00:31:00.000-03:00

Seria maravilhoso se o ser humano fosse realmente como manda o livro sagrado: perfeito como vosso criador. Se bem que, o tema "perfeição" é algo bastante relativo. Pois, como podemos querer ser perfeito se não existe ninguém com essa qualidade? Sendo assim, a perfeição acaba sendo apenas um mito ou uma palavra com um poder envolvente. Ser perfeito é aceitável e pode ser tido como um elogio. Porém, ser demasiadamente perfeito pode terminar em loucura dentre outras coisas. O cinema, sempre gostou de alimentar esse poder em torno da "perfeição" e os meios para se chegar lá. "Sem Limites" chega neste ponto. Porém, o foco não é exatamente ser perfeito e sim ser multifuncional como ser humano.

Chegar ao ápice. É como se a "perfeição" já não fosse o bastante. O roteiro semeia esta dúvida: Afinal, o que você faria para chegar lá? Essa pergunta é simples assim como sua resposta fácil. Para o escritor Edward Morra (Bradley Cooper), bastou uma pílula -que foram um tipo de presente dado pelo seu ex-cunhado-. As tais pílulas são um novo tipo de droga que ativa uma parte do seu cérebro totalizando o uso por completo do mesmo. Ou seja, a pessoa fica mais rápida e mais precisa. As memórias que vamos acarretando com o decorrer da vida, acabam sendo esquecidas e com a pílula acontece o inverso: as memórias se tornam mais ativas. Sendo assim, é como consultar um vasto arquivo dentro de você, que permite que lembre de coisas que você já sabe ou aprendeu (Sei, ficou confusa a minha explicação. Mas, não achei palavras melhores para expressar essa parte do filme). A vida do pacato escritor (que vinha sofrendo com a falta de criatividade) muda drasticamente.

O cara tímido dá lugar para uma pessoa inteligente e completamente agradável. Seus hábitos e sua aparência caminham para também uma boa mudança. Sem contar na reconciliação com sua namorada, Lindy (Abbie Cornish), que agora se sente inferior tamanha a mudança do namorado. Aprendendo tudo com uma velocidade incrível, o escritor se torna consultor financeiro e enriquece de forma grandiosa da noite para o dia. Claro, o sucesso vem à tona. As doses das pílulas aumentam conforme os seus problemas. Lapsos de memória começam a fazer parte da vida de Edward Morra, assim como pessoas interessadas na pílula que está em seu poder. "Sem Limites" possui um bom roteiro e tinha tudo para se tornar uma das maiores surpresas do ano. Está bem, consegue chegar ao ponto crucial e se tornar uma obra agradável, porém, é difícil de acreditar que por culpa de escolhas erradas o filme tenha parado no meio-termo e se contentando a ficar com suas limitações.

A grande falha reside no roteiro de Leslie Dixon (que é baseado em uma obra literária). Vemos cenas desnecessárias e tramas paralelas que em nada ajudam para o andar do filme. Com certeza, a principal delas fica por conta do tal assassinato que o personagem tinha participação. O assassinato ocorre e até possui cenas sobre esta trama paralela que acaba terminando sem um desfecho. Afinal, Edward Morra, matou ou não a tal modelo? Nunca saberemos. A trama poderia ser mais enxuta e apenas ter focado em seu objetivo principal: as tais pílulas e suas consequências. Mas, em contrapartida, o filme possui uma fotografia esplêndida. Está certo que não possui inovações, mas segue como uma surpresa agradável, assim como a dinâmica direção de Neil Burger. Bradley Cooper acaba sendo o grande destaque do filme, pelo simples fato de apenas o seu personagem possuir um elo com o espectador. O ator consegue dar conta do recado. Robert De Niro e Abbie Cornish são apenas figurantes de luxo. "Sem Limites" é sim, um filme limitado e que merecia uma atenção maior. Porém, é agradável, surpreendente e funciona perfeitamente como um ótimo entretenimento.

último tango em paris (bernardo bertolucci, 1972)

2011-05-02T12:27:00.000-03:00

Bernardo Bertolucci é um cineasta que sempre tem muito o que dizer, mas nunca consegue expressá-las ao máximo. Ele arranjou um belo meio de fazer isso: imagens. Bertolucci fala com imagens e sonha com os diálogos. Prolifera em demasia o mais íntimo do seu ser; Coloca em cheque sua insanidade mental ao retratar sua mente obscura com suas imagens desconexas. Eu sei, mais louco parece eu ao dizer isso, porém, é o único pensamento que me vêm a cabeça ao ver "Último tango em Paris". Afinal, sobre o quê se trata o filme? Sobre perdas? Sobre o amor? Ou é apenas uma forma de chocar uma sociedade que vê o sexo com ressalvas? Não posso acreditar que o filme seja apenas isso. Por mais que custe para eu entender, quero acreditar que como sempre, Bertolucci tem muito a dizer: sobre sexo; sobre religião; sobre casamento; sobre homem; sobre mulher e sobretudo sobre o ser humano.

Se você olhar bem de perto, irá perceber que "Último tango em Paris" é quase um delírio, tanto no cinematográfico como em questões psicológicas. Não encontro outra palavra a não ser essa estranha "questões psicológicas", não é uma boa definição, mas vem a calhar. Essas questões ficam evidentes quando conhecemos o casal protagonista: Jeanne (Maria Schneider) e Paul (Marlon Brando) que se conhecem por acaso quando visitam o mesmo apartamento que está para ser alugado. Os dois estranhos começam uma relação de amor baseada apenas em sexo. Paul impõe as regras para a jovem e sobretudo é proibido cada um saber sobre o outro, principalmente os nomes. É como se aquele apartamento fosse um outro mundo para os dois. Eles podem ser quem eles quiserem ou desejam, fazem coisas inimagináveis abusando do sexo. A vida começa quando passam pela porta e terminam quando saem daquele apartamento. Totalmente estranhos. Conhecemos cada vez mais sobre a vida de cada um: Paul é dono de um pequeno hotel e se encontra em estado de inércia após sua esposa cometer suícidio. Jeanne está para se casar com um jovem cineasta enquanto o mesma está protagonizando um filme feito pelo namorado.

Bertolucci discute de forma simples e objetivo os temas. Trata a religião de forma cínica e impõe o sexo como um ato sujo, porém, belo ao mesmo tempo. Importante ressaltar que o sexo aqui não tem apenas a importância de chocar, tampouco ser mostrado como algo comum. Vemos o sexo de forma suja mesmo, muitas vezes como algo intragável e fora do comum. É como se toda aquela repressão ao ato sexual fizesse sentido. Mas é claro que o ponto principal não é este. Tanto que, mesmo contendo cenas frias e polêmicas o sexo explícito ainda é mostrado como algo bonito e completamente prezaroso. É como se ele olhasse dentro do seus olhos e revelasse o que acontece entre quatro paredes. Quando ninguém vê, tudo lhe é lícito. Eu sei, escrevi tanto que nem consegui chegar aonde pretendia. Pra falar a verdade eu tenho essa sensação sempre que vejo o filme. É como olhar uma obra de arte: Você gosta, você entende e ainda sim, não compreende por completo. Talvez essa seja uma boa definição para o que representa o filme, ao menos pra mim, claro.

O filme ainda apresenta um valor técnico sem igual. A trilha sonora composta por Gato Barbieri é de uma beleza única. Com certeza, uma das melhores já feitas para o cinema. A presença de Marlon Brando é radiante e complexa, inimaginável outro ator no papel. Mesmo que Maria Schneider não tenha uma presença tão marcante quanto Brando em cena, a atriz (que faleceu recentemente) dá conta do recado e consegue se equiparar ao seu parceiro em cena. E, por fim, e mais importante: Bernardo Bertolucci. A direção de Bertolucci é algo de outro mundo ou melhor, esplêndida. O diretor abusa de planos incríveis e demonstra uma versatilidade ímpar. Realmente, um trabalho primoroso. "Último tango em Paris" é um daqueles filmes que já nasceu sendo chamado de clássico. Um produto cinematográfico de valor inestimável.

os homens preferem as loiras (howard hawks, 1953)

2011-04-29T11:37:00.000-03:00

"Os homens preferem as loiras" é uma comédia romântica comum. Mas, se você parar realmente para analisar a obra com afinco irá perceber que possui diretrizes maiores e uma profundidade em certos temas além de um contexto abrangente. O romance fica em segundo plano dando lugar para uma comédia de costumes que assim como muitas da época apostavam em diálogos fáceis e cínicos. Esses diálogos são cheios de ironia e possui entre eles tramas paralelas que não são de fato abordada visualmente no filme. Digamos que este longa-metragem são vários filmes em um só revestido da mais pura comédia romântica. Sim, estou tentando enfatizar algo difícil, mas que irei tentar explicar melhor. A história é simples: Duas amigas dançarinas embarcam em um cruzeiro para a Europa, mais precisamente para França. Lorelei Lee (Marilyn Monroe) é loura estonteante que está prestes a se casar com o milionário Gus Esmond (Tommy Noonan). Já Dorothy Shaw (Jane Russell) é uma morena que apenas pensa em se divertir, enquanto tenta fazer sua amiga Lorelei ficar longe de certos indivíduos milionários.

As duas só não contavam que estavam sendo vigiadas pelo detetive particular Ernie Malone (Elliott Reid) que havia sido contratado pelo pai de Gus para desmascarar a loira mercenária, Lorelei. No meio disso tudo, ainda há o envolvimento romântico entre Dorothy e o detetive particular, enquanto Lorelei tenta ganhar diamantes de outro milionário a bordo do mesmo navio. Um grande destaque fica para o romance abordado no filme. Temos as típicas cenas românticas e aquele amor que supostamente vence todas as barreiras. Porém, existe uma diferença no seu contexto: os personagens são independente e indiferentes com tais sentimentos. Lorelei se apaixona pelos diamantes e Dorothy por músculos. Não vemos aquela visão cega sobre o amor que já existia na época e pelo qual eles insistiam ativamente com os seus romances clássicos.

Além disso, o filme é feliz ao focar primeiramente as duas personagens femininas e dando destaque para a amizade que existe entre elas. Duas mulheres totalmente opostas em sua forma de pensar e que ainda sim, defende com unhas e dentes quando preciso. Se bem que, o roteiro deixa a margem da dúvida já que tanto uma quanto a outra não aparenta ter família. Ou seja, as duas são uma a família da outra. Outro tema que fica em paralelo (ou não) com a trama principal é a questão da independência feminina: Dorothy e Lorelei trabalham para se sustentar e mandam em suas relações amorosas. As duas mulheres nos são apresentadas como mulheres altamente femininas e com uma beleza única, porém, sabem usar com sabedoria tais poderes femininos. A personagem de Marilyn Monroe que o diga. O filme além de tudo é um musical; Mesmo que contenha a cena icônica de Marilyn dançando e cantando "Diamonds Are a Girl's Best Friend", neste quesito infelizmente deixa a desejar. As cenas musicais são agradáveis e nem atrapalham com a narrativa do filme, porém, são simples em demasia.

Talvez por isso a cena de Marilyn seja a mais famosa: é a melhor do filme todo e a mais inspirada. Feita para a personagem certa e introduzida de forma crucial no filme. Howard Hawks não é um diretor memorável, mas teve a sorte de dirigir grandes estrelas e fazer de seus filmes grande clássicos principalmente pelo fato de obter uma direção contida e sem grandes alardes: fazendo tudo como um grande entretenimento. Neste caso, o seu objetivo alcança êxito, "Os homens preferem as loiras" é uma comédia de puro entretenimento, nada mais que isso. Este foi o filme que alavancou a carreira de Marilyn Monroe de vez. Uma pena que também tenha feito ela ficar estagnada no mesmo papel: a loira burra. Está certo que Marilyn desempenhava tal função de forma única, mas é fato que a atriz era muito mais que isso. Jane Russell tem uma boa atuação, porém, é inegável que ficou pequena ao lado de Marilyn Monroe durante o filme. Mas é correto afirmar que sua atuação é válida e eficaz tanto quando a de Marilyn.

orações para bobby (russel mulcahy, 2009)

2011-04-27T10:02:00.000-03:00

Ano de 1979. Somos convidados para acompanhar o cotidiano de uma família tipicamente americana. O pai trabalhador que tenta ao máximo conviver com sua a família; A mãe também trabalhadora e extremamente religiosa e os filhos que estão abandonando a infância para seguir cada um o seu próprio caminho. Seria perfeito se não houvesse um verdadeiro câncer na família chamado Bobby (Ryan Kelley). Câncer no sentido de se desvirtuar de seus preceitos e sair daquele caminho que o próprio já estava fadado. Bobby, não se encaixa mais nesta família perfeita. Ele tenta, porém, não obtém total êxito. O pecado parece ser tão forte e ele, tão fraco. Não há equilíbrio. O medo de queimar no inferno ou ser esquecido para sempre impera na sua cabeça. Como conviver com sua doença? Como curar de algo sem explicação? É com essas dúvidas que acompanhamos o drama de Bobby, um adolescente que agora se vê encurralado pela própria família, após descobrirem que ele é homossexual.

Como matriarca, Mary Griffith (Sigourney Weaver) tenta curar Bobby deste mal. A família inteira contribui para que ele seja curado. Bilhetinhos com passagens bíblicas são espalhados pela casa; Idas à igreja e a psicóloga se tornam algo constante e até exercícios físicos e uma alimentação balanceada são impostos para Bobby. Mas, diante de tudo isso, ninguém se importou ou ao menos tentou perguntar para Bobby como ele se sentia com tudo isso. Sua doença era vista como uma anormalidade; Um desvio de percurso feito pelo pecado que precisava ser sanado o mais rápido possível. Enquanto Bobby teme ir para o inferno ele próprio percebe que já se encontra dentro dele. Sua família se tornou o seu maior empecilho para a tão sonhada felicidade. Felicidade que a esta altura do campeonato se tornou apenas um sonho.

Quando Bobby resolve largar a escola e consequentemente desiste da faculdade, sua família entra em processo de "retrocesso". De alguma forma, Bobby saiu do percurso e o desgosto cresce. Para Mary, só havia uma certeza: "... Bobby queria estragar com a sua vida...". Neste momento, já sabemos que a vida de Bobby se tornara um verdadeiro tormento: era angustiante como se até o seu oxigênio fosse regulado. Bobby então decide ir para Portland, morar com sua prima que aceita sua condição sexual e ainda apresenta o seu futuro namorado, David (Scott Bailey). Com a vida quase feita e um emprego de enfermeiro, Bobby volta para uma visita em sua velha casa. Nada mudou, o preconceito dentre eles apenas cresceu e a vontade de Bobby em ser aceito também. Bobby decide confrontar a sua mãe. Afinal, ela era mãe: Ela poderia entendê-lo e aceitá-lo. Ela certamente o amava, não é? Bobby só entendeu uma coisa: não sou mais filho. Isso após ela lhe falar que ele poderia se acostumar com a ideia, ela enfatizou que não iria ter um filho gay. Percebe-se que agora, pela primeira vez, a homossexualidade não é vista como uma doença ou um pecado. É vista como uma condição, pelo qual Bobby sempre esteve fadado.

Não é difícil adivinhar o que vem a seguir (spoiler, porém, a própria sinopse já entrega este ato do filme). O suicídio parece ser inevitável e soa como a única saída para o inferno particular de Bobby. Ele se atira de uma ponte e morre na hora. Acompanhamos agora o verdadeiro caos desta família. Aquela família perfeita e feliz se torna algo do passado. O remorso vira um sentimento presente dentre todos. Aceitar ou não a "doença" de Bobby paira pela cabeça de todos. Mary, é a que mais sofre. Ela sabe que querendo ou não possui uma parcela de culpa na morte do filho. Neste segundo ato, somos surpreendidos com outra questão. Não acompanhamos apenas o luto da família, mas também a aceitação dela com a homossexualidade principalmente de Mary que cheia de perguntas começa a questionar os seus ensinamentos bíblicos. Neste ponto, existe uma verdadeira metodologia a cerca da homossexualidade e a aceitação da religião. Afinal, a homossexualidade é pecado ou não? Mary consegue suas respostas e percebe o seu grande erro: tentar curar algo que nem ao menos é uma doença.

Baseado em fatos reais e até possuindo seus clichês sobre o tema, "Orações para Bobby" impressiona. Por ser um filme feito para televisão possui uma excelente qualidade técnica e uma direção eficaz. O roteiro aborda de forma única esse contexto de homossexualidade Vs. religião. Nunca tinha visto algo parecido que confrontasse deste modo a religião. No final, somos agraciados com um verdadeiro discurso de Mary Griffith a cerca do seu filho e a última cena no qual ela abraça um homossexual pensando que tinha visto o seu filho é emocionante. Difícil se conter diante dessas circustâncias. As atuações são boas, porém, quem merece todo o destaque é a veterana Sigourney Weaver em uma composição de personagem incrível. Uma atuação memorável que ultrapassa as limitações do filme. Ela é o grande destaque. "Orações para Bobby" é um filme com suas falhas mas, consegue ser impressionante por argumentos tão plausíveis e mostrar um drama de forma eficiente. Um filme grande para a sua concepção. Merece uma maior atenção... e como!

pânico (wes craven, 1996)

2011-04-25T12:31:00.000-03:00

O telefone toca. Uma loura chamada Casey (Drew Barrymore) atende. Uma voz rouca começa a falar com a garota dando a impressão de ser um desses casos sobre interesse amoroso. Sabendo que aquilo era anormal, Casey retorna para a sua pipoca quando o telefone toca mais uma vez. A mesma voz ecoa no telefone, agora com um medo aparente a voz ganha forma e começa com um jogo estranho sobre filmes aonde o prêmio será salvar a vida do próprio namorado. Casey esquece a pipoca no fogo e tenta se salvar ao responder as perguntas mirabolantes do suposto assassino. Com uma sequência inicial fantástica conhecemos Ghostface e somos apresentados para os devidos personagens pelo qual torceremos -ou não- durante o restante da película. O que fica nítido logo nesta primeira sequência é que "Pânico" não se leva a sério, porém, consegue ser levado de tal maneira.

Durante toda a exibição somos confrontados um terror diferente onde o próprio filme faz uma sátira sobre si mesmo. Temos aqueles velhos clichês sobre mocinhas virgens e indefesas, vilões descarados que faz perguntas insanas ao invés de matar logo na primeira oportunidade e claro, mocinhas que sobem as escadas em vez de sair pela porta da frente. Todos os personagens estão cientes sobre os tais clichês, porém, todos fazem uso deles. Em demasia, para dizer a verdade. Difícil escolher qual a cena mais memorável durante o filme ou a mais divertida dentre tantas cenas que emanam inspiração total do roteirista Kevin Williamson. Mas,tudo isso o que acabo de destacar neste parágrafo é apenas um "adendo"; A força de "Pânico" está em seu serial killer. A grande questão é: Quem é a criatura que se encontra atrás daquela máscara? Sim, meu caro leitor, a dúvida permeia durante toda a película.

O enredo do filme é simples: Em uma pacata cidade, um serial killer vem matando jovens fazendo alusão a grande mestres psicopatas de fitas de terror americanas, quase sempre com suas perguntas sobre o tema. A jovem Sidney (Neve Campbell) se encontra sozinha durante um final de semana em sua casa. Sabendo desta nova onda de assassinatos (que começara com a morte de sua mãe), acaba por ir dormir na casa de sua amiga, Tatum (Rose McGowan). Enquanto isso, o seu namorado Billy (Skeet Ulrich) surge como um dos principais suspeitos após aparecer em sua casa logo após ser atacada pelo serial killer. A história basicamente é esta. O resto se resume aos assassinatos. Certamente, a força de "Pânico" está concentrada em sua ironia pela sátira proposta e a cerca da dúvida em volta do verdadeiro assassino. Levando em consideração essas duas coisas, o filme se sai muito bem. Agora se pararmos para analisá-lo apenas como uma fita de terror, o filme deixa a desejar.

Suas cenas de assassinato são rísiveis e aparentam ser uma homenagem ao cinema trash. Não consegue assustar. Mas é válida a áurea de suspense que o filme contém. Difícil falar sobre as atuações. A imagem que todos passam é a mesma: puro divertimento. Creio que, a primeira cena com Drew Barrymore seja a melhor dentre todas elas: os gritos e cara de espanto da atriz é algo impagável. A melhor atuação de Drew e olha que foi apenas uma participação. Quanto ao restante consegue segurar as pontas, mas não obtém nada de memorável. "Pânico" fez ressurgir das cinzas este gênero tão esquecido e fez um novo caminho para ser trilhado e copiado durante muito tempo. Wes Craven merece todos os elogios possíveis. Afinal, ninguém consegue filmar cenas com jovens sendo mutilados que nem o diretor. "Pânico" é aquele típico clássico adolescente e se manterá assim durante anos!

uma manhã gloriosa (roger mitchell, 2011)

2011-04-24T11:09:00.000-03:00

Logo na primeira cena já somos convidados -sob uma tela pequena que lembra uma tela de televisão, que se expande até ficar no formato ideal- a conhecer o mundo de Becky Fuller (Rachel McAdams), uma produtora de um programa matinal na televisão local. Nesta primeira cena já percebemos que o mundo de Becky se resume ao seu trabalho. Neste ponto inicia então o filme "Uma Manhã Gloriosa", uma comédia com um leve tom romântico para não perder o segmento pelo qual já nasceu fadado: comédia romântica. Percebemos ao longo da exibição, que o filme seria infinitamente melhor caso apostasse apenas na comédia, algo que muitas vezes o filme consegue se sobressair. A veia romântica surge apenas para tapar uma ideia que o próprio espectador tem sobre o filme. Porém, não chega a atrapalhar o resultado final. O roteiro é correto deixar o romance em segundo plano não atrapalhando o verdadeiro foco do filme.

Quando enfim, Becky, percebe que será promovida logo fica cheia de entusiasmo e esperança quando na verdade acaba sendo demitida. Algo no mínimo estranho para uma produtora tão trabalhadora e competente como aparenta ser. Após um período ruim (aquele que você sai em busca de emprego sem o mínimo de esperança!), Becky consegue então uma vaga na rede de televisão IBS para ser produtora executiva do programa matinal "Daybreak". Becky aceita então a difícil missão de repaginar o programa que se encontra às moscas com uma audiência pífia. Muda as pautas, demite o âncora masculino e contrata o renomado jornalista Mark Pomeroy (Harrison Ford) para dividir a bancada com a Collen Peck (Diane Keaton). Feito isso, Becky encontra mais obstáculos em seu caminho: Mark é egocêntrico e não aceita a ideia de fazer parte de um programa como o "Daybreak" e Collen não aceita ser inferior ao seu parceiro de bancada.

Qualquer pessoa em sã consciência não aceitaria um emprego como esse aonde tudo se resume a ingratidão. Se "Uma Manhã Gloriosa" consegue deixar uma lição, certamente é essa: Este mundo tão encantador que aparenta ser, pode ser um enorme pesadelo. É assim que a visão de Becky fica ao perceber que, querendo ou não trabalha muitas vezes em vão. Seu trabalho não tem o menor respeito tanto pelos jornalistas renomados ou pelo resto da produção. Neste caso, é a embalagem que colhe os ouros e não o conteúdo. "Uma Manhã Gloriosa" ainda levanta uma boa questão sobre a qualidade do conteúdo dentro da televisão. Afinal, tudo é válido para conquistar audiência e público? É nesta questão que Becky chega ao perceber que a audiência do "Daybreak" sobe quando ela esculacha e coloca conteúdos risíveis que leva muitas vezes para a humilhação dos envolvidos. Claro que o filme não se aprofunda nesses temas, porém, consegue levantá-los para uma boa discussão e ainda assim conciliar com toda a proposta inicial do filme.

Rachel McAdams há muito tempo esperava por uma oportunidade como esta. Interessante constatar que a atriz já fez bons papéis e muito deles como a personagem principal, porém, ainda não teve aquele que realmente a leve para o topo. A atriz consegue segurar as pontas e se sai muito bem com sua Becky Fuller, possui um ótimo timing cômico e boa presença em cena. Quem sabe agora ela não sai daquela seleta lista de artistas promissores. Ao menos melhor que a atual rainha das comédias -Katherine Heigl-, ela consegue ser. Harrison Ford nunca possuiu um bom timing cômico; Suas aventuras por comédias românticas sempre foram tentativas frustradas e, "Uma Manhã Gloriosa" é uma dessas tentativas. Diane Keaton ao contrário de Ford, poderia ter sido melhor aproveitada. Sua personagem e atuação tinham grandes chances de ser o grande triunfo do filme. Em seu saldo final "Uma Manhã Gloriosa" é sim, uma grande mesclagem de clichês e até uma comédia romântica comum, porém, consegue ser com maestria. Apesar dos seus erros, é um bom filme e cumpre o que promete.

a pele (steven shainberg, 2006)

2011-04-23T16:25:00.000-03:00

Diane Arbus é uma fotógrafa conhecida pelo inusitado. Seus trabalhos são marcados pela veia artística que caminha para o bizarro. A fotógrafa gosta deste mundo: real e ao mesmo tempo bizarro. Este filme em questão, retrata fielmente essa relação de Diane Arbus com a bizarrice. No entanto é um filme biográfico que não é real: somos avisados logo de cara que, mesmo se tratando de uma personagem que realmente existiu o filme em si não é completamente real e autêntico. Pode-se notar isso também no título em inglês que conota a imaginação da protagonista. Somos convidados para conhecer o mundo de Diane Arbus (Nicole Kidman). A própria personagem tem uma vida comum, porém, existe pequenos detalhes que a diferenciam.

Diane é uma dona-de-casa comum que trabalha como assistente do marido fotógrafo de moda, Allan Arbus (Ty Burrell). Tem duas filhas meninas e aparentemente possui uma vida de pura felicidade. Seria felicidade se Diane fosse como as outras mulheres. Diane possui uma visão diferente e uma sensibilidade única; Gosta de coisas estranhas e flerta com o desconhecido; Possui coragem e sede de enxergar fora do próprio mundo que uma sociedade impôs. Tendo essa visão, Diane conhece o seu novo vizinho, Lionel Sweeney (Robert Downey Jr.), um tipo estranho que sempre usa uma máscara escondendo o rosto. Atraída desde o começo com este novo vizinho, Diane é implantada de forma única para o lado dele. Os dois vão se conhecendo e criando um vínculo de amizade, porém, sempre percebemos uma forte tensão sexual entre ambos. Mas o roteiro prefere enfatizar essa estrutura de amizade e amor. Algo plausível para a situação.

Lionel é um sujeito diferente que possui uma doença pelo qual tem pelos por toda a parte do seu corpo. Apenas os olhos e a boca ficam livres desses pelos indesejados. Ao primeiro olhar é como ver um grande cachorro com pelos enormes ou um daqueles monstrinhos da saga "Star Wars". Mas quando percebemos o quão humano é este personagem (até por ele ser humano e ter uma doença em vez de ser "uma figura mística") é impossível não comparar com a fábula "A Bela e a Fera" no qual a linda moça se apaixona pela fera abominável de bom coração. Isso de fato ocorre, mas é de forma singular e sem atropelamentos. Acompanhamos uma estrutura sólida de companheirismo. Até porquê, Diane é uma mulher bem resolvida nesta questão. A moça só não é compreendida por completo pelo marido. O roteiro enfatiza a situação ao colocar o marido de Diane como uma boa pessoa: compreensivo ao extremo. Seu único problema é ser normal demais. E Diane é mais que isso, e busca a mesma estranheza que contém em si em alguém para então haver um complemento. Claro, ela encontra isso no mundo de Lionel.

A direção de Steven Shainberg é um verdadeiro primor atenuando a bela direção de arte que o filme contém e aliado com uma boa edição no qual resulta em um trabalho minuciosamente fantástico. A trilha sonora surge como um fator essencial se fazendo presente na maior parte das cenas, fazendo assim uma junção especial com todo o conceito estético presente nas cenas. Robert Downey Jr encontra o tom perfeito para o personagem, é bom ver que o seu Lionel é uma "fera" confiante e acredita no seu potencial. Não temos que aguentar aquele típico melodrama sobre a inferioridade e complexo de beleza. A fera se comporta como alguém normal sabendo de suas limitações e fazendo um bom uso dela. Nicole Kidman encanta de todas as formas possíveis. Sua atuação apenas comprova o seu enorme talento como atriz. "A Pele" é um filme esquisito e completamente bizarro. Mas é tão bem feito e nonsense que se torna uma pequena obra-prima.... só basta ser descoberta para ser apreciada como se deve.

segundas intenções (roger kumble, 1999)

2011-04-21T23:00:00.000-03:00

Cada ser humano possui um caráter e suas diferenças. Algo completamente natural e óbvio. Desde sempre, o cinema gosta de brincar com essas diferenças e o caráter humano. Desde sempre. O filme "Segundas Intenções", basicamente é isso: um jogo descarado sobre o caráter. Não exatamente isso, porém é inevitável afirmar que sua base não seja essa. Em cada personagem encontramos um caráter diferente e ao mesmo tempo uma dualidade. Se bem que, não posso afirmar esse último adjetivo. Certamente, "dualidade" não seria a palavra certa para descrever os personagens, apenas o "caráter" já diz respeito. Está certo, vou explicar essa minha (quase) incerteza sobre as questões da palavras para melhor definir os personagens do filme.

Acompanhamos a vida do rico casal de meio-irmãos Sebastian Valmont (Ryan Phillippe) e Kathryn Merteuil (Sarah Michelle Gellar) que aproveitam a vida de modo estranho como fazer joguinhos e apostas sexuais. Kathryn -que abusa do mau caráter e se faz de boa moça-, tenta acabar com a inocente Cecile (Selma Blair) ao descobrir que foi trocada pela garota. Faz com que Sebastian a inicie na vida sexual a ponto da garota ter uma má reputação, fazendo assim a sua vingança pessoal. Em contrapartida, acompanhamos uma aposta no qual Sebastian tenta tirar a virgindade da casta Annette (Reese Whisterpoon). Ele ganhando a aposta, tem pra si o que ele mais deseja: Kathryn; E ela, o carro do irmão. Acompanhamos um verdadeiro show de sedução, trapaças e traições. Não necessariamente isso, porém, é sensato dizer que tudo de mais ordinário ocorre. Para começar é difícil imaginar a vida depravada desse casal de irmãos (que passaram a "ser irmãos" quando os seus pais se casaram). Os dois possuem muito em comum e tem os mesmos objetivos.

Claro que para o filme ser mais agradável teria que ter um romance e um personagem com uma personalidade "dúbia". Sebastian e Kathryn são parecidos, porém, Sebastian sente uma extrema necessidade de mudar essa situação quando confrontado com Annette. Ao perceber que estava preso em um mundo só dele e da irmã, o rapaz percebe que sua vida poderia ser muito melhor do que jogos sexuais. Annette lhe trazia tudo aquilo o que Kathryn não compreendia. O romanceamente entre os dois funciona de forma regular e ao mesmo tempo comum. Temos aquele "amor transformador", porém, não chega ser tão irritante como era pra ser. A personalidade de Sebastian desde o primeiro momento trazia essa faceta. O personagem Sebastian não chega a ser tão "dúbio", muito menos humano. Mas de alguma forma consegue ser agradável acompanhar essa transformação da água para o vinho.

Já Kathryn consegue ser completamente o oposto de seu meio-irmão. Enquanto o garoto se encontra aberto a novas possibilidades, percebemos que a moça não segue o mesmo rumo. Kathryn é ruim, maquiavélica e acima de tudo invejosa. Possui tudo aquilo o que quer, mas sempre a felicidade alheia lhe parece mais agradável. Sua ruindade não chega a ser devastadora consigo mesma, mas é perceptível que ela mesma sabe que nunca obterá tal plenitude. Portanto se ela não tem, ninguém terá. Annette e Cecile possuem personalidade iguais e ao mesmo tempo opostas. Enquanto Annette é ingênua, sagaz e esperta Cecile se mostra completamente inocente em relação a tudo. Tanto que suas atitudes são completamente infantis e mostra que pouca coisa se sabe sobre a vida. É talvez a mais engraçada dentre as personagens tamanha a sua "ignorância" perante a tudo e todos.

"Segundas Intenções" é um filme agradável e ao mesmo tempo completamente estranho. Possui um roteiro até inteligente mas ao optar pela condução jovial acaba caindo na própria armadilha e se torna em diversos momentos um "filme trash". Afinal, acompanhamos riquinhos mimados em intensas aventuras sexuais. O filme em si, não é nada mais que isso. Ao menos, "Segundas Intenções" não se leva a sério e não se torna maçante, pelo contrário, embarca nesta aventura maluca. O filme tem gosto de nostalgia e um requinte. É cult, engraçado e trash. Difícil explicar sua proposta ou seus sentimentos em relação ao espectador... mas, no final se torna puro entretenimento. Nada além disso.

dançando no escuro (lars von trier, 2000)

2011-04-16T18:58:00.000-03:00

Lars Von Trier é um diretor de momentos. Suas sensações e principalmente seu estado de espírito influenciam quando o diretor se encontra encurralado com algum projeto. Enquanto que obras como "Anti Cristo" se aprofundam em uma imensidão de melancolia é com "Dançando no Escuro" que vemos o fim da esperança. A melancolia está presente em cada cena, porém, existe aquele grito de independência como se um milagre pudesse ocorrer a qualquer momento. Mas, estamos diante de um produto com a marca de Lars Von Trier. Sendo assim, não devemos crer em milagres. Apenas apreciar aquilo o que o próprio oferece. Impressionante como Lars usa tudo ao seu favor: desde a crítica à cultura americana até a desgraça alheia. Por mais que ele não queira, é perceptível ver que o seu ponto de visa acerca da protagonista é de piedade.

Selma Jesková (Björk) nos é apresentada gradativamente como uma boa pessoa e conhecemos suas dificuldades. Dificuldades essas que são contornadas pela imaginação fértil de Selma que prefere viver na ilusão dos musicais e esquecer sua dura realidade. A intenção de Lars Von Trier é clara, não é apenas uma crítica e sim, um modo de levar seus espectadores às lágrimas com um drama envolvente. Impossível não se sensibilizar com Selma ou ao menos, não torcer por um final feliz. Porém, vocês sabem é Lars Von Trier, aquele que vê o mundo com uma grande neblina diante dos olhos. O drama de "Dançando no Escuro" se concentra em Selma: mãe solteira que mora de aluguel nos fundos da casa do casal Bill e Linda (David Morse e Cara Seymor). Selma possui um problema de visão hereditário e sabendo que o seu filho possui a mesma doença, resolve juntar um grande montante para conseguir pagar a operação do filho antes que seja tarde demais. Sabendo da existência desse dinheiro, Bill rouba o dinheiro de Selma trazendo consequências catastróficas para ambas as partes.

A segunda metade do filme caminha para um verdadeiro abismo sem fim. Podemos analisar a vida de Selma como um pesadelo, porém, quando ultrapassa as cenas do roubo é um abismo sem fim. Sim, é muita desgraça para uma pessoa só. Mas, a direção de Lars é tão sútil com o exagero do roteiro que o filme alcança o equilíbrio. Consegue ser surreal pela ingenuidade da protagonista e ao mesmo tempo belo pela sua determinação. Como o próprio nome do filme omite, ele é um musical. Suas cenas musicais não servem como escapismo para a trama pesada e sim como uma solidificação do drama de Selma. Todas essas cenas são interligadas com o contexto do filme e possuem sua importância dentro da trama. Diante de tantas cenas musicais fabulosas a melhor é aquela que em cima de um trem, Jeff (Peter Stormare) indaga sobre a perda de visão de Selma declarando que ela ainda tem muito o que ver. As cenas musicais possui força pelas canções executadas, algo que não posso dizer das coreografias executadas.

Porém, as "ditas coreografias" me pareceram como algo para irritar o espectador ou algum tipo de crítica. Ainda mais quando um dos personagens diz que não entende o motivo dos personagens de filmes musicais dançarem sem o menor motivo. Afinal, na vida real não funciona assim. Mas, isso é algo a se pensar. E fazendo uma retratação, as coreografias são simples, porém, o filme todo é simples. Se elas fugissem deste tom, iria ser desproporcional com todo o restante da obra. A cantora Björk surge como um verdadeiro alívio. Sua interpretação é densa e consegue extrair toda a essência exata para a sua personagem. Selma é pura e contém uma ingenuidade nata. Björk conseguiu humanizar ao máximo a personagem. Um grande êxito para alguém que não possuía intimidade com o cinema. Com um roteiro arrebatador e suas críticas ácidas, Lars Von Trier realiza uma obra atemporal. Ainda não acredito que ele seja o melhor diretor do mundo, porém, é indiscutível o seu talento.

bonequinha de luxo (blake edwards, 1961)

2011-04-13T13:54:00.000-03:00

Audrey Hepburn já tinha uma carreira sólida e vinha de grandes sucessos quando aceitou protagonizar "Bonequinha de Luxo", será que ela ao menos imaginava o estrondoso sucesso que seria este filme? Creio que não. Mas, é correto afirmar o quão versátil era a atriz que fazia de mocinhas a freiras ou até mesmo garotas de programa, como é o caso deste filme. Vou começar escrevendo sobre aquilo o que você certamente deve saber e enfatizar como seria 'Bonequinha de Luxo' sem Audrey e a direção de Blake Edwards. Eu nunca li o livro de Truman Capote pelo qual o filme se baseia, mas é de conhecimento geral que o livro é um drama pesado sobre uma garota de programa aparentemente bissexual. Vale destacar que Marilyn Monroe daria vida a protagonista.

O que era para ser um drama polêmico se tornou uma comédia romântica contornada levemente com um drama central. Pelo o que me consta os motivos que levaram tal mudança no filme foram às exigências de Audrey e claro, coisas do próprio diretor. Blake Edwards, sempre foi um diretor de comédias. Era de se esperar que "Bonequinha de Luxo" tivesse este gênero embutido, mas, é preciso notar que o gênero faz uma leve junção com o drama. Note que o filme nunca se envereda para nenhum dos lados. Com certeza, a maior glória de Blake Edwards foi essa: fazer algo leve e ainda por cima, manter aquela polêmica que já havia no livro. Agora, imaginem se caso a direção houvesse sido feita por Jonh Frankenheimer? Caso vocês não saibam, este era a primeira opção. O diretor em questão é o mesmo de "Sob o Domínio do Mal", com certeza teríamos algo bem mais polêmico ainda mais com Marilyn Monroe exalando toda a sua sensualidade.

Agora, tachar "Bonequinha de Luxo" como uma simples comédia romântica é subestimar o seu poder de persuasão. Holly Golightly (Audrey Hepburn) possui nuances e facetas diversas. Não é completamente passiva, mas, adora saber que está sendo protegida.; Não se apegar as pessoas, porém, espera avidamente se reencontrar com o seu irmão Fred; Tenta juntar dinheiro, mas, sempre acaba gastando com algo fútil. Dito isso, só podemos concordar em uma coisa: Holly é humana. Não vou entrar naquela velha conversa sobre o estilo de vida da época mas, Holly foge de todo aquele estereótipo criado para as mulheres (e mocinhas de filmes) da época. Foi algo a frente do seu tempo e claro, um novo início de se ver o cinema. Outra questão que vale destaque é a forma como o romance é trabalhado. Possui o seu lado romântico e até uma pieguice (na icônica cena final, que mesmo sendo piegas, pode ser descrita como uma das melhores cenas românticas do cinema), mas, é importante frisar que aqui os acontecimentos não atropelam os fatos: primeiro vem à amizade e um forte companheirismo dentre os protagonistas e pouco a pouco vem o amor e o romance. Talvez por conter essa estruturação seja o que motiva a torcer pelo casal, pois temos tempo de nos apegar e simpatizarmos com os dois.

Não posso deixar de falar (ou elogiar, como queiram) Audrey Hepburn. Impressionante como sua doçura serviu como uma luva para a personagem. Marilyn Monroe é sim, uma excelente atriz. Mas nas mãos da diva platinada, Holly seria apenas mais uma sexy simbol atrás de um milionário. Algo que Audrey e a direção de Blake Edwards conseguem camuflar com maestria. No final, percebemos que Holly era apenas uma sombra do medo que ela mesma sentia. Enquanto tentava ficar longe das pessoas, ela não percebia que apenas ela mesma era o seu próprio impecílio para ser feliz. Audrey Hepburn está belíssima de todas as formas possíveis, mas sua atuação aqui é tão importante como as roupas que usa em cena. O filme ainda possui uma bela fotografia de New York, algo que deve fazer Woody Allen se roer de inveja. Possui também uma trilha sonora inesquecível, simplesmente por ter a música 'Moon River' que junto do filme já se tornou um clássico único. "Bonequinha de Luxo" é um filme simplesmente maravilhoso!

amor por contrato (derrick borte, 2010)

2011-04-10T18:17:00.000-03:00

"Amor por Contrato" pode enganar os desavisados: não pode ser tachado de comédia romântica como o título sugere. Porém, contém elementos do gênero, detalhes específicos. O filme contém uma linha romântica e consegue se adaptar a alguns clichês fazendo com que eles pareçam renovados. Essa questão fica aparentemente em evidência quando analisamos a sinopse do filme. O longa evidência o alto consumismo que a sociedade atual venera. Toca na ferida de forma única e ao mesmo tempo sútil ao trazer um estudo sobre ambição, ganância e inveja. Afinal, vale tudo para ter determinado produto por puro capricho? As questões levantadas são tantas em cima de um mesmo tema, que claramente, não posso classificá-lo apenas como uma comédia e sim, um amplo estudo sobre tudo aquilo o que envolve o que já citei.

Está certo, o parágrafo acima contém rodeios para se chegar a um único lugar. Mas de vez em quando é bom tentar passar uma imagem adulta e culta sobre determinado assunto. Este, porém, é o trabalho da Família Jones: enganar sobre determinada espécie e situação. Digamos que seja um shopping em ação. Só que há uma inversão: em vez de você ir até eles, eles vem até você e tomam conta de sua casa. Estranho perceber que a situação mostrada no filme não parece ser tão surreal. Afinal, para quê existem os comerciais? O filme se concentra na Família Jones, composta por Kate Jones (Demi Moore), Steven Jones (David Duchovny) e seus filhos Jenn (Amber Heard) e Mick (Ben Hollingsworth). A família aparentemente parece ser perfeita. Possuem uma bela casa e desfilam com produtos invejosos. Claramente, este é o trabalho de cada um: vender o seu produto. Apenas há esta diferença: não são exatamente vendedores e sim uma família falsa. Esta jogada de marketing aparentemente estranha, não poderia ser mais que perfeita.

Até por que, quem nunca sentiu uma inveja por não ter tal produto que a outra pessoa tem? Falando assim, pode soar até algo ruim, mas, é algo que pode acontecer com qualquer um a qualquer situação. E a família Jones é exatamente isso: o estereótipo da perfeição. O verdadeiro consumismo americano (e mundial, claro!) empregado em cada marca ou cada sorriso. O roteiro mantém um foco inicialmente de mostrar a rotina e o trabalho de cada integrante desta família. No segundo ato vemos a diferenças e as intrigas. Pois sabemos que ali não existe uma família, portanto a suposta filha poderia muito bem gostar do suposto pai, não é mesmo? Ou aquele vizinho invejoso almejando a felicidade alheia pode se dar mal ao tentar copiar o estilo, não é verdade? Diversas situações aparecem, colocando a ética de cada um em xeque. Plausível dizer que os clichês agora se tornam presentes pelas situações demonstradas. Mas de tão bem executadas e empregadas no contexto, acabam se renovando e demonstrando ter gás suficiente para aguentar o tranco.

Já tem um bom tempo que Demi Moore não acerta em suas escolhas, basta olhar seus últimos filmes. Mas com "Amor por Contrato" ela acerta o alvo e demonstra ainda uma boa atuação. Eu, nunca fui grande admirador da atriz, mas, aqui ela acerta o tom e tenta ao máximo fazer um bom trabalho. E creio que consegue alcançar o resultado. Do resto do elenco não há maiores destaques, mas todos contém uma atuação razoável (destaque para Amber Heard que vêm crescendo bastante como atriz). A direção de Derrick Borte é simples, mas, ainda sim merece destaque por ser o seu primeiro filme. "Amor por Contrato" tem suas falhas, mas contém um grande esforço para escondê-las. Possui clichês, mas acaba sendo vencido pelo tema abordado. Um filme reflexivo e simpático... Nada mais que isso!

comer, rezar, amar (ryan murphy, 2010)

2011-04-08T11:12:00.000-03:00

Liz Gilbert (Julia Roberts) tinha tudo aquilo o que uma mulher atualmente deseja: um bom marido e uma carreira sólida. Porém, em algum momento ao olhar para esta vida perfeita ela percebe que não está satisfeita. Liz não se vê feliz com o seu atual casamento e se vê em uma crise que abala suas estruturas. Em vez de contornar a situação de alguma forma plausível ela, resolve de forma radical, acabar com o seu casamento. Ao perder todos os seus bens, ela começa um relacionamento com um ator de teatro, David (James Franco). Esta relação caminha para o mesmo fracasso do seu casamento. Percebendo que os problemas não são eles e sim ela mesma, a moça resolve viajar durante um ano. Digamos que sejam umas férias de autoconhecimento. Neste momento que a razão da existência do título entra em ação. O longa apresenta de forma didática e correta o proceder deste título: Liz come na Itália, reza na Índia e ama em Bali.

Os três lugares distintos possuem algo em comum entre si: servem de ponte para a nova mulher que está renascendo dentro desta pessoa. Liz não vai para a Itália por puro capricho e sim, apreciar uma boa comida procurando reencontrar o apetite para a sua vida. Nesta fase já encontramos o primeiro sinal da falta de atenção masculina. Na Índia, ela vai em busca de refazer sua vida espiritual e tentar consertar os velhos defeitos. Entra em ação, aquela lição de moral sobre perdoar a si mesmo. Afinal, já sabemos que o problema é ela e não eles. Em Bali vemos a junção desses aprendizados em busca do equilíbrio. Neste momento, o quebra-cabeça que está à vida de Liz está quase acabado. Porém, ela percebe que falta a peça principal: o amor. Não adianta, Liz foi ao outro lado do mundo para perceber que ela tinha problemas e que precisava de mudanças. E claro: precisava de um homem.

Não posso julgar mal a intenção de "Comer, Rezar, Amar". Suas intenções são as melhores possíveis e possui uma mensagem bonita por traz de cada cena ou cada fase nesta viagem. O maior problema é perceber que Liz é humana demais e contém dramas normais. Ela precisava se decompor nesses países? Com certeza, não. Desde sempre ela sabia desses problemas, só não tinha encontrado a pessoa certa para resolvê-los. Olhando por essa perspectiva é claro que o filme parece ser inútil e fútil. Mas lembram-se? Liz é tão humana que sua saga pelo autoconhecimento se torna plausível tanto quanto a mensagem que ela tenta nos repassar. Por isso, para acompanhar este filme é bom estar preparado: de muito bom humor ou completamente confuso com os caminhos que sua vida tomou.

Claro que o filme ganha notoriedade pela sua protagonista; Julia Roberts está completamente livre, leve e solta em cena. Esbanjando simpatia e entregando uma atuação segura. Agora para quem é brasileiro pode achar estranho o personagem interpretado por Javier Bardem. Eu pelo menos nunca fiquei sabendo sobre uma certa tradição de dar selinhos nos filhos. Sem contar que o "português" de Bardem não convence tanto. Cadê Rodrigo Santoro numa hora dessas? Mas, Javier é um ator tão simpático também que mesmo que sua atuação seja meia-boca, nós conseguimos perdoá-lo. Claro que a fotografia é muito bonita e possui imagens belíssimas (que ainda sim, poderiam ser melhores...). "Comer, Rezar, Amar" pode ter decepcionado em diversos critérios, mas, dentro do que se propõe consegue ser bacana e simpático.

amor na tarde (billy wilder, 1957)

2011-04-06T11:52:00.000-03:00

Logo nas primeiras cenas somos avisados em uma narração em off sobre o amor parisiense. O amor naquele país é visto com outros olhos e colocado em prática de forma óbvia. Nessas cenas já encontramos um tom de ironia colocado pelo diretor Billy Wilder sobre o amor e a pureza que o cerca. Afinal, enquanto o resto do mundo espera o amor acontecer é em Paris que há "o amor acontecendo", ou seja, não existe aquela simbologia e sim a ação. Vemos vários namorados se beijando em lugares públicos inclusive homens fazendo o mesmo (ironicamente, claro!). No filme há uma expectativa que envolve Paris, percebemos que desde sempre a cidade é apreciada por românticos e pode apostar: Billy Wilder consegue usar isso ao seu favor.

Acompanhamos a vida do detetive Claude Chavasse (Maurice Chevalier) que ganha à vida justamente com os romances. O detetive é sempre procurado para descobrir algum tipo de traição. Em um dos seus casos atuais sua filha Ariane Chavasse (Audrey Hepburn) acaba conhecendo o canalha Frank Flannagan (Gary Cooper) um milionário conhecido pelas suas peripécias amorosas. Sabendo que um marido enfurecido resolve matar o dito cujo, Ariane resolve salvar a vida do Sr. Flannagan. Feito isso os dois acabam se conhecendo e se encontrando todas as tardes. Enquanto que Ariane tenta se camuflar em uma mulher fatal e se igualar ao seu amante ele, por sua vez acaba se apaixonando por ela sem ao menos saber que esta mulher é apenas uma estudante de música apaixonada pela primeira vez. Não preciso aqui comentar sobre os caminhos que este romance toma. É fácil adivinhar. O que faz de "Amor na Tarde" um bom filme é exatamente a sempre competente direção de Billy Wilder que usa de toda sua ironia para contar a história.

O diretor coloca em ação um humor sútil sem ao menos tentar ser engraçado. Da mesma forma que o romance caminha para alguns fatos dramáticos, o diretor suaviza com o seu roteiro afiado e suas situações inusitadas. Acompanhamos uma verdadeira guerra sobre traições e mentiras. Aquele que convencer melhor ganha. Mesmo que pareça piegas em diversos momentos, "Amor na Tarde" ganha à simpatia dos seus espectadores pelo fato de ser simples e sem rodeios. Sabemos o final, mas o caminho que leva até ele é tão interessante e meticuloso que o filme se torna o mais agradável possível. Claro que o que me levou até o filme foi Audrey Hepburn (Billy Wilder também contribuiu). O que posso dizer sobre a atuação dela? Quem visita o blog regularmente, sabe muito bem que sou fã da atriz. Audrey Hepburn está aqui em uma de suas melhores atuações: encontra o tom perfeito para a personagem. Afinal, Ariane tinha tudo para cair na pieguice pelo o seu jeito esperto e ao mesmo tempo ingênuo. A simpatia de Audrey Hepburn faz toda a diferença.

Gary Cooper aparece canastrão, mas ainda sim é completamente agradável vê-lo em cena. Note que o roteiro faz duas brincadeiras com a persona de Audrey Hepburn. A primeira é pelo fato da atriz sempre contracenar com homens mais velhos. Quando indagada pelo personagem de Cooper, ela dispara: "... Eu gosto de homens mais velhos. Os mais novos são estranhos!...". A segunda é quando o mesmo personagem põe em cheque aqueles defeitos físicos de Audrey como sua magreza, pés e orelhas grandes... Contando o pescoço, claro. Mas como ele mesmo diz: "... Eu gosto deste conjunto.”. "Amor na Tarde" possui ainda uma trilha sonora belíssima, incluindo "Fascinação" que toca incansavelmente e embala o casal protagonista. Não poderia dizer que tem uma bela fotografia, já que tive a impressão de que Wilder apostou em um modo mais "teatral". São poucas as cenas que não se passam dentro de um quarto de hotel. "Amor na Tarde" pode não ser um grande clássico, mas, é agradável e contagiante. Uma verdadeira sinfonia sobre o amor.

eterno amor (jean-pierre jeunet, 2004)

2011-04-04T13:26:00.000-03:00

"A esperança é a última que morre". Mathilde (Audrey Tautou) seguiu a risca esse ditado popular. Após saber que o seu namorado, Manech (Gaspard Ulliel), foi morto em combate enquanto lutava na primeira guerra mundial em uma batalha de franceses contra alemães. Não satisfeita com a morte e ainda acreditando que o seu noivo possa estar vivo, Mathilde parte em busca da verdade. Tenta encontrar sobreviventes e segue pistas do paradeiro. A fé de Mathilde é tanta que não importa o que os outros pensem, pra ela, Manech está vivo e ela o encontrará mesmo que para isso tenha que mover céus e terras. Claramente que ela não chega a este ponto, mas, podemos afirmar que tudo o que estava dentro do seu alcance ela realizou, mesmo que tenha uma deficiência que a faz mancar (poliomielite). O roteiro escrito pelo próprio diretor e uma verdadeira trupe preza pela inteligência. Todas as pistas são bem armadas e estruturadas. Tanto que o roteiro tenta confundir o seu espectador. Somos entregues para uma lógica sem fim que entra em uma conexão completamente diferenciada.

Nomes e pessoas aparecem a todo o momento, apenas para camuflar a dúvida da sobrevivência de Manech. É difícil acompanhar e seguir o raciocínio de Mathilde. Porém, percebe-se que o diretor tenta simplificar isso na tela fazendo com que o quebra-cabeça seja rapidamente montada e mostrado para o publico. Todas as pistas e linhas soltas são desvendadas para o belíssimo final. Simples e belo. Impressionante como o diretor Jean-Pierre Jeunet (O Fabuloso Destino de Amélie Poulain) consegue realizar um filme de forma tão magistral. O filme em determinados momentos (para não citar todos) se mostra uma bela poesia de esperança e, sobretudo, amor. O romance aqui abordado possui uma pieguice que consegue ser real a ponto de acreditarmos neste amor entre Manech e Mathilde. Na tela soa algo frio e humano que para ser mais verdadeiro é impossível. O filme é sobre o verdadeiro amor e consegue empregar ao máximo em cada cena este sentimento. Por mais que hoje isso seja tão banalizado não é difícil torcer para que no final tudo desse certo para Mathilde tamanha dedicação na luta daquilo que acreditava.

Assim como o belo "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" neste filme encontramos uma direção de arte primorosa e uma fotografia excepcional. Note que as cenas de guerra são frias e possui um tom acinzentado entrando em contraste com o mundo de Mathilde completamente alaranjado. Os pequenos detalhes e a personalidade de cada personagem são abordados de forma única, apresentando suas particularidades e estranhezas. Fazer comparações com "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain" é inevitável, porém, em nada em comum os dois filmes tem. Apenas possui o mesmo carinho que o diretor mostrou nas duas obras. Audrey Tautou em uma atuação intensa e ainda temos o deleite de ver Jodie Foster e Marion Cotillard em cena. O elenco basicamente é um destaque a parte. Ainda contando com uma trilha sonora arrebatadora, "Eterno Amor" se mostra um belo exemplar de como pode ser feito e explorado um romance: singelo e verdadeiro. Apenas essas duas palavras podem definir a grandeza deste filme.

uma cruz à beira do abismo

2011-03-30T10:15:00.000-03:00

"Uma cruz à beira do abismo" trata de forma direta o único objetivo da personagem principal: se tornar freira. Mas, logo nas primeiras cenas vem à dúvida: Por que uma moça de boa família e noiva decide se tornar freira? Com base nesta questão o roteiro constrói esta figura feminina de forma discreta e solene. Os motivos de Gabrielle (Audrey Hepburn) vão sendo mostrados gradativamente, quando entra em cena outra discussão: a fé da personagem. Gabrielle se torna Irmã Luke. Acompanhamos de forma singular todo o processo que leva para se tornar uma freira, suas maiores dificuldades e angústias. A negação, humildade e amor ao próximo se tornam o caminho para a perfeição almejada pela Irmã Luke, o desejo de alcançar tal objetivo se torna algo iminente.

O desejo de se tornar uma freira perfeita toma o lugar de se tornar uma boa freira. Porém, em determinado momento vem à tona as dúvidas e as incertezas. A vida no convento começa a ficar difícil. Resistir às tentações começa a ser um fardo e ser obediente a ponto de se desfazer dos outros se torna algo estranho. Irmã Luke começa então a ver o lado negativo de ser uma freira. Algo que ela nunca parou para analisar. Desde a primeira cena, ficamos avisados sobre o desejo de Gabrielle ir para o Congo ajudar as pessoas, este é o seu maior desejo e aquele que a motivou a se tornar uma freira. Mas, quem pudera que apenas ajudar ao próximo fosse o único passo. Em todos os momentos, acompanhamos uma luta interna controlada pela Irmã Luke. Seus desejos reprimidos e sua vida casta começam a ter outro sentido. Ainda mais quando no Congo ela conhece o Dr. Fortunati (Peter Finch) um médico bonito e que não acredita na fé das freiras. A vivência entre os dois começa a fazer com que a Irmã Luke enxergue com mais clareza sua situação e sua verdadeira fé.

A história retratada é verdadeira tanto que Audrey Hepburn teve a chance de conversar com a verdadeira Gabrielle. O filme pode parecer simplório e, em diversas partes ele é. Porém, o psicológico da Irmã Luke é tão bem preparado e as questões levantadas são tão intensas que o filme prende até o último minuto. O diretor Fred Zinnemann entrega um panorama onde ele não opina sobre nada, porém, mostra os dois lados da moeda. A hipocrisia da religião em muitas partes e benevolência em outras. Ele não atacou, apenas retratou com total veracidade aquilo que acontece com essas mulheres. Portanto, o roteiro e o sentido histórico do filme são inigualáveis. Falar deste filme e não citar a atuação de Audrey Hepburn é a mesma coisa que não comentar nada sobre o mesmo.

O filme contém todos os elementos possíveis para ser chamado de clássico, mas é inevitável afirmar que a sua força se encontra em Audrey, que entrega uma atuação poderosa. Ela que passa todo o sentimento e imprime com força total as dúvidas vividas pela verdadeira Gabrielle. Audrey Hepburn em um dos seus melhores momentos, tanto fisicamente falando como em atuação. Sendo esta última o grande triunfo do filme. A trilha sonora do filme é outro grande destaque, principalmente por não ser manipulador tentando testar a sensibilidade do espectador. Note que em seu ato final não possui trilha, apenas a imagem em si. Talvez por isso seja tão emocionante e ao mesmo tempo de uma beleza única. "Uma cruz à beira do abismo" é maravilhoso em toda a sua composição. Um verdadeiro clássico que contém tudo aquilo o que na época poderia ser proporcionado. Realmente, maravilhoso!

The Nun's Story (Fred Zinnemann, 1959)

across the universe

2011-03-29T11:41:00.000-03:00

Lembro que na primeira vez que tinha visto "Across the Universe", eu tinha gostado um bocado. Na época, foi um verdadeiro "achado" conferir este musical. Vendo hoje, pela segunda vez, só posso ressaltar uma coisa: você apenas vê um filme quando confere pela segunda vez. Afinal, é inevitável o entusiasmo em ver algo novo ou aparentemente "arrebatador". "Across the Universe" ainda é um belo musical, mas, não conseguiu arrancar suspiros como da primeira vez (suspiros? deixa pra lá). Caso você não saiba o filme é um musical feito com as músicas dos "The Beatles". Particularmente, não sou fã da banda tampouco conheço sobre eles, apenas o essencial. Aquilo o que todos sabem. Portanto não posso propriamente comentar o modo como reinventaram as músicas dentro do contexto da trama. A história é praticamente pífia e possui uma esplêndida direção de arte. Enfim, vou tentar trabalhar esses dois quesitos neste texto. Bem, o roteiro do filme é sim, um amontoado de clichês e contém uma história previsível.

Mas tenho que levar em consideração o fato do roteiro ter sido realizado conforme as músicas. Lucy (Evan Rachel Wood) e Jude (Jim Sturgess) foram compostos conforme a melodia embalada pelos "Beatles". Portanto é correto afirmar que o roteiro é bem feito e tenta ao máximo contar uma boa história. Se o roteiro consegue priorizar as mudanças daquele tempo (revoluções, guerras e etc.) é no quesito romance que ele esbarra. O romance de Lucy e Jude é tratado de forma infantil e tão pouco convence. Não é algo arrebatador que faça o espectador torcer pelo jovem casal. Seria mais apropriado se o roteiro tivesse humanizado mais o casal. Eles eram apaixonados, porém, precisavam ficar juntos? Receio que não preciso responder. Talvez a atuação tenha uma parcela de culpa. Evan Rachel Wood e o jovem Jim Sturgess até funcionam juntos, mas de algum modo não convencem. A direção de arte junto da trilha sonora acaba sendo o grande destaque. Porém, notei algo nesta revisão. A direção de arte é primorosa e possui atrativos notáveis, mas é algo que envelhecerá com o tempo. Nesta revisão, o visual perdeu o impacto e se tornou tão superficial como a trama dos personagens (digo o romance).

O modo como a diretora Julie Taymor realizou a junção ficou estranha. As cenas musicais possuem um "ar de independência" muito grande, são clipes musicais e não cenas que fazem parte de um musical. Entendem? Este pequeno erro, no futuro talvez fique mais notável e se torne um atrativo para que o filme seja aquele tipo de "Cult" no qual tem o seu público, mas sempre será um filme velho. Não posso deixar de citar as cenas dispensáveis, algo que "Across the Universe" possui com grandeza. Muitas dessas cenas são apenas um veículo para que alguma música dos "Beatles" seja cantada. "Across the Universe" ainda é agradável e interessante pelo o que se propõe, mas não é assim algo tão magistral como aparenta ser. É bom, mas poderia ser melhor. Tinha tudo aquilo o que precisava para ser memorável ou, um futuro clássico. Pena que se perdeu na própria grandeza.

Across the Universe (Julie Taymor, 2007)

sucker punch - mundo surreal

2011-03-27T18:56:00.000-03:00

"Sucker Punch" é um filme onde realidade e fantasia se juntam para contar uma única estória. Seria aqui, mais fácil comentar das aptidões artísticas que o filme contém, porém, "Sucker Punch" é muito mais que isso- mesmo que este quesito seja o principal atrativo-. O filme segue a vida de Babydoll (Emily Browning), que após uma briga com o seu padrasto acaba sendo internada em um hospício. Neste lugar, a moça começa a fantasiar dentro de um mundo imaginário, aonde ela e suas amigas vão em busca da liberdade. Algo que, faz parte da realidade e da fantasia. O filme trabalha em cima deste tema, durante toda a sua exibição. É claro que o desenvolvimento deste, fica a ver navios, já que o diretor se preocupa mais com o visual do que a ação dos sentimentos envolvidos entre os personagens.

Mas, "Sucker Punch" em algum momento ganha vida própria e de alguma forma, consegue passar uma mensagem, além da liberdade. Essa liberdade está empregada desde a primeira cena, quando Babydoll se vê presa ao seu padrasto. Continua presa quando vai para o hospício, só que agora a liberdade ganha uma conotação maior. Afinal, a situação é diferente. Neste local a liberdade significa sobreviver. Em questão do mundo surreal, é correto afirmar o modo estranho que Snyder costurou esses dois mundos. Em seu caminho para o ato final, descobrimos que esses dois mundos estão acontecendo com ações conjuntas, apenas com mudanças ocorridas pelo imaginário da Babydoll. Por exemplo, Sweetpea (Abbie Cornish) tem a missão de roubar um mapa. Em vez de mostrar a ação, vemos a moça enfrentando uma batalha para conseguir realizar tal feito. E assim acontece sucessivamente durante o filme. Ao menos o diretor arranjou um meio fácil para implanta batalhas e um bordel.

O elenco é completamente feminino, encontramos mulheres para todos os gostos e culturas. Todas elas são lindas e conseguem dar conta do recado no sentido de fazer a ação acontecer (Vanessa Hudgens um dia vai conseguir esconder a vontade de rir em cena?). Agora é impossível dizer qual delas possui a melhor interpretação, já que isso não foi nem de longe uma preocupação de seu diretor. Mas em uma rápida avaliação, Abbie Cornish e Jena Malone sai como as vitoriosas. O visual do filme é encantador desde a primeira cena. Um verdadeiro primor. A direção de Snyder está como sempre: eficaz e eficiente; Abusa de ângulos propícios e dá um verdadeiro show nas cenas de ação a pancadaria (que em muito lembram jogos de videogame). Outro destaque é a trilha sonora do filme, completamente pop e atual e mesmo que o filme se passe em outra época (década de 60?), a trilha consegue mesclar com facilidade devido à direção de arte do filme. "Sucker Punch" pode não ser um filme inesquecível, mas é um ótimo entretenimento e uma boa diversão. Consegue ser agradável até o último minuto, um filme que deve ter feito Stallone sorrir com muito orgulho (as mulheres poderiam ser filhas do Rambo, não é?). Agora apenas depende de você embarcar neste mundo surreal, ou não...

Sucker Punch (Zack Snyder, 2011)

sindicato de ladrões

2011-03-23T12:11:00.000-03:00

Começa o filme. O velho slogan da Columbia Pictures surge na tela. Com ela, vem uma intensa trilha sonora dando lugar aos créditos iniciais. A trilha fica mais intensa. Marlon Brando surge na tela com um grupo de pessoas e atrás deles, tem um navio. A trilha é interrompida pelo personagem de Brando. Um assassinato acontece. Um jovem pelo qual todos obtém um certo carinho é morto: caindo de cima do telhado. Quem matou o jovem trabalhador? Os motivos são colocados na mesa após o incidente. Aquele jovem era um delator, que tentava combater ao imponente sindicato. Sindicato este, comandado pelo mafioso Johnny Friendly (Lee J. Cobb), que comandava tudo e a todos. Quem não estava ao seu lado, era delator. Portanto, morria acidentalmente.

Terry Malloy (Marlon Brando) é um ex-boxeador. Aconselhado pelo seu irmão mais velho, Charley (Rod Steiger), acaba trabalhando para o sindicato. Com a culpa do assassinato nas costas, acaba começando a pensar melhor sobre o seu trabalho e o interesse deste sindicato. Afinal, como pode um sindicato agir de tal forma? A resposta estava clara para Terry. Mas, como lutar contra eles? Era praticamente impossível cometer tal delito, ele mesmo já poderia se considerar um homem morto. Tudo apenas se intensifica quando ele conhece a bela jovem Edie Doyle (Eva Marie Saint), que por acaso é irmã do jovem outrora morto. E agora? Como viver com a suposta situação? Terry se vê vencido pelas questões e até mesmo pela verdade. O único problema era este: Fazer a verdade se tornar a opção mais viável. O problema aumenta, quando apenas algumas pessoas decidem participar deste feito organizado por um Padre (Karl Malden). As questões levantadas pelo filme vão desde religiosas à sociedade reprimida. Havia ali um pequeno grupo que estava cansado de ser mandado ou trabalhar para chegar a lugar nenhum. Era isso o que acontecia. Reprimidos por algo maior. Analisando este fato, fica algo em evidência. Previsível, mas merece destaque: Todavia fomos inferiores a alguém. Sempre somos subordinados a regras e reprimidos de certa forma.

Por mais que haja liberdade de expressão ou alguém tentando mudar algo, seremos ainda sim, inferiores a algo. É assim que a sociedade funciona: Uma Hierarquia. Uma pena que nem sempre seja justa (Fez algum sentido este parágrafo? Espero que sim...). "Sindicato de Ladrões" toca em temas interessantes. Ainda mais pela época, aonde a censura e este poder de hierarquia eram mais fortes. Podemos imaginar o teor da denúncia na época. O romance que o filme contém, não estraga o resto da trama como era de se esperar. O diretor Elia Kazan, sabiamente conseguiu separar uma coisa da outra e depois juntá-las. O romance não é pueril nem tampouco vulgar. É apenas tratado de forma natural e flui com todo o resto. Posso dizer que Eva Marie Saint teve uma boa participação. Pelo fato da atriz estar atuando ao lado de grandes atores, conseguiu ser um destaque na trama. Ainda mais, pela personagem que tinha chances de cair na caricatura da (quase) freira bondosa. Dizer que Marlon Brando está esplêndido e absolutamente arrasador em cena, é ser piegas. Não tem jeito: ele é o destaque. A trilha sonora composta por Leonard Bernstein é brilhante. "Sindicato de Ladrões" é arrasador da primeira à última cena (E, que cena...!).

On the Waterfront (Elia Kazan, 1954)

do mundo nada se leva

2011-03-21T12:23:00.000-03:00

Frank Capra é um diretor competente que usa os bons costumes ao seu favor. Em grande maioria, quando o seu nome aparece nos créditos iniciais podemos esperar por uma comédia que preza pela lição de moral. Lição essa, hoje vista com maus olhos, pelo fato de ser algo piegas e de certa forma, clichê. Tenho que frisar também, pelo fato de que Capra não usava uma certa humanização entre suas comédias: era uma guerra entre mocinhos e vilões, apenas mudava-se de lado. Não existiam humanos com um pé no inferno e sim, humanos bons e maus. Hoje em dia, se Capra estivesse vivo e fizesse um filme como "Do mundo nada se leva", ele seria visto como um diretor que semeia os clichês com a vaga esperança de que a humanidade ainda tivesse salvação. Por este ângulo, posso afirmar que Capra era muitíssimo esperançoso, apostava alto em humanos de bom caráter. Mas o que importa não é o bom caráter e sim, a lição de moral que corre deste bom caráter.

Em, "Do mundo nada se leva" o triunfo não é isso tudo e sim, o fato do que realmente traz a felicidade. Um plural na filmografia de Frank Capra, como você certamente deve saber. O filme acompanha a história da família Vanderhof. Família que preza pela felicidade, algo que vem do patriarca Martin (Lionel Barrymore), que prega à sua família um modo peculiar de se viver. Enquanto muitos trabalham a produzem riqueza, eles preferem fazer o que realmente gostam. O lema desta família é este: Ser feliz até dizer chega. Tony Kirby (James Stewart) é um jovem rico que se encanta com Alice (Jean Arthur) a neta de Martin. Em paralelo, o pai de Tony almeja comprar os terrenos da família Vanderhof, algo que não está nos planos desta família. Surge neste ponto, uma comédia entre famílias. Um choque dentre duas sociedades distintas: Aqueles que são felizes e aqueles que pensam que são felizes. Não preciso aqui, destacar quem é quem. O importante é saber daquilo que o diretor Frank Capra tenta nos dizer em cada cena.

O seu foco se encontra naquele ponto: Você é feliz com a sua vida atualmente? Esta questão é trabalhada durante toda a sua exibição e com maestria, diga-se de passagem. O simples fato do piegas não se tornar piegas em cena, já que algo que merece aplausos. Em determinado momento, o personagem de James Stewart indaga sobre a coragem da família de Alice. Afinal, como pode uma família viver assim? Ser feliz deste modo? Previsível dizer que cai a ficha neste exato momento. Aqueles personagens ricos e mesquinhos enfim, percebem que todo aquele dinheiro não lhe trazia felicidade, apenas status e estado de espírito. A lição de Frank Capra, enfim é dada. Mas como outro destaque, tenho que citar a cena do tribunal, quanto todos os amigos do velho Martin juntam dinheiro para pagar uma multa da família. A cena é realmente esplêndida e emocionante. O que seria de nós sem os verdadeiros amigos? Mais uma vez, ponto para Frank Capra. "Do mundo nada se leva" é um filme rodeado de lições e aqueles clichês soníferos, mas é tão engraçado e alto astral, que tudo parece ser uma grande novidade. A direção de Frank Capra nos faz adentrar para um mundo surreal e ainda sim, humano. "Do mundo nada se leva" é um filme excepcional!

You Can't Take It With You (Frank Capra, 1939)

127 horas

2011-03-19T09:58:00.000-03:00

O desespero de estar em algo sem saída é angustiante. Em abril de 2003 o alpinista Aron Ralston, passou por algo desesperador sem e com saída. Imagine você ficar preso em um lugar com saída, mas sem conseguir se mover pelo fato de sua mão estar presa a uma pedra. Imaginou? Foi exatamente isso o que aconteceu com este alpinista. Ficou ali durante cinco dias, com pouquíssima água e sem comida. Nesses cinco dias, podemos dizer que Aron pensou e repensou a sua vida, a situação desesperadora ao menos, mudou sua perspectiva de vida. Talvez nem o próprio Aron acreditava que, tinha tanta sede de viver (sede, literalmente!). Neste sentido, fiquei pensando após a exibição qual o verdadeiro significado da vida ou, se na mesma situação eu tivesse a mesma coragem de Aron. Para sair disso tudo ele tomou uma atitude radical e talvez a única que pudesse salvar a sua vida. Caso contrário, estaria morto em questão de dias.

Coube ao diretor Danny Boyle (Quem quer ser um milionário?) retratar este feito para as telas de cinema. A escolha da direção foi certeira. Danny conseguiu fazer um filme que mescla agilidade, drama e bom humor (sarcástico, posso dizer). Tudo sem sair do clima aconchegante que o diretor criou. Digo isso, pelo fato de que nas mãos de qualquer outro diretor menos sensível a obra se tornaria um mero veículo para um dramalhão de superação, rodeado de lições de morais. Danny Boyle, apenas retrata esta situação e não tenta fazer com que Aron Ralston seja um veículo para heroísmo nacional ou nada do tipo. Muito pelo contrário, em uma brincadeira (muito bem humorada e bem adaptada para o momento), Aron brinca consigo mesmo ao lembrar que não avisou ninguém para onde iria. Ele mesmo percebe o quão egoísta e egocêntrico ele costuma ser: prefere fazer tudo sozinho. Por mais, bom rapaz que seja ele percebe naquele momento seus maiores defeitos. Participamos também de momentos melancólicos da vida de Aron. Percebe quantas vezes não ligou para a sua mãe, aquele casamento com a sua irmã que ele poderia ter ido ou aquela garota que agora faz falta. Aron não estava sozinho naquele momento e sim, sozinho quase toda a sua vida e por opção própria.

Visto isso, o desejo de viver e sair desta situação aumenta. Aron Ralston toma aquela atitude mais desesperadora (caso não saiba, não leia o resto do texto...): decide cortar o próprio braço. A cena em si, não é de todo chocante. Mas naquele momento, nos apegamos e torcemos tanto por Aron que esta cena dói. Dói ao ver que a única saída era esta. Aron Ralston não se torna um herói ou um caso de superação e sim, uma lição de como se aproveitar a vida. Não deixar escapar aquele momento precioso. Afinal, nem tudo na vida se repete. Além do roteiro e direção de "127 Horas", James Franco merece todo o destaque possível. O ator demonstra um amadurecimento na sua atuação impressionante. Se não fosse Colin Firth neste ano, ele com certeza merecia levar aquela estatueta. Sua atuação está esplêndida e humaniza ao máximo a figura de Aron Ralston. Outro destaque é a maravilhosa trilha sonora, que possui um tom completamente moderno. E claro, a excelente fotografia. "127 Horas" é um filme grandioso embalado como algo simples. Cumpre o seu objetivo, de não emocionar e sim, fazer refletir.

127 Hours (Danny Boyle, 2010)

enter the void

2011-03-18T10:33:00.000-03:00

"Enter the Void" é um quebra-cabeça, pelo qual o diretor Gaspar Noé não faz a menor questão de montar. Durante toda a exibição, fiquei com uma sensação estranha pelo fato de não estar entendendo o que estava acontecendo de fato. Às duas horas e trinta e cinco minutos de exibição me parecera uma eternidade. Tanto que, tive que ver o filme em duas partes. "Enter the Void" pode ser o filme mais fantástico que você já viu, por questões óbvias. O filme contém um visual maravilhoso que mescla cores vivas e neon com uma imagem suja e colorida de Tóquio, algo impressionante. Mas é tudo tão vivo e iluminado que enjoa facilmente. Assim como "Irreversível" a câmera possui movimentos bruscos e foge do meio comum. Mas, possui uma diferença: a câmera aqui está em primeira pessoa, ou seja, são os olhos do personagem principal.

Visto isso, "Enter the Void" é um filme que tinha tudo para se tornar épico, mas se perdeu no meio do caminho tamanha prepotência de seu realizador. A história gira em torno de Oscar (Nathaniel Brown), um adolescente que vive em Tóquio e trabalha como traficante. Após a morte de seus pais quando criança acaba sendo separado de sua irmã algo que agora ele tem a chance de reverter a situação pela maioridade e o dinheiro que anda faturando. Linda (Paz de la Huerta) é uma adolescente doce que se encontra no mesmo caminho que o irmão: acaba virando usuária de drogas e trabalha como stripper em uma boate, onde começa um caso com o seu chefe. A vida dos dois muda drasticamente quando Oscar morre. Devido a um pacto feito quando criança, Oscar passa a vagar por Tóquio vendo o sofrimento de sua irmã e seus amigos, porém, tudo se mistura com o passado, presente e o futuro. Neste momento, o filme vira um caos sem tamanho. Fica a questão: Gaspar Noé tentou fazer como Kubrick e seu 2001? Só isso explica o que e fato é este filme.

Uma pessoa, assim como eu, que vê o filme ás cegas, certamente não entenderá uma única cena do filme. Pois, "Enter the Void" é isso: um quebra-cabeça impossível de se montar. Gaspar Noé se perde no meio do filme, onde tudo se torna chato e monótono e apenas nos resta o entendimento de que seu ego anda muito inflado. O filme ainda trata temas como o aborto, que possui uma das cenas mais intrigantes do filme, pelo fato de ser nua e crua, mas completamente fora do contexto onde o filme se apoia. A questão de que Oscar ainda o está vigiando seus amigos e sua irmã eu só fui descobrir quando fui ler a sinopse. Apesar de compreender depois -as muitas pistas- é impossível o espectador perceber isto durante o filme, já que o mesmo passa impressão de cenas desconexas. Claro que o filme se fosse de forma linear, não teria graça. Mas seria plausível se Gaspar Noé não estendesse tanta essa história, perde tempo com cenas desnecessárias e demasiadamente longas.

O melhor de "Enter the Void" se encontra logo no início, a forma que o diretor exibiu os créditos inicias são de uma beleza magistral e muito bem feita. A fotografia colorida é um grande atrativo assim como a ideia da câmera em movimento. Mesmo que todos esses elementos enjoem durante sua exibição, ainda sim, são os pontos positivos do filme. Agora, é difícil de compreender as atuações, posso apenas dizer que se Gaspar Noé tivesse colocado robôs em cena, seria mais original ainda, já que ninguém do elenco faz um trabalho de destaque. Mas acho que isso nem era uma preocupação do diretor. "Enter the Void" é um filme esplêndido, maçante e completamente cansativo, mas é impossível não se render aos seus encantos iniciais. Mas está avisado: Veja com muita paciência, você irá precisar dela...

Soudain Le Vide (Gaspar Noé, 2009)

amor e outros desastres

2011-03-17T08:58:00.000-03:00

"Amor e outros desastres" é uma comédia simples, mas que contém momentos de importante relevância. É um filme que ri de si mesmo e não faz questão de mostrar ao público como funciona uma comédia romântica. O longa tenta responde aquelas velhas questões amorosas. Pois, como pode no cinema o amor sempre dar certo e na vida real, não? Todos os personagens do filme possuem a mesma dúvida e estão na mesma busca: Em busca do amor verdadeiro. Jacks (Brittnay Murphy) trabalha como assistente na Revista Vogue, é uma boa pessoa e está sempre pronta para ajudar ao próximo. Seu melhor amigo, o homossexual Peter (Matthew Rhys), está à procura de inspiração para um novo roteiro quando em um encontro de negócios esbarra naquele que parece ser o amor de sua vida (e todos partem em busca deste amor desconhecido pelo qual o personagem se apaixona). Talullah (Catherine Tate) é uma poetisa que se encontra sempre descontrolada devido aos seus relacionamentos.

Entenderam a situação? Todos estão em busca deste amor sólido ou simplesmente algo que pode ser chamado de real. Mas, em determinado momento algo lhe vem à tona: E se o amor não existir? E se o amor for coisa apenas criada pelo cinema? Jacks em um ato de sabedoria indaga que o amor talvez seja apenas uma opção em tentar algo ou confiar em alguém, apenas isso: uma escolha. E, de fato, analisando o contexto que o filme nos entrega esta afirmação ao menos, parece ser plausível. Peter, por exemplo, é a prova deste argumento: passou um ano procurando aquele por quem se apaixonou perdidamente e quando consegue todo o encanto acaba, pois aquele homem não correspondeu suas expectativas. Ele procurava o amor nos lugares errados e fazia escolhas erradas que acarretavam sempre no mesmo fim. Faltava arriscar por alguém. Tentar algo. Então, neste aspecto, o filme consegue uma reflexão sobre esta loucura chamada amor. Agora vai de cada um entender ou aceitar. Mas não adianta, sempre iremos nos perguntar o que é o amor.

"Amor e outros desastres" é também um meio de homenagens a uma pessoa: Audrey Hepburn. Encontramos no filme uma protagonista que esbarra com a personalidade da atriz, porém, querendo viver como a Holly de "Bonequinha de Luxo", filme pelo qual temos também várias homenagens incluindo a música-tema "Moon River". Empregado no contexto do filme, essas homenagens mesclam muito bem com a história que fica mais doce e gostosa, mesmo que o filme muitas vezes perca o ritmo. O longa possui uma trilha sonora divertida, mas que nos remete a episódios de séries produzidas pelo televisão pelo fato de conter um humor ágil, algo que participa ativamente de todas as cenas. Mas em um resultado final o filme termina em um saldo positivo, pelo fato de não se levar tão a sério e conter várias piadas que funcionam com nós, os espectadores.

Com certeza se Audrey Hepburn ainda estivesse viva seria chamada para fazer uma participação, mas temos que nos contentar com Orlando Bloom e Gwyneth Paltrow que fazem uma aparição bem rápida nas últimas cenas. Brittany Murphy está em ótimo desempenho e contém ainda uma sutileza, afinal o seu jeito americano se esbarra com o humor frânces que o filme contém. Este choque fica em evidência, mas ficou bacana em cena. Contendo a personagem mais engraçada e extravagante do filme, Catherine Tate acaba tomando o filme para si (não inteiramente), algo que até a personagem fala em seu ato final. A direção ficou a cargo de Alek Keshishian que fez deste como o seu primeiro projeto cinematográfico (só havia feito um documentário com a cantora Madonna, aquele "Na Cama com Madonna"). É claro que a direção contém suas falhas, mas o diretor conseguiu fazer algo plausível, afinal, vemos claramente que o filme teve pouco investimento financeiro. "Amor e outros desastres" é aquele típico filme que funciona como uma sessão da tarde. Merece uma conferida.

Love and Other Disasters (Alek Keshishian, 2006)

a enfermeira betty

2011-03-12T19:02:00.000-03:00

O filme "A Enfermeira Betty" é a prova de que Hollywood já esteve em tempos melhores. Não que o filme seja extremamente original, mas, consegue aliar uma boa ideia com os clichês usuais. A trama é uma mistura de comédia com drama. Mas é interessante destacar que em nenhum momento o filme se entrega para nenhum dos gêneros citados. Fica ali, no meio termo. Talvez por isso, o filme seja tão agradável em assistir, possui um tom certo que consegue fisgar qualquer espectador, mesmo que sua trama se mostre completamente feminista, principalmente pelo seu desfecho. O tema abordado pelo filme é simplista e plausível: sonhos. Certamente, todos nós temos os nossos sonhos, mas realizá-los de fato é o problema.

Betty (Renée Zellweger) está inserida neste contexto: possui um sonho, mas não a devida coragem para realizá-lo. Muito menos a oportunidade em mãos. Betty é uma típica dona-de-casa, que possui apenas como objetivo satisfazer o seu marido, Del (Aaron Eckhart), que metido com tráfico de drogas acaba sendo morto por uma dupla de matadores (Morgan Freeman e Chris Rock). Ao presenciar a cena, Betty entra em um estado de dormência, é como se aquilo não houvesse acontecido. Ao mesmo tempo, estava acompanhando mais um capítulo de sua novela favorita, quando descobre o que fazer da sua vida: encontrar David Ravell (Greg Kinnear), o seu grande amor. Só existe um problema: David Ravell é um personagem de uma novela feita em Los Angeles e todos sabem disso, mas mesmo assim Betty prefere ir ao seu encontro. Afinal, os dois já foram noivos.

Mesmo que a trama possui um humor característico, em nenhum momento ele é abordado. Simplesmente, fica inserido em algumas cenas. Não possui gags, muito menos cenas ridículas tentando arrancar um sorriso do espectador. O diretor Neil LaBute apenas conta a história de forma normal e linear. Então, o que está inserido em "A Enfermeira Betty"? Qual o seu contexto, afinal? Simples, em seu ato final o personagem de Morgan Freeman diz a verdade na cara de Betty, que ela não precisava ter ido atrás de um personagem fictício; Que ela não precisa ter um homem ao seu lado. Pois, Betty agora, possui independência. É neste momento que Betty percebe que nunca precisou se prender ao comodismo do casamento. Evidente que sua procura pelo homem ideal se reflete na frustração de nunca ter tido uma família. Betty busca em cada homem, aquele que poderia ser o seu pai; Aquele que poderia lhe proteger.

Quando na verdade, ela não precisa disso e sim, enxergar que á autossuficiente nesses fatores e aceitar que não é preciso ser submissa. Sim, o filme se mostra na verdade ter uma mensagem totalmente feminista de quê os tempos mudaram e as mulheres também. Afinal, não estamos na década de 40, não é mesmo? Renée Zellweger demonstra uma ótima segurança em cena. Está longe daquelas caras e bocas que costuma fazer atualmente e possui uma atuação contida, sem exageros. Acertando no tom da personagem. Morgan Freeman e Chris Rock são na verdade um desperdício em cena, já que os dois não possuem uma cena marcante. Creio que os dois poderiam ter rendido algumas cenas engraçadas, mas nada acontece. A perseguição pelo país protagonizada pela dupla chega a ser maçante. "A Enfermeira Betty" não é um grande filme e nem pretende isso. Mas é agradável pelo seu tema proposto e atuação de Renée que consegue salvar o filme do ostracismo. É isso, um filme que apesar dos pesares deu certo.

Nurse Betty (Neil LaBute, 2000)

as patricinhas de beverly hills

2011-03-11T12:43:00.000-03:00

"As Patricinhas de Beverly Hills" se tornou um hit adolescente na década de noventa. Hoje em dia, o filme se resume em exibições vespertinas na "Sessão da Tarde", se tornando um pequeno clássico para nós brasileiros. Diria que é uma espécie de sucessor de "A Lagoa Azul", filme que por algum motivo foi rifado das programações televisivas. "As Patricinhas..." é aquele típico filme de garota: usa o universo feminino como desculpa para contar a sua estória, que de início para ser tão inocente e feminista que espanta os garotos. Nunca vou me esquecer de quando assistia na televisão e vinha os mais velhos me alertar sobre o tema do filme. Ou seja, um filme feito definitivamente para garotas. E isso de fato é verdade. Mas, "As Patricinhas de Beverly Hills" é apenas isso? Claro que não. Por trás desta embalagem americana existem temas como homossexualidade, aceitação e o claro consumismo que na época se intensificava com maestria dentre os jovens.

Cher (Alicia Silverstone) é uma adolescente bonita e mimada. Completamente alienada com o mundo que vive. Podemos analisá-la como uma jovem hipócrita e egoísta, pois até mesmo quando tenta ajudar os outros (Cher é uma espécie de cúpido), o seu egoísmo impera. Quando ela decide reformular a nova aluna, Tai (Brittany Murphy), ela deixa claro uma coisa: Tai que não poderia se apaixonar por um garoto fora dos padrões. O padrão em questão era algo que funcionava para Cher, que enxergava os jovens de sua idade como meros idiotas (e, de fato, são). A ajuda de Cher é algo plausível e percebe-se que isso satisfaz a sua vontade, mas a personagem demora a perceber uma coisa: ela está feliz com a situação. Mas, e essas pessoas? Estão? Entra em questão o tema aceitação, algo bastante abordado pelo roteiro inspirado no romance de Jane Austen, "Emma". Cher entra em processo da própria reformulação, percebe que o mundo não melhora quando consegue juntar um casal perfeito. Percebe que de tanto ajudar nessas questões, a mesma se encontra sozinha apaixonada por um homossexual (que juntos mais pareciam ser a Barbie e o Ken).

O filme ainda coloca um romance evidente. Cher se apaixona pelo seu irmão (que não é irmão. Afinal, ele é o quê?), um típico jovem que ela nunca pensou em se apaixonar. Ou seja, procurou tanto que em nenhum momento notou que a sua felicidade se encontrava tão perto de si. Perto, não. Do lado. Mas é interessante argumentar a personalidade da personagem. Cher é uma garota mimada, egocêntrica e sabe disso e gosta da atenção que recebe. Ajuda as pessoas, cuida de seu pai e tenta ao seu modo mudar o mundo. A garota que é tida como apenas uma embalagem meramente industrial se mostra ter um conteúdo bastante conceitual do que é ser uma mulher: Cher não se rebaixa aos homens e espera um grande amor para perder a virgindade. A personagem possui princípios. É uma mistura caótica. Cher é inocente e ao mesmo tempo esperta. Adora fazer compras no shopping, mas se preocupa com refeição especial de seu pai, entendem?

Tudo no roteiro leva ao mesmo ponto: aceitação sem julgamentos. O filme possui um humor ácido se aliando com um humor popular entre os jovens. Inevitável que não fizesse sucesso, ainda mais quando existem tantas referências a este mundo que se encontrava um tanto estranho na época com a chegada da tecnologia. Celulares e computadores começavam a pipocar na vida dos jovens e era algo que só os populares (ricos) tinham. Alicia Silverstone encarna Cher de forma agradável e consegue equilibrar bem a personagem sem cair na caricatura que sua personagem está fadada. Brittany Murphy em início de carreira dispensa comentários; A atriz como sempre, demonstra um ótimo timing cômico em cena. "As Patricinhas de Beverly Hills" é um filme que sofre com o estereótipo que lhe foi dado e claro, com os pré-julgamentos, mas é uma comédia inteligente e divertida. Um filme nostálgico que vale a pena.

Clueless (Amy Hackerling, 1995)

a lenda do cavaleiro sem cabeça

2011-03-10T08:42:00.000-03:00

"A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça" é um filme de Tim Burton. Incontestavelmente, percebe-se isso desde sua primeira cena quando já visualizamos uma prévia de como será o decorrer do filme. É um terror gótico, sarcástico e ao mesmo tempo frio. Você pode até dizer que o filme em si, é dispensável ou algo do gênero já que o mesmo não traz grandes questões ou temas relevantes como "Edward - Mãos de Tesoura". Porém, é indiscutível sua qualidade e seus efeitos para com o espectador. "Sleepy Hollow" é um filme que respira e transborda Tim Burton em cada cena, mesmo que aqui mais uma vez ele se repita. Afinal, já vimos o mesmo teor de originalidade em tantos outros filmes de sua filmografia.

Mas, ver "A Lenda" é como olhar para o seu realizador e juntar os fragmentos de sua estranha personalidade: Tudo está ali, sem tirar nem por. E por isso, "A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça" se torna tão incrível, mesmo que não seja o seu melhor. A história gira em torno do policial Ichabod Crane (Johnny Depp) no ano de 1799. O jovem audacioso é mandado para um pequeno vilarejo para investigar os casos de morte que estão acontecendo sucessivamente por um serial killer, no qual sempre lhe cortam a cabeça. O assassino em questão é descrito pelo pequeno povoado como o próprio demônio, um ser que ressuscita para achar sua cabeça verdadeira que lhe foi roubada de seu túmulo. Ichabod tenta achar meios lógicos para resolver tal caso. O personagem é inteligente sagaz e um tanto atrapalhado. Johnny Depp mais uma vez entrega seu humor sarcástico e seco, parecendo ser mais britânico do que americano. Algo que funciona com o teor gótico da trama. Era óbvio constatar que neste vilarejo ele encontraria seu grande amor, a bela Katrina (Christina Ricci).

A abordagem do relacionamento de Ichabod e Katrina é regular, possui um início estranho. Um meio completamente sem explicação e um final mais estranho que o seu início. O relacionamento dos dois em diversas partes soa como uma amizade e não, um romance. Mesmo você sabendo que os dois irão ficar juntos é meio contraditório ver os dois felizes em seu ato final. Além do mais, o casal não possui química em cena, Ichabod nos é apresentado como um personagem solitário e assim aprendemos a vê-lo durante o restante do filme. Vale ressaltar os medos do personagem. Logo quando chega ao vilarejo, Ichabod começa a ter sonhos estranhos em relação ao seu passado. É quando conhecemos de fato o personagem. Os seus medos se tornam o seu escudo e o ajudam a compreender o que está acontecendo naquele determinado momento. Talvez a lógica nem sempre esteja certa. E isso, Ichabod sabe muito bem, mesmo que seus únicos parâmetros sejam a lógica e a justiça. Falar da parte técnica de um filme de Tim Burton é (realmente) chover no molhado. Aqui ele apresenta uma fábula para adultos como um terror gótico. A fotografia salta aos nossos olhos como um esplendor, uma beleza revestida em preto e branco. Ajudam na construção deste terror que nos soa familiar.

E, é belo ver quando uma cor se destaca neste mar de escuridão, algo que acontece com a personagem de Christina Ricci que de tão loura, se destaca. A trilha sonora é competente e marca presença nas melhores cenas, fazendo crescer ainda mais o terror existente na fita. Mas este ‘terror’ para por aí, não é um filme feito para assustar. A direção de Tim Burton surge eficaz e ágil, as últimas cenas quando ocorrem às perseguições são maravilhosas. Está certo que “A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça” não seja o seu melhor projeto, mas é claramente agradável em todos os sentidos. Um ótimo entretenimento, um produto de bom gosto, no qual apenas Burton pode nos proporcionar.

Sleepy Hollow (Tim Burton, 1999)

bruna surfistinha

2011-03-05T19:00:00.000-03:00

A primeira cena de "Bruna Surfistinha" é um ensaio sensual protagonizado por Raquel Pacheco (Deborah Secco) em frente a uma Webcam. O ensaio propriamente dito, é feito de forma amadora pela adolescente que se mostra desde cedo madura e digamos que já mostra ter uma sexualidade aflorada. Afinal, meninas dessa idade possuem outras preocupações ou divertimentos do que ficar seminua da frente de uma Webcam. Neste prólogo, já imprime uma característica de Bruna e claro, o gosto natural pelo sexo. Depois acompanhamos o nascimento, daquela que já foi tachada da garota de programa mais conhecida do Brasil: Bruna Surfistinha. A moça decide fugir de casa e morar em um prive. Uma situação inusitada para uma garota de classe média que possuía uma boa família. Raquel passou a se chamar Bruna.

Neste momento, Raquel é apenas um resquício daquele passado infantil com humilhações, protagonizados entre Raquel e o seu "irmão". Raquel não possuía motivos plausíveis para abandonar sua família. Em poucas cenas, o que fica realmente claro é que Raquel era asfixiada pela mãe coruja; Descaso para o pai adotivo e motivo de vergonha para o irmão. Era realmente como se Raquel não fosse da família e sim, um pequeno detalhe esquecido ali. É pelo menos a sensação que tive entre Raquel e sua família. Já que em determinada cena Bruna admite que saiu de casa pelo fato de ter independência. Agora já como Bruna, acompanhamos o seu amadurecimento como pessoa e principalmente como mulher. Raquel era uma adolescente comum com fortes anseios sexuais. Agora Bruna é a esposa perfeita: aquela que faz absolutamente tudo para satisfazer o seu homem. O céu é o limite para Bruna que com o tempo descobre sua feminilidade e forma uma personalidade de mulher fatal.

Como toda cinebiografia, temos também a decadência de Bruna. Algo que para mim não ocorreu que a verdadeira Bruna tinha vivido. Bruna Surfistinha ganhou fama e notoriedade quando começou a escrever sua vida em um blog que rapidamente se tornou um sucesso. Com o dinheiro e a fama, vieram as novas e más amizades, no qual faz Bruna se adentrar ao mundo das drogas. Bruna se vicia e perde tudo aquilo que conquistou num passe de mágica, passando a fazer programas por vinte reais e interruptamente. Nesta fase, chega a ser surpreendente a atuação de Deborah Secco que já havia demonstrado segurança em cena desde o começo do filme. Bruna chega literalmente ao fim do poço. Dando a volta por cima, ela volta a fazer programas, escreve um livro e ainda termina "casada" com um dos seus ex- clientes. Fique tranquilo esse tipo de spoiler não estraga o filme. Até porque ele possui uma forma narrativa comum e bastante universal em contar a história de Bruna.

"Bruna Surfistinha" apresenta o mundo da prostituição de forma simples e real. Não é daquele jeito escrachada que muitas vezes vemos nos filmes, porém, não mostra tentando impor opinião sobre a valorização da profissão. O filme até deixa em aberto várias discussões sobre o tema. A opinião de Bruna é certeira: prostituição é uma profissão como qualquer outra. O filme possui uma bela fotografia e uma trilha sonora de tirar o chapéu, assim como as ótimas interpretações que realmente são o ponto forte do filme. "Bruna Surfistinha" não precisava ser uma cinebiografia, afinal sua história chega a ser comum e clichê em alguns pontos. Dizer que ser baseado em fatos reais é o seu diferencial é um tremendo erro. Agora, é impossível não se render aos encantos do filme que é sim, muito bem feito e o melhor: nacional.

Bruna Surfistinha (Marcus Baldini, 2011)

elvira - a rainha das trevas

2011-03-03T12:49:00.000-03:00

Desde muito tempo, o cinema hollywoodiano gosta de apontar o defeitos da sociedade e colocar em cheque a hipocrisia de diversas formas. E já tem um tempo também, que o cinema hollywoodiano adora apontar os erros e absurdos da sociedade americana. Generalizando e parodiando sobre o "estilo de vida americano": o belo exemplo de moralidade que sempre resulta em felizes comerciais de margarina. Propositadamente ou não, "Elvira - A Rainha das Trevas" bebe desta fonte e traz consigo mensagens sobre o consumismo, censura e moralidade. Claro, tudo embutido de forma singular em uma comédia escrachada e trash dos anos oitenta. O filme que para nós, ganhou o apelido de 'clássico da sessão da tarde'. Afinal, você com certeza já deve ter visto o filme na sessão vespertina. Hoje em dia não é mais exibido. Creio que pela censura, tamanhas mensagens subliminares (ou não) que o filme possui.

Elvira (Cassandra Peterson) é uma bela apresentadora de um programa voltado para o público de filmes trash de terror. Com o novo dono da emissora, a apresentadora acaba pedindo demissão devido a abuso sexual. Precisando de dinheiro para financiar o próprio show em Las Vegas, acaba por descobrir via telegrama que está prestes a receber uma herança ocasionada pela morte de sua tia-avó, pelo qual ela nem sabia da existência. Elvira parte em busca desta herança, que se encontra em uma pequena a pacata cidade aonde o lema é: moralidade. Elvira que usa maquiagem pesada, roupas extravagantes, adora sexo e rock'n roll acaba não sendo muito em recebida por todos os habitantes da cidade em questão. Enquanto os jovens e adolescentes se encantam com o estilo de vida de Elvira, os mais velhos a repudiam de todas as formas. O que acontece daí em diante é simples: uma guerra entre a liberdade de expressão e a moralidade imposta pelos habitantes desta cidade. E, no meio disso, Elvira descobre ser a última bruxa de uma antiga linhagem. Mais um motivo para muitos odiá-la (claro, temos um super vilão, é de praxe né?).

Vendo o filme hoje em dia, chega a ser incrível acreditar que já foi exibido em uma "sessão da tarde", pelo simples fato de conter uma libido sexual forte e conter realmente uma discussão entre o certo e o errado. Os habitantes daquela cidade não conhecem Elvira, mas a julgam pela vestimenta e suas atitudes. Em nenhum momento se questionam sobre o certo e o errado. Ela de alguma forma, lhes é apresentado como algo mau. Elvira para eles é a mesma coisa que encontrar o capeta usando um vestido: o que há de pior na face da terra. Mesmo com as mensagens, Elvira em nenhum momento se mostra ser uma má pessoa. Ainda mais, quando leva a situação de forma bem humorada e caricata, até porque, como a própria personagem diz: "... todos me acham estranha de início...". Exato, de início e para por aí.

Devido à ignorância daquele povo, conhecer Elvira não é algo bom. Trazendo para os tempos de hoje, é incrível contastar como esta mensagem se mantém atual. A sociedade em questão ainda se encontra 'cega' com alguns fatos que aqui nem preciso citá-los, já que você já deve ter imaginado quais são (julgamentos pense bem nisso...). Como todo bom filme da época, o filme contém cenas absurdas que vão desde à um dragão na panela até Elvira sendo quase queimada em uma fogueira por praticar bruxaria. A trilha sonora contém bastante rock além de conter um roteiro quase que superficial (salvo pelo tema proposto e o humor caricato da atriz Cassandra Peterson). Mas, está tudo bem. "Elvira - A Rainha das Trevas" nunca foi um filme para ser levado a sério. É puro entretenimento, do começo ao fim (quem se lembra da icônica cena "dança das tetas"?).

Elvira, Mistress of the Dark (James Signorelli, 1988)

burlesque

2011-02-26T11:04:00.000-03:00

"Burlesque" é um longa-metragem que abusa dos clichês: absurdamente e descaradamente. Porém, não posso afirmar que isto seja uma desculpa para não se gostar do filme. Afinal, quem vai conferir sabe que não se deve exigir muito de uma produção como esta. Ainda mais quando temos tantas estreias envolvidas no desenvolvimento do filme. Os clichês, são usados até de forma sábia, se for olhar por um ângulo menos crítico. Sabe aqueles filmes que você assistia quando criança? Aqueles que hoje, você chama carinhosamente de "trash". Que, de tão ruim passou a ser bom pra você? Pois é, "Burlesque" pode ser encarado desta forma: tem falhas infinitas, mas mesmo assim consegue ser cativante de alguma forma.

A trama gira em torno de Ali (Christina Aguilera) uma jovem que sai de Iowa rumo à Los Angeles, para tenta emplacar sua carreira musical. Não obtendo êxito, acaba se tornando garçonete da boate burlesca chamada propriamente de "Burlesque". Devido às dividas, Tess (Cher) está sendo pressionado pelo seu ex-marido a vender o local para o empresário Marcus (Eric Dane). Enquanto isso, Ali começa a se destacar como dançarina e futuramente como cantora. A trama basicamente é esta, apenas com o adendo do romance da protagonista com um compositor e barman. O roteiro ainda apresenta clichês como uma "rixa" de Ali com outra dançarina (interpretada pela Kristen Bell) e o deslumbramento com o sucesso. Mas, felizmente o estreante diretor e roteirista Steve Antin, manteu o foco nas cenas musicais, que mesmo faltando de maiores cuidados em muitas delas, acaba se tornando o ponto forte de "Burlesque". Também era de se esperar que ao menos isso funcionasse, já que o roteiro segue de forma pífia, tentando se sustentar em uma trama na onde nem a Disney conseguiria fazer milagres.

As cenas musicais de "Burlesque" são exibidas sempre dentro da boate, como parte do show. Portanto, não vemos personagens cantando e dançando no meio da rua. Então, seria um pouco irônico exigir algo melhor produzido do filme nas cenas em questão. Já que as mesmas fazem parte do contexto do filme, algo grandioso como "Chicago" e "Moulin Rouge" seria desproporcional para a própria trama. Então, dentro das limitações do filme, acredito que os números musicais foram bem feitos da mesma forma que muito bem coreografado e cantado. Christina Aguilera consegue entregar uma atuação agradável, já que suas falhas são camufladas pelas cenas musicais, no qual ela participa na maioria delas. Cher está basicamente como um boneco de cera em cena. Seu primeiro número musical chega a ser vergonhoso. E mesmo que a cena "You Haven't Seen the Last of Me" seja preguiçosa e mal feita, consegue ser a melhor cena musical de todo o filme, pelo fato da canção ser muito bem interpretada por Cher. "Burlesque" acaba ficando no meio termo. Mas, acaba sendo derrubado pelos pontos negativos que são demais. Porém, ainda sim, não posso dizer que não é um entretenimento agradável. Já que neste quesito, ele consegue convencer. Portanto, se for assistir não encare de forma tão crítica aquele momento, apenas assista e encare como um show de Aguilera e Cher. Afinal, é isso que o filme é.

Burlesque (Steve Antin, 2010)

o inventor da mocidade

2011-02-25T13:06:00.000-03:00

O medo de envelhecer é algo relativamente natural: uns aceitam tal condição outros, nem tanto. A ideia de envelhecimento hoje, se baseia apenas na estética, algo que pode ser solucionado com inúmeras plásticas. Mas em "O Inventor da Mocidade" a preocupação de se manter jovem, não é fisicamente e sim, espiritualmente. Algo que se perdeu com o tempo. Se antes, viver e tentar ser feliz era algo completamente normal, hoje em dia, não é visto com certa naturalidade: Afinal, como você pode ser feliz estando envelhecendo? Envelhecendo fisicamente, diga-se de passagem. Nos anos 50, havia sim, suas preocupações em se manter jovem, porém, as ideologias eram outras. Os objetivos daquelas pessoas eram diferentes e não superficiais como uma plástica. Estou apenas destacando este ponto, pois, achei interessante.

O filme realmente ressalta esta juventude perspicaz. Ele, realmente se preocupa em dar uma lição para aqueles que se preocupam com o seu exterior, esquecendo-se daquilo que pode ser mais importante. Dr. Barnaby Fulton (Cary Grant) é um cientista atrapalhado que está trabalhando para descobrir a fórmula da juventude. Em uma confusão, uma macaca que é usada como cobaia, acaba escapando da jaula, fazendo sua fórmula da juventude. A macaca por sua vez, acaba colocando no bebedouro. Quando o Dr. resolve testar sua fórmula, acaba sentido um gosto amargo que o leva a beber da bendita água. Pronto, a fórmula faz o tão sonhado efeito. Porém, todos acham que a fórmula do Dr. deu certa e não a fórmula da macaca que se encontra na água. Sob o efeito da fórmula, o Dr. Banaby, acaba fazendo coisas inimagináveis para a sua idade, como se tivesse sua adolescência de volta. Acompanhado da bela secretária Miss Louis Laurel (Marilyn Monroe), ele faz diversas confusões com este novo estilo de vida. Uma pena que a fórmula seja passageira.

Voltando ao seu estado normal, Dr. Barnaby resolve fazer mais alguns testes. Mas, desta vez quem toma é sua esposa, Mrs. Edwina Fulton (Ginger Rogers), que influenciada pelo ciúme que sente pela secretária, acaba servindo de cobaia. Edwina acaba voltando a sua adolescência com uma felicidade ímpar. A boa esposa recatada dá lugar a uma mulher estonteante, que adora dançar e pregar peças no chefe do marido. A transformação acarreta até no psicológico da mulher, que começa a agir de forma infantil, porém, normal: Resolve jogar na cara do marido suas, antigas namoradas e sua fidelidade. Mesmo que sutilmente, vem uma crítica ao relacionamento amoroso da época. Neste momento Edwina, se questiona sobre o amor do seu marido. Se realmente existe. Ela precisou estar sob o efeito da fórmula, para enxergar uma possível realidade. Algo que, estando normal seria impossível, pois o casal em questão é o verdadeiro retrato da felicidade americana da época. Passado o efeito, algumas confusões ainda acontecem como tomar a fórmula e agirem como crianças. Algo que o timing cômico do casal protagonista, se torna completamente evidente e delicioso em cena. São realmente impagáveis.

Mesmo tendo Marilyn Monroe em destaque, o filme não é dela. Sua personagem é uma coadjuvante de luxo e, infelizmente é a típica personagem que eternizou Marilyn: loira, bonita e completamente burra. Mas é inegável que sua voz doce e jeito de andar, não são aqui encantadores e bem aproveitados. O destaque fica realmente para Cary Grant e uma insuperável Ginger Rogers. Os dois possuem uma química estupenda, além do ótimo timing cômico. Um casal que deu certo. A direção de Howard Hawks ("Os homens preferem as loiras") é, eficaz e prima pelo entretenimento absoluto. Seu filme não passa disso e consegue se sobressair. Mesmo que hoje, o filme não tenha se tornado um grande clássico, faz jus ao ótimo elenco e enredo. Uma comédia divertida e despretensiosa.

Monkey Business (Howard Hawks, 1952)

crepúsculo dos deuses

2011-02-24T14:54:00.000-03:00

Norma Desmond (Gloria Swanson) foi uma grande atriz do cinema mudo. Mas, se encontra esquecida anos depois, quando o cinema falado ganhou proporções estratosféricas. Não se acostumou aos novos tempos e acabou caindo no esquecimento, se tornando apenas parte de antigas lembranças. Lembranças que, por sua vez se encontram presas a ela. Norma prefere acreditar que ressurgirá das cinzas. Acredita que ainda tem milhares de fãs e claro, na sua fama que já foi um dia, avassaladora. Norma está esperando a hora certa e neste exato momento entra em sua vida o escritor fracassado Joe Gillis (William Holden). Ele, muitos anos mais jovem que ela, conhece o mito e desvenda o que há por trás daquela, que um dia já foi grande por natureza. Joe funciona aqui como a visão do espectador, ele desvenda e adentra aos segredos de Norma. Ele é o contraponto para a realidade que Norma prefere não acreditar.

“Crepúsculo dos Deuses” não é apenas um retrato sobre o preço da fama. E sim, tudo aquilo que resta dela mesma. Norma se entregou de corpo e alma para este mundo que ela acreditava ser acolhedor. Mas em nenhum momento ela teve alguém que a lembrasse de que a queda pode ser grande demais: ela se entregou, mas, Hollywood, não. Como era de se esperar, o limbo tomou conta de sua vida. A velhice chegou, o status de estrela fora roubado por tantas outras que depois apareceram. Norma foi apenas mais uma atriz no meio de tantas outras. Mas isso, em nenhum momento lhe passa a sua cabeça. Norma vive como uma estrela possui um nome a ser velado; Mas esconde uma mulher frágil e com medo deste mundo insano que um dia lhe foi apresentado. Se antes ela era jovem e cheia de vitalidade. Nos seus tempos atuais, se tornou apenas um retrato daquilo. Era como uma peça de museu, pronta para ser mostrada como tal.

Joe aparece na sua vida de forma oportuna. Era jovem, ambicioso e precisava de trabalho. Ela precisava de algo que lhe trouxesse de volta aos holofotes: Salomé parece viável. Mesmo que Norma tenha cinquenta anos. Na construção deste roteiro, nasce um relacionamento entre ambos: Enquanto ele vê uma chance para sair da miséria, ela se vê apaixonada incontrolavelmente. Um amor doentio por parte dela vem à tona. Norma era sozinha, tinha apenas o criado Max (Erich von Stroheim) como amigo ou algo parecido. No mais, sua vida era dispensável para qualquer pessoa. Então, era de se esperar que um amor nascesse por parte dela. Era de se esperar, que este amor fosse maior que ela. Mesmo cuidando para que esta felicidade não se acabasse, não tinha jeito, Joe não era apaixonado. Mas sentia uma imensa compaixão pela desgraça que a vida da atriz havia se tornado, mas não era compaixão que ela ansiava e sim, amor e atenção. Precisava sentir-se viva e útil para alguém. Era mulher presa em sua própria armadilha.

Gloria Swanson tem uma personificação magnífica. Interpreta Norma de forma muito íntima e natural. Por mais excêntrica que a personagem possa parecer, Gloria consegue humaniza-la de forma realmente incrível. Willian Holden, como sempre competente em seus papéis, mas tem um mérito de fugir da canastrice que o personagem poderia cair. O roteiro escrito pelo diretor Billy Wilder (em parceria com Charles Backett e D.M.Marshman Jr.) é inteligente e intrigante, possui aspectos diferenciados e consegue ser louvável pela naturalidade presente.Com direito até a diálogos e cenas fazendo uma sátira ao cinema daquela época, quando era tudo exagerado e escrachado. A fotografia e direção de arte são um verdadeiro primor, assim como a ótima trilha sonora. E, por fim tenho que destacar à sempre eficiente direção de Wilder. Que neste filme consegue ser magistral. “Crepúsculo dos Deuses” é um clássico atemporal e mesmo tendo mais de cinquenta anos consegue ser completamente atual. Afinal, o cinema mudou, mas a hipocrisia e o descaso de Hollywood, não.

Dedicado com muito carinho para Júnia Lemos.

Sunset Boulevard (Billy Wilder, 1950)

fonte da vida

2011-02-22T19:14:00.000-03:00

Vou ser sincero. Tenho que ser. Não sabia como iniciar este texto; Pra falar a verdade, está se tornando cada vez mais difícil começar e terminar um texto. Existem filmes fáceis pra serem comentados. A pessoa escreve sobre a parte técnica, história e as sensações que tal filme lhe causaram durante a exibição. Sou daqueles que acreditam neste fato: todo e qualquer filme têm um fundamento. Mesmo que o único objetivo seja entreter. Mas, com o decorrer do tempo, você descobre que existem filmes que ultrapassam esses parâmetros. Filmes especiais e sublimes. Neste quesito, apenas um, havia conseguido realizar tal feito, o belíssimo "As Horas". Porém, quando eu menos esperava me deparo com "Fonte da Vida".

De início, meu interesse se baseava apenas em Darren Aronofsky. Mas o filme é muito mais que imagens bonitas e uma excelente direção. Ele é sublime; é incrível e possui aquele algo mais... Possui algo maior que "ser um filme". O filme acompanha três histórias em paralelo, com espaço de tempo de mil anos entre elas. Um soldado é mandado para a América Central a pedido da Rainha da Espanha, o motivo se baseia em descobrir a 'Árvore da Vida'. Nos tempos atuais, um cientista tenta descobrir a cura para o Câncer, doença pela qual sua esposa sofre atualmente. A esposa em questão está escrevendo um livro, o mesmo que narra à história do soldado em busca da "Árvore da Vida". Enquanto isso, acompanhamos um tipo de astronauta em busca de uma estrela. Este personagem é o mais difícil, já que não possui uma definição. Apenas há a certeza de uma coisa: os três personagens centrais são a mesma pessoa. Estão em busca do mesmo tesouro.

Aronofsky põe em cheque vários assuntos como: morte, vida, amor e religião. Essas questões são aprofundadas e trabalhadas de forma magnífica. Mesmo que soe pretensioso, é algo considerável já que, Aronofsky não entrega respostas e nem faz perguntas. Apenas realiza a sua visão sobre os temas abordados. Sim, tem suas dificuldades. Mas é algo tão intenso e perturbador que é impossível o espectador não ficar impressionado com magnitude daquilo que é apresentado. A religião ganha críticas extremistas. Em uma época aonde a igreja possuía poder e magnitude. Destruíam reinos e construíam sua própria mitologia. Mas o medo do ataque e descoberta se mantivera em pé. O medo, de aqueles saberem a verdade era maior. Entra em ação o ataque da igreja. A utopia religiosa neste sentido, nunca foi tão abrangente como aqui. Mas o que realmente fica é a dor e aceitação da morte. Aronofsky apostas as suas fichas naquele que pode ser o pior medo do ser humano: a morte. A personagem de Rachel Weisz, em certo momento se vê preparada e sem medo de obter esta dádiva, por mais que seu marido lute e não aceite. Era algo natural e racional da parte dela. A morte surge como um recomeço. Ela morreu, mas pra sempre continuará viva.

Hugh Jackman demonstra aqui uma atuação esplêndida, demonstra ser um ator com extrema sensibilidade e consegue surpreender. Rachel Weisz que obtém um papel menor consegue cativar. Diria que a cena da banheira é devastadora, mas em nada ganha das cenas do ato final, quando possui uma beleza visualmente maravilhosa. Chegando ao término, "Fonte da Vida" se torna uma experiência única com vários adjetivos. Talvez o que fica realmente é tudo aquilo o que o filme não falou: Não precisamos descobrir origens, aceitar a morte ou descobrir a cura. Precisamos realmente, aprender a viver. Aprender a olhar quando não for preciso ou simplesmente falar quando for o necessário. Cultivar amizades, e viver algum amor verdadeiro. Ser, humano não é apenas ter carteira de identidade e sim, saber que existimos em prol de algo maior que nós mesmos. Por isso, destaco mais uma vez: "Fonte da Vida" não é um filme. É mais que isso. Muito mais...

The Fountain (Darren Aronofsky, 2006)

o sabor de uma paixão

2011-02-20T21:15:00.000-03:00

"O Sabor de uma Paixão" tem tudo aquilo o que você certamente já viu em outros filmes. O clichê aqui é uma característica presente em cada aspecto do filme, porém, não chega a atrapalhar. Acompanhamos os desencontros de Abby (Brittany Murphy) uma jovem americana que desembarca em Tóquio para uma visita ao seu namorado que se encontra a trabalho. Logo nos minutos iniciais, Abby é abandonada pelo namorado que se muda para outra cidade, deixando a moça sozinha. Abby se vê desamparada e destruída em um país aonde nem se comunicar ela consegue. A moça encontra consolo em um típico restaurante japonês, onde o Ramen é o prato principal.Encantada com os poderes e sensações do típico prato, ela encontra ali uma oportunidade de aprender algo de útil: preparar Ramen. Só tem um problema: preparar Ramen, não é fácil. E, no Japão, preparar Ramen é algo tão tradicional que é passado de geração em geração.

Sem contar na pior dificuldade, Abby não fala japonês, sendo assim, não consegue entender tudo o que o seu metre lhe diz. No início, existe aquele velho clichê entre mestre e aluna. Abby é teimosa e não aceita os métodos de Maezumi (Toshiyuki Nishida), que põe a garota para limpar chão, pratos e banheiros. Mas, você sabe, no final sempre dá certo e nasce uma bela relação entre os dois. O roteiro ainda trata de por um novo romance para Abby, outro clichê inevitável. Mas, o que realmente fica do filme é a lição de moral; Abby precisa agora aprender a controlar sua vida e seus sentimentos. A garota encontra no Ramen esta oportunidade, já que tal função exige esforço de espiritualidade e equilíbrio daquele que está preparando. Percebe-se que Abby não possui tais funções, sua teimosia e falta de amor próprio não deixa. Claro que, em seu ato final a moça percebe isso.

Mesmo o roteiro sendo precário, é formidável a forma que apresenta os fatos e principalmente a construção da personagem central. Abby se mostra de início como uma mulher comum: não possui sequer um talento notável, mas basta ir ao outro lado do mundo para descobrir isso. Sua vida que antes se apoiava em homens e seu amor relaxado agora possuem um equilíbrio e estabilidade. Abby começa como uma garota, mas termina como uma mulher centrada e dona de si. Mesmo que ainda, em seu ato final, o romance impera. O personagem Maezumi também merece destaque, mesmo que a origem de sua frieza seja um tanto convencional para nós ocidentais, é bom constatar que a construção do personagem também é válida e eficaz, mesmo que a atuação de Nishida seja um triunfo. Obtém um equilíbrio sem ao menos se tornar piegas ou canastrão. Agora, partindo para a parte técnica do filme, preciso destacar algo importante. O filme se passa em Tóquio, mas prefere focar em locações internas.

Ou seja, a fotografia que poderia ser esplêndida acaba se tornando pobre demais, o que me faz questionar se o filme foi mesmo realizado em Tóquio. Mas levando em consideração que teve a participação de um estúdio japonês, acredito que realmente tenha sido feito por lá. Mas, mesmo assim, foi um erro não apostar em mais paisagens e locações externas, tornaria o filme mais bonito ao menos. Agora, o grande destaque do filme é realmente Brittany Murphy que tem uma atuação notável e completamente agradável, mostrando que faz muita falta. De nada seria o filme se não tivesse sua simpátia e carisma. O filme é realmente dela e pra ela. "O Sabor de uma Paixão" não é um grande filme e nem faz questão de ser, mas apresenta lições notáveis e bonitas. Ao menos, os clichês são bem usados e empregados da medida certa.

The Ramen Girl (Robert Allan Ackerman, 2008)